Disfruta en compañía de la familia de conciertos de música clásica interpretados por reconocidos artistas nacionales e internacionales. Recitales patrocinados por el Instituto Nacional de Bellas Artes, Coordinación Nacional de Música y Ópera.
Luz Angélica Uribe, soprano
Carmen Thierry, oboes
Águeda González, clavecín
12:00 hrs. Entrada libre
Cupo limitado
Uno de los elementos más importantes dentro de una iglesia son los retablos, verdaderas obras de arte de gran complejidad en las cuales colaboraban para su creación tanto arquitectos, como escultores, estofadores, doradores y carpinteros. Los artesanos novohispanos experimentaron en distintos formatos la realización de retablos, siempre con la más alta calidad en su manufactura y decoración. En este taller se realizará un retablo sobre madera, decorado con plantillas y tintas metálicas.
Entre los tesoros que los conquistadores españoles enviaron a Europa, como muestra de las riquezas existentes en las tierras descubiertas, se encontraban exquisitas obras de arte plumario. La manufactura de estas piezas, elaboradas con plumas de aves exóticas, demostraba riqueza por las tonalidades y textura que ofrecían a las composiciones. Los temas, si bien en su mayoría eran religiosos, estaban relacionados también con las creencias indígenas de los artesanos. Utilizando esta técnica ancestral, en el taller se realizará un mosaico sobre bastidor con cera y plumas multicolores.
La arcilla es el alma de un objeto cerámico; con ella se pueden crear infinidad de formas y diseños. En este taller se elaborará una pieza utilizando barro fresco y distintos punzones.
Muestra que reúne una selección de 45 pinturas en óleo sobre tabla, óleo sobre tela y óleo sobre lámina de cobre, en diversos formatos, provenientes de la colección del Museo Real de Bellas Artes de Amberes, las cuáles fueron realizadas por artistas como Jan Cossiers, Jan Brueghel, Michaelilna Wautier, Jacob Jordaens I, Peter Paul Rubens, José Suárez, Hipólito de Rioja y Baltasar de Echave Ibía.
Festival de México en el Centro Histórico
¿Sabías que el Museo Franz Mayer es el museo más importante de artes decorativas de nuestro país? En el encontrarás piezas tan importantes como El Biombo de la Conquista, mueble de origen oriental que se colocaba en las ventanas de las casas novohispanas para protegerse de las miradas indiscretas. Este biombo en particular muestra por un lado escenas de la conquista española en nuestro país y por el otro una vista general de la Ciudad de México a finales del siglo XVII.
En este taller se realizara a escala un biombo similar, utilizando cartón, tijeras y pegamento.
Disfruta en compañía de la familia de conciertos de música clásica interpretados por reconocidos artistas nacionales e internacionales.
Conciertos patrocinados por el Instituto Nacional de Bellas Artes, Coordinación Nacional de Música y Opera.
Balbi Cotter, violín.
Festival de México en el Centro Histórico
El diseño es considerado como la continuidad de las Artes decorativas, dedicado a producir objetos útiles y estéticos enfocados a mejorar la calidad de vida de las personas
En este taller se elaborará una almohada con telas de distintos diseños y texturas, utilizando hilos multicolores, tijeras y delcrón.
Actividad por el Día Internacional de los Museos
Este año celebra el Día Internacional de los Museos con el tema Museos en el mundo cambiante. Nuevos Retos, nuevas aspiraciones, el cual hace referencia a los desafíos que enfrenta el mundo moderno con los avances tecnológicos y el impacto de estos en el medio ambiente y en la sociedad. En este taller se reflexionará acerca del tema, elaborando una maceta ecológica que favorezca a nuestro medio ambiente.
Magna exposición de 220 piezas en la cual se muestra como el jade ha sido una de las piedras preciosas que mejor representan el poder y la consmovisión entre culturas tan distintas como la mesoamericana y la china. Las técnicas para poder darle un uso al jade fueron distintas entre ambas regiones. En China, desde muy temprano, se adoptó el uso del torno esmerilador y de una especie de taladro, herramientas que permitían trabajar la sueperficie del jade con profundidad y precisión. Mientras tanto, en Mesoamérica la técnica consistía en realizar cortes con otras herramientas duras para desgastar las superficies con herramientas afiladas y arenas abrasivas.
Exposición que muestra a través de piezas del arte virreinal provenientes de distintos centrol culturales y religiosos del país, la concepción que la sociedad de la Nueva España tenía del pecado y de algunas tentaciones, mismas que prevalecieron en los habitantes novohispanos y que hasta la fecha pervivien.
El paper toy es una de las múltiples opciones para crear objetos con diseño que resultan divertidos e innovadores. En este taller, para niños y no tan niños, participa creando tu propio juguete de papel, experimentando con distintas formas y materiales.
La existencia de los ángeles es una verdad de Fe; superan en perfección a todas las criaturas, y la humanidad se beneficia con su ayuda. Encontramos ángeles, arcángeles, querubines y demonios, que nos hablan de la dualidad entre el bien y el mal.
En este taller se elaborará una máscara que transmita esta dualidad, utilizando cartón, pegamento y pintura acrílica.
¿Sabías que en la época virreinal el chocolate era visto con recelo por las autoridades eclesiásticas, por considerarse un alimento que desencadenaba otro tipo de apetitos? Era un alimento tan codiciado que no solo tuvo éxito en América, sino que también inundó las mesas europeas por su delicioso sabor. Basado en lo anterior, en este taller elaboraras figuras de chocolate que luego podrás saborear.
Construida en 1948, representa una de las obras arquitectónicas contemporáneas de mayor transcendencia en el contexto internacional, como lo ha reconocido la UNESCO al incluirla en su lista de Patrimonio Mundial. Se trata del único inmueble individual en América Latina que ha logrado tal distinción, debido a que -como lo afirma la propia UNESCO- es una obra maestra dentro del desarrollo del movimiento moderno, que integra en una nueva sístesis corrientes filosóficas y artísticas de todos los tiempos.
Durante el virreinato, la Inquisición vigiló ciertas prácticas para evitar la presencia de pecados graves en el seno de la sociedad. La música pagana, por ejemplo, conducía a un manejo inadecuado del cuerpo e inducía a la lujuria. El comer en exceso o disfrutar de demasía del alimento llevaba con facilidad a la gula.
En este taller se elaborará un llavero con elementos alusivos a los 7 pecados capitales, utilizando pequeñas figuras de madera y pintura acrílica, para que se pueda portar y no caer en el pecado.
