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Lisa Sotilis. El poder del mito griego

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En esta obra de Lisa Sotilis, revela el poder condicionante del mito griego, matriz de la civilidad mediterránea hacia las cuestiones del norte a través de la metamorfosis.


 

A lo largo de los siglos, las joyas se entrelazan con la historia de la vestidura y de la sociedad sometidas a transformaciones y evoluciones radicales en la tipología y, en particular, en el simbolismo: de la función disuasiva a la religiosa, de un símbolo de poder a un de pertenencia a una capa social determinada.


 

Es superfluo decir que las creaciones de Lisa Sotilis no tienen nada que ver con estas concepciones de las joyas del mundo antiguo y del pasado.

Sin embargo sus joyas hechas con fragmentos brillantes, incandescentes de mito, que se agitan con alegría en cada latido del cuerpo, tiene sus raíces muy lejos en el espacio y tiempo.


 

Se pueden interceptar fácilmente tímidas miradas hacia la búsqueda de los detalles del arte de la orfebrería sumeria de los incas, que se vuelven mas insistentes al arte egipcio, especialmente en cuanto a las técnicas de elaboración y el uso de los colores vivos de las piedras preciosas.


 


 

La producción orfebre de Grecia clásica coexiste con susúrros bien perceptibles, en las lineas simples y un poco desgastadas, pero que a partir de las cuales   Sotilis ha heredado tanto la confianza en su espíritu de racionalización y sintesis que anula el problema de la percepción, como la proporción y la armonía que se juntan en cada regla para la producción del BELLO


 

Estas son algunas de las características mas palpables en las obras tridimensionales de Sotilis, en sus obras plásticas  y las joyas que la artista elabora con sus propias manos y apoyándose en un conocimiento previo heleno y se niegan las cadencias de una vanguardia falsa superpuesta a la moda, transformado en los cuerpos de los mitos atrapados en una danza eterna simbólica con la naturaleza que se alimentan unos de otros, en una metamorfosis continua del ser:flores que se convierten hombres y mujeres, que se convierten en árboles.


 

Lisa Sotilis parece haber ya desembarcado en las costas de la Colchis, haber matado al dragón, haber eliminado las escamas de su cuerpo, haber transformado los dientes de la serpiente mortal de Ares en piedras preciosas y haberlo echado todo con el fuego del toro de Aeetes, creando su Crisomallo: su piel de oro.


 

Con la producción orfebre de Lisa Sotilis se cumple y cierra el ciclo de la apoteosis y del final feliz. El juego de espejos del que hablamos al principio se vuelve mas marcado revelando lo sublime, la estética y la fuerza explosiva  de la MITOLOGÍA que viven en este

Actualizado ( Lunes, 02 de Mayo de 2016 15:51 )
 

Beatríz Russek - Miradas Paralelas

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Vestuario para las artes escénicas y moda mexicana contemporánea

1890  -  2014


La exposición titulada miradas paralelas de la diseñadora mexicana Beatríz Russek, muestra por primera vez en nuestro país, dos miradas en torno a la indumentaria.

La primera en el arte escénico y la segunda orientada al diseño de moda mexicana contemporánea.


La reunión del material para la exposición fue un trabajo minucioso de cuatro años de investigación.

Esta integrada por cerca de 70 piezas de vestuario para las artes escénicas (teatro, opera, danza).


Beatríz Russek participó  como diseñadora de vestuario para teatro allado de directores cosagrados de la talla de Ludwik Margules, Rogelio Luévano, Ramiro Osorio, José Caballero, Mario Espinoza, Hugo Iriart, Alberto Lomnitz, Mauricio Jiménez, Luis de Tavira, Hilda Valencia y Lorena Maza. "Ellos como afirma Russek, me proponían un riguroso concepto de la puesta en escena y a la vez me daban plena libertad como creadora"


 

 

 

La exposición tiene la virtud de haber rescatado prendas efímeras que fueron usadas una y otra vez en el escenario.

Algunas fueron conservadas gracias a directores y actores que las atesoraron con el cuidado de un devoto coleccionista.


Miradas Paralelas es tan solo un "botón de muestra" que da cuenta del rol que desempeña el vestuario de Beatríz Russek en las artes escénica sen México entre 1980 y 2014


Actualizado ( Lunes, 02 de Mayo de 2016 13:00 )
 

Programa Mejorando la Unidad

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Como parte de la participación de la SEDATU, en las actividades del Festival Internacional de Arquitectura y Ciudad Mextrópoli 2016, se realizó un recorrido a través de unidades habitacionales de las delegaciones Iztapalapa, Tlalpan y Azcapotzalco, donde se aplicó el programa Mejorando la Unidad.

 

 

 

 

Funcionarios del Instituto del Fondo de la Vivienda para los Trabajadores (INFONAVIT), acompañados de estudiantes de

la carrera de Arquitectura de la Ciudad de México, del Estado de México, Jalisco, Querétaro, San Luis Potosí y Morelos

fueron informados por parte de los arquitectos encargados de las acciones realizadas en las Unidades Habitacionales

Torres – Opus 3 de Iztapalapa, Periférico – Hueso de Tlalpan y Rosendo Salazar de Azcapotzalco.