¿Sabías que la manzana ha tenido un simbolismo especial a lo largo de la historia por su relación con el pecado? Descubre su significado y participa en este taller, elaborando una deliciosa manzana cubierta de distintos sabores. Te encantará.
Diseño sobre vinil adherible con motivos de aves exóticas, insectos y flores que servirán para decorar diversos espacios. Se utilizará vinil para pared, plantillas, ganchos y tijeras.
La técnica de patchwork (trabajo de parches) ha sido utilizada desde la Edad Media hasta nuestros días para decorar edredones, sillas y sillones brindándoles un toque de calidez.
Con distintos cortes de tela, hilos multicolores y delcrón, se realizará una almohada.
Escribir, dibujar, pintar y diseñar es algo que realizamos normalmente sobre una hoja de papel en blanco. En este taller se elaborará un block de notas utilizando una brocha de pintor, hojas multicolores y pegamento para encuadernar.
The Jam Play Jazz
Jazz y Bossa Nova
12:00 hrs.
Auditorio
Los espejos son objetos que ayudan a dimensionar los espacios dentro de una casa y cumplen además su función como “objeto de vanidad”. Los hay de distintos tamaños y formas y se ubican en distintas áreas del hogar. Los participantes decorarán la base de un espejo con distintos materiales como pinzas de madera y listones de color.
La muestra busca presentar una crítica lectura de los alcances de esta tendencia artística en México; a propósito de señalar que el Surrealismo pudo fugarse de Europa y permanecer ivo y renovado en aquellas ciudades que acogieron a sus representantes en condiciones de exiliados. Esta exposición presenta obras de Yves Tanguy, Man Ray, Max Ernst, Victor Brauner, André Masson, René Magritte, Joan Miró, Salvador Dalí, Jean Marcel, Luis Buñuel, Gunther Gerzso, Manuel Álvarez Bravo, Leonora Carrington, Diego Rivera, Frida Kahlo, Remedios Varo, Antonio Ruíz, “El Corcito”, María Izquierdo, Carlos Mérida, Juan Soriano, Dorothea Tanning, Wifredo Lam; entre otros.
En el siglo XIX el paisajismo en la pintura floreció después de siglos entregados a la pintura religiosa. La vegetación, animales y ciudades fueron temas recurrentes de los artistas decimonónicos; tomando como base esta corriente se realizará un estudio de elementos naturales utilizando acuarelas, papel de algodón y pinceles
Todos los domingos de agosto se presentan narraciones de historias interesantes y divertidas patrocinadas por la Biblioteca Vasconcelos, a través de su programa de fomento a la lectura infantil y juvenil.
Chocolate. Una bebida gastronómica cuyo origen se remonta al México prehispánico. En un principio, era una bebida ritual que se preparaba mezclando las semillas del árbol de cacao con agua y diferentes especias y hierbas de la región, como achiote, chile, vainilla, entre otros. Las bebidas con base de cacao fueron consumidas por diferentes culturas prehispánicas, como los Olmecas, los Mexicas y los Aztecas; pero la que más importancia le dio al cacao fueron los Mayas, ya que, pensaban que Kukulkán, el dios que creó el universo junto a Tepew, le había regalado el cacao a los Mayas después de la creación de la humanidad. Por lo mismo, año con año (en abril), realizaban una ceremonia en honor a Ek Chuah, el dios del cacao.
Uno de los pintores más sobresalientes de la Academia de San Carlos, fue sin duda José María Velasco, de quien conocemos esplendidas vistas de la Ciudad de México, en las cuales plasmó con detalles de luz, color y forma la naturaleza mexicana. En este taller se estudiará su obra y los participantes pintarán un paisaje sobre bastidor con pinturas acrílicas, plastilina y pinceles finos.
Todos los domingos de agosto se presentan narraciones de historias interesantes y divertidas patrocinadas por la Biblioteca Vasconcelos, a través de su programa de fomento a la lectura infantil y juvenil.
Ensamble Coral Masculino Allegro Vox
12:00 hrs.
Auditorio
El Valle de México fue el sitio preferido de pintores nacionales y extranjeros para ser plasmado con oleos y acuarelas. Pedro Gualdi, pintor italiano que vivió 13 años en nuestro país, se vio cautivado por el esplendor de la plaza mayor de la ciudad, así como por los edificios y monumentos la rodeaban. Siguiendo la obra de este maestro italiano se realizará una perspectiva de la ciudad sobre cartón ilustración con acuarelas y pinceles.
Todos los domingos de agosto se presentan narraciones de historias interesantes y divertidas patrocinadas por la Biblioteca Vasconcelos, a través de su programa de fomento a la lectura infantil y juvenil.
Daniel Thomas Egerton, artista alemán que vivió en México entre 1830 y 1842, captó la inmensidad de ciudades como Guanajuato, Aguascalientes y Zacatecas. De ésta última, pintó el impresionante espectáculo de la ciudad minera y la arquería del acueducto. Retomando esta técnica los participantes realizarán un paisaje sobre bastidor con pinturas acrílicas.
Todos los domingos de agosto se presentan narraciones de historias interesantes y divertidas patrocinadas por la Biblioteca Vasconcelos, a través de su programa de fomento a la lectura infantil y juvenil.
Exposición que muestra una selección de piezas prehispánicas, procedentes de museos de Estados Unidos, Perú, Chile, España, Francia y México que abarcan los siglos XV al XIX. Se exhiben en seis núcleos temáticos que dan cuenta de las semejanzas y divergencias entre las tradiciones artísticas prehispánicas y coloniales de los virreinatos de la Nueva España y Perú.
La muestra cuenta con pinturas, esculturas, códices, manuscritos, queros (vasos ceremoniales) y piezas de arte plumario, entre otros objetos que forman parte de esta rica exposición.
Emilio Mejía. Flauta
Concierto La dulce flauta
Programa: Bach, Telemann, A. Heberle, Jacob van Eyck, Salvador Rodriguez, Astor Piazzolla.
World Press Photo es el certamen mundial de fotografías periodísticas más importante a nivel internacional donde se muestra lo más crudo y bello del acontecer en el mundo, conformado por fotografías políticas, sociales, culturales y deportivas. La ganadora de este año muestra un herido es sostenido por una familiar en Yemen; obra del español Samuel Aranda.
La visita guiada la realizará Lizeth Arauz, fotógrafa desde hace 14 años, ha obtenido premios como el 1er lugar en la 3er bienal de Fotoperiodismo 1999 y en fotografía digital del XXII Concurso de Fotografía Antropológica 2002.
La encuadernación holandesa de finales del siglo XIX se caracterizaba por la utilización de piel en el lomo y en los esquineros del libro, dejando el resto de la decoración con papel de fantasía evocando algunos motivos renacentistas. En este taller se elaborará una carpeta para libro utilizando cartón, vinipiel, pegamento y papeles de distintos colores y texturas.
Samurái. Tesoros de Japón, muestra diversos aspectos de la época de los samurái contextualizados a través de unidades temáticas: la visión del mundo y la situación político-social de Japón antes del siglo X, el aspecto militar de la clase samurái entre los siglos XII y XVII, la importancia del castillo de la ciudad de Nagoya durante la consolidación del poder de los samurái y, por último, el esplendor de la ciudad y de la cultura japonesa a partir de la edificación del castillo, así como el importante papel que jugaron los samurái en la construcción del imaginario japonés moderno.
Se realizarán ejercicios de caligrafía con diversos materiales y técnicas sobre papeles texturizados, con herramientas como la madera balsa, cartulina batería y bambú, al tiempo que se analizará la importancia de la caligrafía en los libros que se realizaron antes de la existencia de la imprenta.
Narraciones de historias interesantes y divertidas patrocinadas por la Biblioteca Vasconcelos, a través de su programa de fomento a la lectura infantil y juvenil.
La tradicional ofrenda estará dedicada este año a la investigadora Ruth D. Lechuga, una de las más importantes coleccionistas de arte popular en México y quien donó su acervo a esta institución.
El ex libris es una marca de propiedad que generalmente aparece a manera de estampa o sello al reverso de las pastas de los libros. Franz Mayer tenía el suyo estampado en todos los libros de su colección. Con estireno, pinceles y tintas de distintos colores cada participante diseñará su propia imagen para imprimirla en una postal.
Esta exposición busca lograr un acercamiento inédito al fenómeno de la muerte y los objetos cotidianos y artísticos en torno a este suceso, desde la época prehispánica hasta la contemporánea. La muestra está conformada por más de mil piezas del acervo de éste museo y otras colecciones, el público será testigo de un recorrido por representaciones de la memoria y los recuerdos más allá de la muerte. Objetos que han servido en los rituales alrededor de éste fenómeno y que son testimonio de las diversas cosmogonías y expresiones culturales de cómo los pueblos abordan dicho acontecimiento.
Taller familiar en el cual se realizará una artesanía que refleje el colorido y la alegría con la que los mexicanos celebramos a la muerte. Se elaborará una pieza con cascara de naranja, la cual se decorará con hilos multicolores formando calaveras y flores de cempasúchil.
El Panteón de San Fernando es uno de los cementerios más antiguos de la ciudad de México que se conserva hasta nuestros días, es un ejemplo representativo de la arquitectura y arte funerario del siglo XIX en nuestro país. Este espacio declarado Monumento Histórico por el Instituto Nacional de Antropología e Historia en 1936, fue reabierto al público como museo de sitio para ofrecer un espacio de cultura y esparcimiento.
El éxito de un cartel publicitario radica en el buen uso de las imágenes, gráficos y tipografías, que en conjunto captan la atención del ser humano, haciendo que éste identifique al instante el producto. En este taller se elaborará un cartel publicitario haciendo uso de recortes de revistas, periódicos y plantillas tipográficas.
El teatro, la opera, los conciertos y festivales siempre van acompañados de carteles que difunden dichos eventos. Con la técnica de collage y teniendo como opciones las carteleras de espectáculos vigentes de la ciudad, se diseñará un cartel con tema cultural.
Selección de más de 60 piezas que forman parte de la colección El placer y el orden del Museo de Orsay de París, donde se muestran obras de Cézanne, Monet, Renoir, Bonnard y otros maestros que formaron parte de los movimientos rupturistas de las primeras vanguardias.
Con base en distintas vanguardias artísticas se diseñará un cartel con recortes de distintos papeles, texturas e ilustraciones.
Niños y adultos podrán elaborar brochetas de dulces de sabores y texturas que servirán como el regalo perfecto para compartir con la familia. Se utilizarán bombones, gomitas azucaradas, aciditos y pegamento comestible.
Extraordinario viaje al cambiante Ártico. La película narra la dramática historia de una osa polar y sus dos oseznos que viven una aventura de amor y supervivencia, en uno de los lugares más inhóspitos y mágicos sobre la tierra.
Tradicional posada decembrina creada para toda la familia; se disfrutará de un delicioso ponche de frutas, piñatas y aguinaldos.
Exhibición de 56 óleos de gran formato de Gottfried Helnwein, fotógrafo y artista plástico de origen austriaco, cuya obra muestra una vocación social de sensibilización. La temática conceptual de la exposición trata sobre la ansiedad psicológica y sociológica que el artista ilustra, tanto metafórica como explícitamente, en temas como el holocausto y la sociedad consumista.
Exhibición integrada por 68 imágenes, de más de 30 fotógrafos ciegos y débiles visuales. La exposición ofrece al espectador una visión distinta y auténtica del México contemporáneo, en la que se manifiesta la importancia de la diversidad y tolerancia para construir una sociedad más incluyente. Recorrido a cargo de la asociación Ojos que sienten.
La fotografía puede plasmarse en distintos soportes para crear una composición alterna a la que la lente ha captado por primera vez. En este taller se realizará un collage con fotografías impresas que transformarán un objeto común en una caja de ideas y creatividad.
12:00 hrs.
Antes de la digitalización fotográfica las imágenes eran intervenidas a mano con técnicas tradicionales como recorte, collage y aerógrafo; utilizando estos procedimientos se intervendrá una fotografía jugando con los planos, las perspectivas y las dimensiones para que asemeje una composición digital.
Muestra de 132 obras de artistas como Leonora Carrington, Dorothea Tanning, Remedios Varo, Alice Rahon, Louise Bourgeois, María Izquierdo y Frida Kahlo.
Cuenta con piezas nunca antes vistas en México, como The Chess Queens o The Mountain, entre otras que se reúnen en esta exposición de arte protagonizada por 45 mujeres representantes de un movimiento que buscaba la innovación artística desde la exploración del inconsciente y el cuestionamiento del ser ante la sociedad.
El aire, las hojas de los árboles, el aroma de las flores, la textura de las piedras y el sonido de las aves pueden transformarse en imágenes. En este taller, personal de la asociación Ojos que Sienten mostrará cómo una persona con discapacidad visual realiza extraordinarias tomas fotográficas.
Objetos de uso cotidiano, muebles, fotografías, bocetos y diseños exquisitos en joyería creados por el escritor, dibujante, empresario, coleccionista y orfebre William Spratling, podrán ser apreciados en esta muestra integrada por casi 400 piezas.