 

 

 

Constaron además los testimonios de vecinos de estos fraccionamientos quienes han visto una mejora sustancial en su entorno, como es el caso de Efrén Franco Alatriste, quien con su esposa Paz Rivera, explican que con las adecuaciones en los espacios públicos ahora pueden realizar ejercicio, y sus nietos y bisnietos pueden estar en el área de juegos sin el peligro de tener algún accidente.


 

 

 

El programa Mejorando la Unidad es una estrategia que consiste en la rehabilitación física y social de unidades habitacionales de mediante la restauración de áreas verdes, la instalación de nuevo mobiliario público, equipamiento deportivo y recreativo, bebederos, luminarias, pintura mural, instalación de internet gratuito en espacios comunes y talleres de mantenimiento. En la Ciudad de México se han intervenido 14 unidades habitacionales, en beneficio de 14 mil 333 personas.


 

 

 

Con estas acciones el Gobierno de la República refrenda su compromiso de ordenar el entorno urbano de todas y todos los mexicanos para elevar su calidad de vida recuperando las áreas verdes y comunes.


Actualizado ( Martes, 29 de Marzo de 2016 14:08 )
 

Mextrópoli 2016

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Mextropoli es el único evento que reúne más de 22 mil personas de diversos sectores para generar un intercambio de conocimiento a través de la arquitectura. Es el único foro en Latinoamérica en congregar a gente como: líderes de opinión, expertos en la materia, artistas, estudiantes y ciudadanos para la creación de una visión arquitectónica.


 

 

Mextropoli es el único evento que reúne más de 22 mil personas de diversos sectores para generar un intercambio de conocimiento a través de la arquitectura. Es el único foro en Latinoamérica en congregar a gente como: líderes de opinión, expertos en la materia, artistas, estudiantes y ciudadanos para la creación de una visión arquitectónica.


 

 

La Ciudad de México se convierte en el centro principal para la fomentación del ejercicio creativo, crítico y participativo entre la ciudadanía por medio de conferencias, diálogos, talleres, rutas, pabellones y actividades al aire libre que convierten a la ciudad en referente del urbanismo mundial y arquitectónico.


 

 

Uno de los principales atractivos será el pabellón Mextropoli, el cual otorgará el premio  “Arquine No. 18”, en el cual concursaron 250 equipos de más de 20 países. Los temas que se priorizaron fueron en reflexión sobre el acontecer de la ciudad. Por ende, el tópico manejado en el pabellón es la sustentabilidad, la vocación social y el aporte lúdico, informativo y generador de conocimiento de la ciudad.


 

 

Universidades como: Anáhuac Norte, Iberoamericana, de los Andes y la Salle contribuirán a la construcción de instalaciones para el espacio público. Michel Rojkind tendrá su pabellón gracias a su trabajo como miembro del Sistema Nacional de Creadores. Además, los proyectos de los posgrados de Arquine (Lightning Design y Espacio Efímero), la Biblioteca Móvil, Alumnos47, instalación de Taller 13 y Greenpeace con su tema sobre el agua en la Ciudad de México.


 

 

El evento ocurrirá del cinco al ocho de marzo en el Centro Histórico de la Ciudad de México y sedes alternas al mismo. Entre los expertos estarán: Rafael Moneo y Alfredo Mayne, ganadores del máximo distintivo en arquitectura como lo es el Pritzker -1996 y 2005 respectivamente-; Alfredo Jaar, artista, arquitecto y cineasta y Bjarke Ingels, fundador y director de Big.



 

De Sillas y asientos ó La historia de cómo sentarse

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Con Hernán Cortés, llegaron al nuevo mundo múltiples objetos, productos, artefactos y hasta animales que con el tiempo pasaron a ser parte del paisaje cotidiano del nuevo mundo.


 

 

 

Entre todas estas cosas se encontraba una silla plegable, hecha en forma de X, que fue utilizada por el conquistador en ciertos momentos diplomáticos para elevarse sobre los nobles indígenas, sentados sobre sus icpallis o petates de honor.


 

 

Desde el principio, pues, la silla fue símbolo de un nuevo orden sociopolítico. Sin embargo, previamente a la llegada de Cortés, las sillas habían sido objetos fundamentales para la vida cotidiana de estas antiguas civilizaciones, que producían asientos con fines suntuarios y ceremoniales.


 

 

En México, las sillas y asientos han sido más que una pieza utilitaria, los distintos significados en distintos momentos de la historia han convertido a muchas de estas piezas en símbolos y parteaguas del diseño. Ya sea por su uso, sus materiales o la tecnología con que fueron construidos.


 

 

Esta exposición busca celebrar los 30 años del Museo Franz Mayer, mostrando una selección de los distintos tipos de sillas y asientos que se han utilizado en México a lo largo de la historia.


 

 

Desde piezas populares, pasando por asientos finamente trabajados en los siglos XVIII y XIX hasta sillas y sillones de arquitectos y diseñadores que se han convertido en piezas de colección.

Las sillas irán acompañadas de pintura, grabados y fotografías que muestren las piezas en su contexto así como su importancia dentro del espacios doméstico y la vida cotidiana.


 
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