La exposición está dividida en cuatro núcleos temáticos: Taller Las Delicias; Experiencia en Alaska; Taxco, El Viejo; y, Sucesores de William Spratling. En los cuales conoceremos el camino que recorrió para dejar este increíble legado.
La visita guiada estará a cargo de la investigadora de la exposición, Ana Elena Mallet.
La marquetería fue utilizada en la decoración del mobiliario neoclásico en nuestro país, ornamentando de manera geométrica vitrinas, bancas y puertas. En este taller se decorará un portarretratos de madera imitando esta técnica con papel amate en distintas tonalidades y pegamento.
Exposición que retrata el estilo y la personalidad de la pintora que no solo utilizó ropa tradicional mexicana para exaltar la cultura, sino también para ocultar sus defectos físicos.
El contenido de la exposición despliega desde aparatos ortopédicos hasta rebozos, faldas, blusas, enredos, mantos, zapatos, medias, corsés, enaguas, accesorios y vestidos que muestran el estilo ecléctico y la personalidad de Frida ya que gustaba de combinar colores, texturas y orígenes de sus prendas según su ánimo.
La sala de platería exhibe objetos de uso religioso y civil decorados con técnicas como el repujado, cincelado o la cera perdida. En este taller se decorará un baúl de madera con láminas de estaño y punzones, imitando los que se producían durante el periodo virreinal con plata y diversos materiales como carey.
Durante el siglo XVIII algunos muebles laqueados producidos en la Nueva España tenían influencia oriental y eran decorados con fondos de colores y formas orgánicas. Se utilizará la técnica de découpage para decorar una caja de madera con diversos papeles, pinceles y pegamento e imitar el mobiliario novohispano.
Ofrece un panorama de lo que ha sido el diseño de platería en México, donde se podrá apreciar desde la destreza artesanal y el apego a la tradición, hasta la producción en serie, apoyada por los nuevos programas de computadora y las impresoras en 3D. Esta exposición también expresa la búsqueda de un lenguaje asociado con lo contemporáneo, donde por primera vez se pone en evidencia el enorme talento de nuevas generaciones de diseñadores, la combinación de materiales y la constante lucha por generar un sello de autor y, al mismo tiempo, competir en un mercado masivo y global.
Se realizará una pieza a escala del Biombo de la Conquista, una de las obras más importantes de la Colección Franz Mayer, que por un lado plasma escenas de la Conquista y por el otro una vista general de la Ciudad de México de finales del siglo XVII.
“La Marcha de la Humanidad” es una gran metáfora sobre las luchas del hombre y la mujer a través de la historia, la búsqueda de una mejor sociedad para todos.
Escuche de la propia voz del maestro Siqueiros, describir el mural más grande del mundo.
La colección permanente está conformada por objetos de artes decorativas del siglo XVI al XIX de singular belleza y extraordinaria manufactura, que cumplían con una función: la utilidad. En nuestros días, el diseño industrial da continuidad a la creación de objetos que mejoran la calidad de vida de las personas, por ello te invitamos a participar en los talleres Reutilizando una colección… en los que se realizarán actividades enfocadas al diseño y la ambientación de espacios.
Con botellas de plástico se elaborarán macetas ecológicas, al tiempo que se descubrirá cómo plantas, aves y elementos florales están presentes en mobiliario, textiles y pinturas de la colección.
En este taller se visitará el Salón del Estrado para observar la manera en que está decorado y cómo las formas, colores y texturas de este espacio responden a la moda novohispana. Posteriormente se trabajará en el diseño de un panel artístico conformado por imágenes de objetos de la vida cotidiana combinadas con colores, formas y texturas que darán a cada pieza un sello personal.
Exhibe imágenes del proceso creativo de la pintora y escritora, además de 33 esculturas de diversos tamaños, tres de ellas de plata nunca antes mostradas al público, así como un autorretrato de la última sobreviviente del movimiento surrealista.
*La biblioteca de las artes, fue proyectada en una superficie de 3,037 m2 por el Arquitecto mexicano Ricardo Legorreta, única en su género en el país, reúne más de 500 mil unidades en diversos tipos de materiales con información especializada en artes plásticas, danza, música, teatro, cine y otras disciplinas artísticas.
Con distintos cortes de tela, hilos multicolores y material de relleno se diseñará una almohada única, realizada con la técnica de patchwork (trabajo de parches) el cual ha servido desde la Edad Media hasta nuestros días para decorar edredones, sillas y sillones, brindándoles un toque de calidez.
Ensamble de cámara que interpretará fragmentos del Concierto de Aranjuez del compositor español Joaquín Rodrigo y la Tosca Fantasy de Puccini.
En una perspectiva diferente de la ciudad, recorre el centro histórico, la avenida Reforma, la Condesa, Polanco y todos los monumentos y museos que se encuentran en esta zona.
Tomando como referencia los candeleros y lámparas presentes en la colección del museo, se reflexionará sobre la importancia de la iluminación para crear ambientes cálidos y se creará una pantalla utilizando papeles de distintos colores, imágenes impresas, texturas y pegamento.
Libro club es uno de los proyectos más antiguos de fomento masivo a la lectura en el Distrito Federal; el Museo Franz Mayer se une a este importante programa recibiendo a diversos escritores que entablarán un diálogo con el público sobre el quehacer literario.
27 de marzo
15:00 a 18:00 hrs. Entrada libre
Escritores invitados: Estrella Burgos y Juan Tonda
Miércoles 27 de marzo
60 Anni di Made in Italy. Moda y diseño
Miércoles 24 de abril
Óscar Hagerman. Arquitecto y diseñador
En los talleres Fashion+glamour = Italia se reflexionará sobre la importancia de la moda y su influencia en la vida cotidiana.
Conoce cuales han sido las propuestas en el diseño de accesorios de los más famosos diseñadores italianos a lo largo de 60 años de moda y estilo. En el taller se elaborará un collar con cuentas de piel, plástico y metal.
Conoce el MIDE en compañía de tus hijos para que disfruten de experiencias que estimulen la imaginación y la inventiva, es una manera divertida e innovadora de crear una cultura económica y de desarrollo sustentable.
La Dolce Vita es el título de una película dirigida por el italiano Federico Fellini, cinta que muestra el estilo de vida, el glamour y la belleza de la sociedad italiana de los años sesenta. En este taller se diseñarán imanes inspirados en los vestidos de época exhibidos en la exposición temporal 60 anni di Made in Italy. Moda y diseño.
El vestir de cada día requiere llevar consigo un bolso, un portafolio o una cartera; el diseño, el tamaño y las texturas varían según el estilo y personalidad de quien lo porta. Conoce el origen y transformación que ha tenido este accesorio y el diseño italiano aplicado a las handbags para realizar un bolso de pequeño formato utilizando fieltro, hilos y telas satinadas.
Un recorrido por 60 años de moda italiana con las marcas más reconocidas de Alta Costura y Prêt-à-porter como Giorgio Armani, Dolce & Gabbana, Fendi, Salvatore Ferragamo, Gucci, Emilio Pucci, Versace entre otros, en el que se presentarán también objetos cotidianos de época, dónde el objetivo es divulgar la historia de los protagonistas de la moda italiana, así como el nacimiento y la evolución de éste sector.
Asiste en familia al museo y disfruta de las sorpresas que tendremos preparadas para toda la familia. Música y actividades especiales para la ocasión.
Manzanas colorinas
Aprende a elaborar una manzana con tamarindo, chile en polvo de distintos colores y chamoy.
Concierto Resonancias en Armonía: Camerata Clásica Infantil
Composiciones del maestro italiano Ennio Morricone, compositor de la banda sonora de más de 500 películas y series de televisión. Selección de obras realizadas para las películas La misión y Cinema Paradiso.
Conoce una de las pinturas más antiguas que conserva el museo y trabaja en este taller con cartón, pigmentos naturales, huevo y pinceles.
En este taller se analizará la obra pictórica del español Ignacio Zuloaga para realizar una composición con pasteles y cartulina de algodón.
Uateki es una agrupación conformada por jóvenes intérpretes de la Escuela Nacional de Música de la UNAM, que cuenta con un amplio repertorio de música tradicional con acompañamiento de marimba.
11:00 a 22:00 hrs.
Festeja el Día Internacional de los Museos con el tema Museos (memoria + creatividad) = progreso social. Participa en el Rally patrimonial a través de divertidas pistas. Conoce los diferentes tipos de patrimonio que existen. Solicita tu material en las taquillas del museo.
Las orquídeas fueron para Franz Mayer una de sus pasiones, su participación en la Asociación Amigos de las Orquídeas de México fue fundamental pues formó parte del grupo que constituyó su fundación.
Dando continuidad a éste gusto, el museo presenta desde hace varios años una muestra de los especímenes más destacados de los miembros de la Asociación de Orquideología Mexicana, que espectacularmente florecen en esta época del año.
Taller de dibujo en acuarela y pasteles. Los participantes crearán su propia obra inspirados en la amplia variedad de orquídeas presentes en la muestra Orquídeas. Primavera 2013.
A 100 años del fallecimiento de José Guadalupe Posada, el Museo del Estanquillo realiza una exposición homenaje en su honor, célebre por sus dibujos y caricaturas de escenas costumbristas, folclóricas, de crítica socio-política e ilustraciones de calaveras como la famosa Catrina.
Asímismo se visitará la exposición permanente conformada por objetos de arte popular que Carlos Monsiváis coleccionó a lo largo de su vida. La muestra se compone por una gran variedad de autores como Ernesto García Cabral, José Guadalupe Posada, Andrés Audiffred, Francisco Toledo, Miguel Covarrubias entre otros.
Disfruta en compañía de la familia de conciertos de música clásica interpretados por reconocidos artistas nacionales e internacionales. Recitales patrocinados por el Instituto Nacional de Bellas Artes, Coordinación Nacional de Música y Ópera.
Sábado 25 de mayo
Alexander Soto, Cantante
Eugenio Martinez, Piano
Sábado 29 de junio
Ignacio Mariscal, Celo
El paisajista mexicano José María Velasco, como muchos artistas del siglo XIX, pintaba al aire libre para plasmar la luz en sus paisajes. Conoce su obra y trabaja sobre bastidor utilizando pigmentos acrílicos y pinceles.
Sesión de cuentacuentos y dibujo en la Biblioteca Rogerio Casas Alatriste.
Insititución que promueve y difunde la historia de la cocina en México. A través de un paseo por el tiempo, los visitantes conocerán la cultura alimentaria y tradiciones mexicanas de manera interactiva. El recorrido comprende ambientaciones de cocina prehispánica, colonial moderna y cocina del futuro.
Construye un mural colectivo en forma de Árbol del Saber con el cual reflexionaremos sobre algunas lecturas de Jorge Luis Borges.
Una de las obras más sobresalientes de Borges es El libro de arena, a partir de ésta, rescataremos algunos fragmentos para crear ilustraciones que darán vida a las líneas escritas.
Carlos Amorales.
Uno de los artistas multidisciplinarios mexicanos más representativos en el mundo, se dedica a la pintura, animación, escultura y performance, además de ser el responsable creativo y co-fundador de la disquera Nuevos Ricos. Amorales ha tenido la oportunidad de exponer su trabajo en Londres, Paris, Buenos Aires, Nueva York, Miami y Dublin.
Juan Downey.
Fue un artista multidisciplinario chileno, destacado por ser uno de los pioneros del videoarte en su país, su trabajo se constituye como un viaje ecléctico hacia la historia del arte, el discurso político, la idea de identidad y auto reflexión.
Sus videocintas, dibujos, performance e instalaciones han sido exhibidas en exposiciones individuales en el Whitney Museum of American Art en Nueva York, Museum of Modern Art en San Francisco y Contemporary Art Museum de Houston entre otros.
Conoce diferentes tipografías que se han utilizado a lo largo del tiempo y experimenta con distintos materiales para decorar una letra del abecedario.
8 a 15 años
En este curso los participantes podrán aproximarse a la fastuosidad de la producción teatral y conocer su origen y tipologías como el drama, la comedia o los musicales. Realizarán diseño de escenografía, música y vestuario, además de creación literaria, ejercicios de locución y dramatización, entre otros.
Muestra que presenta más de 50 objetos de diseño industrial creados para fomentar la creatividad, el desarrollo y la diversión de los niños.
A través de las piezas de destacados diseñadores suecos se busca reflexionar sobre cómo el diseño puede ser una herramienta para mejorar la calidad de vida de los pequeños.
El diseño forma parte fundamental del crecimiento de un niño. A través de éste, el infante comienza a reconocer el medio ambiente que le rodea y se integra al mundo. Con el objetivo de que el público tome consciencia de la importancia y trascendencia que tiene el diseño en el desarrollo de los pequeños, la Embajada de Suecia y el Museo Franz Mayer presentan la exposición Semilla Suecas. Suecia diseña para los niños en la sala Temporales II del recinto.
Suecia ha sido uno de las naciones que más empeño ha puesto en el desarrollo de mobiliario, juguetes, ropa y accesorios para los pequeños. En ese país, los niños ocupan un lugar trascendental en la vida social; de hecho, su legislación política ha venido dando prioridad a las condiciones de vida de los menores desde comienzos del siglo XX.
Por esta razón, los diseñadores suecos han desarrollado piezas de diseño que ponen especial énfasis en las necesidades del niño contemporáneo. En la muestra el público podrá observar 46 productos creados por 50 diseñadores suecos entre los que se encuentra Björn Dahlström, creador de la Rocking Rabbit, una mecedora en forma de conejo fabricada por Playsam y considerada un icono del diseño especializado para niños en Europa. Esta mecedora le ayuda al infante a experimentar el equilibrio, el movimiento y la sensación de flotar sobre el suelo.
A decir de Margarita Bergfeldt Matiz, responsable de la curaduría, diseño y museografía de Semillas Suecas. Suecia diseña para los niños, la intención de la muestra es que personas relacionadas con la arquitectura y el diseño se empapen de las ideas creativas de los diseñadores suecos para poder a su vez proponer nuevos productos que puedan servir a la infancia mexicana y hacer un entorno más agradable para los niños.
“Lo que queremos es abrirle los ojos a los adultos. Conscientizarles sobre los derechos humanos de los pequeños y destacar que para los niños es importante el juego”.
A través del juego, explica la curadora, los niños comienzan a desarrollar su inteligencia tanto emocional, como creativa: “Jugando, los niños aprenden a solucionar problemas, a integrarse con los demás, a explorar el mundo que les rodea. El juego es fundamental para su crecimiento”.
Asimismo, la exposición busca conscientizar sobre la importancia de la participación de ambos padres en la educación. El Canguro Synergy de Bay Björn, por ejemplo, tiene un diseño ergonómico que facilita cargar al bebé de una manera cómoda. Contrario a los canguros tradicionales, éste está diseñado para ser utilizado tanto por una mujer, como por un hombre.
“Queremos mostrar que no solo la madre es responsable de la educación del niño, sino también el padre. Este canguro le da también a el la posibilidad de moverse sin problema alguno. Es un diseño ergonómico que se adapta a su cuerpo”.
Otro de los objetos que podrá verse en la exposición es el reloj Sunblock Sunsuit, que fue diseñado especialmente para que los niños tomen conciencia de la importancia de no sobreexponerse a los rayos de la luz ultravioleta del sol.
“La idea es explorar diversas posibilidades de diseño industrial que nos ayuden como sociedad a generar soluciones que promuevan el bienestar de los niños”.
En la muestra, también se exhibirá una flor rellena de poliéster blando que puede ser utilizada para descansar, jugar o esconder cosas. Asimismo, se expondrá el Delta Sand, una arena especial que al secarse se torna solida, pero que al mojarse vuelve a convertirse en arena. En principio, este material fue utilizado por escultores suecos para realizar pruebas de obras. Luego, fue integrada como material didáctico en algunas de las guarderías de Suecia.
La exposición Semilla Suecas. Suecia diseña para los niños se presenta en México con el apoyo de la Embajada de Suecia, el Instituto Sueco y gracias al patrocinio de ABB, BioGaia, HIAB, Publimetro, SCA y TetraPak.
Con el propósito de promover la innovación en el diseño contemporáneo de la cerámica utilitaria y difundir la excelencia y creatividad de los ceramistas mexicanos, el Museo Franz Mayer presenta la 4ª Bienal de Cerámica Utilitaria, exposición conformada por 55 piezas de 46 autores provenientes de 12 estados de la República Mexicana.
En este certamen, participaron 195 ceramistas de 19 estados con 430 obras de las que fueron preseleccionadas 79 piezas de 62 autores de 12 estados.
Como en las anteriores ediciones de la bienal, el jurado de la 4ª Bienal de Cerámica Utilitaria. Museo Franz Mayer estuvo integrado por cinco personas de reconocido prestigio: el diseñador industrial Manuel Álvarez Fuentes y los ceramistas Ruth Beltrán Maldonado, Javier Cervantes, Javier del Cueto Ruiz-Funes y Adán Paredes Vera.
Cabe mencionar que el jurado está representado por personalidades que han expuesto su trabajo tanto en México, como en el extranjero. Además, muchos de ellos han sido jurado de otros certámenes internacionales y han impartido clases y seminarios relacionados con el arte de la cerámica.
Tras analizar, los trabajos preseleccionados el jurado dictaminó otorgar el primero, segundo y dos terceros premios a los siguientes participantes:
1er. LUGAR. Salsas, Suave Petra, Tza Tza
Perla María Valtierra Gómez.
2º. LUGAR. Luna llena
Ana Lucía Gómez de Valle.
3er. LUGAR. Florero 2
Nicolás Ramírez García.
3er. LUGAR. Auto-organización geométrica
Pedro Alvarado Ramírez y Jimena Posada Majluf
Las piezas premiadas en la 4ª. Bienal, pasarán a formar parte del acervo del recinto. Es importante destacar que el Museo Franz Mayer cuenta con una importante colección de cerámica que data de los siglos XVI a XIX; por este antecedente decidió crear en 2002 la Bienal de Cerámica Utilitaria que busca motivar la creación de nuevos diseños en cerámica en nuestro país.
Fue en 2002, cuando el Museo Franz Mayer lanzó por primera vez esta convocatoria que con el paso de los años ha generado un gran interés en la comunidad de ceramistas mexicanos que cada vez participan de más estados de la República Mexicana.
En las tres ediciones que se han organizado de esta bienal han participado creadores provenientes de 21 estados de la República Mexicana.
Los participantes presentan sus trabajos mediante fotografías para una preselección por parte del jurado. Las piezas preseleccionadas son solicitadas a los ceramistas y el jurado hace la selección de las obras a exhibir y determina los premios.
La muestra se complementa con la exhibición del trabajo de los ceramistas miembros del jurado.
Barbie 50 años de historia, moda y diseño es la exposición con la que la muñeca más famosa del mundo celebra su aniversario en México.
Más de 200 piezas entre muñecas, fotografías, videos y material hemerográfico, conforman la exposición.
Para esta muestra reconocidos diseñadores nacionales e internacionales crearon modelos exclusivos para la muñeca.
Para celebrar su aniversario en México, Barbie, la muñeca más famosa del mundo, presenta una exposición retrospectiva que busca compartir con niñas y no tan niñas la historia de una muñeca que ha representado más de 100 profesiones y 50 nacionalidades, que ha inspirado a más de 70 diseñadores internacionales y que ha apoyado un sinnúmero de causas sociales, incluyendo su papel como Embajadora de UNICEF.
Barbie 50 años de historia, moda y diseño es una exposición-homenaje a una muñeca que ha perdurado durante cinco décadas, durante las cuales ha sabido reinventarse y adaptarse a los cambios sociales. Es también la primera iniciativa en México de llevar al museo la discusión sobre un juguete que se convirtió en icono de la cultura popular.
La exposición está integrada por una interesante y atractiva selección de piezas procedentes de colecciones privadas mexicanas y también del acervo de Mattel internacional, en la que se podrá admirar desde la primera Barbie, con su característico traje de baño a rayas blanco y negro y su cola de caballo, hasta la edición de aniversario, pasando por las muñecas más icónicas de todas las épocas, ediciones especiales, muebles, ropa y accesorios que marcaron la historia de la muñeca.
El Héctor Rivero Borrell, Director General del Museo Franz Mayer, comentó:
“Barbie, es una legendaria pieza de diseño y un testimonio tangible de la cultura que la produjo. Así pues, el Museo Franz Mayer, cuya misión es difundir las artes decorativas y el diseño contemporáneo en todas sus manifestaciones, acogió esta exposición que presenta el devenir estético y social, de este juguete que se convirtió en icono popular”
Por su parte, Roberto Isaías, Director General de Mattel de México comentó: “Barbie es la muñeca más famosa de todos los tiempos gracias a su capacidad de dictar tendencias y también gracias a su habilidad para reflejar el acontecer de la historia, la moda, las costumbres y los estilos de vida, que han evolucionado a un ritmo increíble. Esto lo hemos logrado escuchando y tomando en cuenta la opinión y los intereses de las niñas para el diseño de los juguetes. Por ello, Barbie se ha mantenido siempre vigente y en el gusto de las niñas de todo el mundo”.
Ana Elena Mallet curadora de la exposición agregó: “Esta es una muestra que hace el recuento de la vida de un juguete, pero también genera, desde el museo, una lectura de la muñeca que se convirtió en hito de la cultura contemporánea y en modelo icónico de más de tres generaciones de mujeres”.
A lo largo de cinco módulos se buscará revisar la historia de Barbie, su delicado proceso de fabricación, las diversas facetas y profesiones que ha tenido a lo largo de cincuenta años, su adaptación a los fenómenos mundiales como la globalización y el multiculturalismo y, además, se podrá observar parte de su espectacular guardarropa realizado por los más destacados diseñadores de la industria de la moda.
En la exposición, se muestra un video en el que mujeres destacadas en distintos ámbitos hablan sobre su historia con Barbie y lo que la muñeca significó en sus vidas. En él podremos ver desde Martha Debayle, hasta Gaby Vargas, pasando por la Chef Martha Ortiz, la actriz Martha Higareda, la diseñadora Viviana Parra, la velerista Galia Moss, la experta en moda Desirée Navarro, la curadora de la exposición Ana Elena Mallet, Lucía Alarcón, editora general de la revista Caras, Miss México y Miss Mundo.
Adicionalmente diseñadores nacionales e internacionales crearon un modelo especial para celebrar a Barbie. Entre los modelos realizados especialmente para esta exposición, podremos apreciar creaciones de la influyente diseñadora inglesa Zandra Rhodes, el diseñador de las celebridades, el venezolano Nicolás Felizola, hasta reconocidos diseñadores mexicanos entre los que se encuentran Carlo Demichelis, Pineda Covalin, Jesús Ibarra y Bertholdo, Alana Savoir, las diseñadoras de joyas Dalia Pascal y Tanya Moss, entre otros.
Como parte de la exposición los fines de semana se llevarán a cabo talleres infantiles y una mesa redonda sobre la influencia de Barbie en distintos ámbitos.
El Instituto Italiano para el Comercio Exterior presenta en México una exposición única en su género.
Por primera vez en México se presenta el proyecto La casa italiana. Emoción e innovación en el diseño: una muestra extraordinaria que presenta con gran estilo y elegancia las nuevas tendencias del “habitar”, una filosofía del “vivir” que conjuga el pasado con el futuro, un futuro que visiblemente ya es un presente. Una síntesis armoniosa de diseños y símbolos que se transforman repentinamente en muebles y objetos de alto diseño y decoración de interiores, creados por prestigiosas empresas italianas, genios de la artesania italiana de todos los tiempos. El ojo humano puede captar la ligereza y lo refinado de las líneas, la mente humana traduce en una profunda emoción el contraste que colores elementales como el blanco y negro liberan, el tacto que permite percibir la nobleza de los materiales que visten y materializan una idea, el olfato que captura los aromas que envuelven y confunden el ambiente con el ser, la innovación que estimula y simplifica la existencia.
Una experiencia emocional: el visitante sumerge sus sentidos en una “domus”, “la casa italiana por excelencia”, un espacio de estilo contemporáneo, compuesta por varios ambientes en los que se evidencian elementos como: la calidad, la tradición, la modernidad, el diseño, la arquitectura, las luces, la tecnología, el confort, el deporte, el bienestar, el perfume, los materiales, la cocina, el agua, el relax y muchos otros. Los estímulos y las sensaciones que el visitante registra se transforman en una experiencia única bajo el perfil emotivo y sensorial.
Il Made in Italy: La Casa Italiana exprime toda la riqueza del mobiliario de alto diseño italiano, evidenciando la creatividad y la innovación en el mundo de la arquitectura y de la decoración de interiores. Una expresión de un Made in Italy de excelencia representado por 26 prestigiosas empresas italianas.
El público: una muestra diseñada tanto para el gran público, a la búsqueda de nuevos estímulos de mobiliario, tanto como para el público especializado (arquitectos, diseñadores, ingenieros, compradores, etc), que desean profundizar los conocimientos de las tendencias decorativas y de nuevas soluciones a las necesidades del buen vivir así como también conocer algunos de los más famosos diseñadores de mobiliario italiano y obviamente las marcas de prestigio.
Museos que hospedan la exposición: La muestra se exhibirá en el Museo Franz Mayer en la Ciudad de México del 20 de marzo al 3 de mayo, así como en el Centro de las Artes II, Parque Fundidora en Monterrey, N.L. del 4 de junio al 30 de Julio.
Promotores de la muestra: Esta iniciativa la organiza y promueve el Ministerio de Desarrollo Económico y el Instituto Italiano para el Comercio Exterior (ICE). La organización de la muestra está a cargo del ICE y cuenta con la destacada colaboración del Ente Autonomo della Fiera di Verona y de Abitare il Tempo (Salón Internacional de Muebles y Decoración de Interiores de Verona).
Curador: el curador de la muestra es el prestigioso arquitecto Simone Micheli. Quien logra unir sobriamente la elegancia del blanco y negro, colores que el día de hoy se consideran un must del diseño, sin perder de vista ningún detalle en cada área, como el sonido en cada ambiente de la casa, los controles de pared que regulan la luz de las lámparas del pavimento de la sala, al sistema de apertura de las cortinas. Una casa llena de detalles con productos de alta calidad de gran valor estético que distinguen al diseño italiano.
Las 26 empresas italianas presentes en la exposición, lideres en sus sectores son:
1. ADRENALINA, Cattolica (RN) Italia
2. ALESSI, Crusinallo (VB) Italia
3. ARTEMIDE, Pregnana Milanese (MI) Italia
4. ASTEC, Dosson di Casier (TV) Italia
5. AXIA BATH COLLECTION, Castelfranco Veneto (TV) Italia
6. BTICINO, Milano - Italia
7. CHELINI, Scandicci (FI) Italia
8. CORDIVARI, Morro D’Oro (TE) Italia
9. DEDAR, Appiano Gentile (CO) Italia
10. ELICA, Fabriano (AN) Italia
11. FENDI CASA, Forli (FC) Italia
12. GERVASONI, Pavia di Udine (UD) Italia
13. GIANNI VIGONE, Finale Ligure (SV) Italia
14. GRANITI FIANDRE, Castellarano (RE) Italia
15. HI–INTERTRADE EUROPE, Padova - Italia
16. LEMI, Casalbuttano (CR) Italia
17. LUALDIPORTE, Mesero (MI) Italia
18. MOVE, Pieve di Soligo (TV) Italia
19. PRESOTTO, Brugnera (PN) Italia
20. RAPSEL, Settimo Milanese (MI) Italia
21. SASSI ARREDAMENTI, Scandiano (RE) Italia
22. SIMAS ACQUA SPACE, Civita Castellana (VT) Italia
23. ST RUBINETTERIE, Ornavasso (VB) Italia
24. SNAIDERO, Majano (UD) Italia
25. TECHNOGYM, Gambettola (FC) Italia
26. VGNEWTREND, Treviso Italia
EL ICE – INSTITUTO ITALIANO PARA EL COMERCIO EXTERIOR:
El Instituto Italiano para el Comercio Exterior (ICE) fundado en 1926, es un organismo público italiano que depende del Misisterio de Desarrollo Económico de Italia. El ICE tiene como competencia desarollar, ayudar y promover las relaciones economicas y comerciales italianas con el exterior. El ICE promueve las empresas italianas y el “Made in Italy” en su proceso de internacionalización tanto en el comercio como en las inversiones y en la cooperación industrial. Sus actividades no se limitan a la sola promoción sino también a la analisis y información sobre las economias internacionales, la consultoría en el marketing internacional y la capacitacion. El ICE dispone de una red mundial de 117 oficinas en el mundo y 17 en Italia, más la Sede Central que se encuentra en Roma.
La oficina del ICE en la Ciudad de México es competente para México, Cuba, República Dominicana, Guatemala, Costa Rica, El Salvador, Honduras y Nicaragua. El Director de la Oficina es el doctor Andrea Ferrari.
Para obtener más información sobre las actividades del ICE puede consultar:
www.ice.gov.it • www.italtrade.com
OFICINA ICE DE MÉXICO
Contacto : Lic. Cesarina Guglielmina (Encargada ICE del evento “La Casa Italiana”)
Edificio Omega, Campos Elíseos 345, piso 7,
Col. Polanco,11560, México, D.F.
Tel.: (52) 55-5280 8425
Fax.: (52) 55-5280 2324
e-mail: messico@messico.ice.it; galanti.cesarina@messico.ice.it
www.ice.gov.it • www.italtrade.com
La retrospectiva que se presenta en el Museo Franz Mayer en colaboración con The Anglo Mexican Foundation, revela al espectador el estilo único de diseño de Zandra Rhodes, la británica que colocó a Londres al frente de la escena mundial de la década de los setenta.
La diseñadora ha creado ropa para importantes figuras del espectáculo y la realeza, incluidas la princesa Diana, Madonna, Freddy Mercury y Jacqueline Onassis. Sus diseños se han exhibido en los principales museos de Europa y Estados Unidos.
Fundadora del Fashion & Textile Museum de Londres, la británica Zandra Rhodes es considerada una de las diseñadoras más reconocidas a nivel internacional.
La carrera de Rhodes se extiende a lo largo de 35 años en los que ha ido creciendo como diseñadora y evolucionando a nuevos patrones creativos.
La exposición Zandra Rhodes. Pasión por la moda, organizada por The Anglo Mexican Foundation y el Museo Franz Mayer, es una retrospectiva en la que el público conocerá del proceso creativo de Rhodes a través de bocetos, fotografías, muestras textiles y un centenar de vestidos realizados por la diseñadora durante cuatro décadas (1969 – 2005).
Zandra Rhodes nació en Reino Unido en 1940. En un principio, sus diseños fueron caracterizados por elementos rebeldes y controvertidos como agujeros, deshilachados, uso de plumas y borlas. Su colección Conceptual Chic de 1977 la dio a conocer internacionalmente gracias a su carga e influencia de la cultura punk.
Rhodes es famosa por su excentricidad y la capacidad de integrar en sus diseños elementos de distintas culturas y sociedades. Su obra se ha inspirado tanto en las civilizaciones antiguas del Lejano Oriente como en las europeas, mezclándose en ella el viejo y el nuevo mundo.
De hecho, los viajes que Rhodes ha realizado por el mundo han sido una influencia directa en su obra; ejemplos de ello pueden encontrarse en sus colecciones sobre China, la colección Impresiones Españolas, así como los diseños de los saris y salwar que realizó en 1981 comisionada por el gobierno de India.
La exposición Zandra Rhodes. Pasión por la moda consta de siete secciones: El Proceso, La Forma, El Color, La Técnica, El Vestido, Un Mundo y, finalmente, La Mujer. En cada segmento, el espectador se familiarizará con el proceso creativo de la británica. Incluso conocerá sobre su faceta como diseñadora de vestuario de diversas producciones operísticas.
Y es que Rhodes, ha realizado el vestuario de diversas producciones. De hecho, el vestuario que realizó para la ópera Aida de G. Verdi y que se estrenó en 2007 en el English National Opera (ENO) de Londres, fue uno de sus trabajos más aclamados por la prensa británica.
Otro de los elementos esenciales de los estampados de Rhodes es la utilización del color. Desde sus años como estudiante en el Royal College of Art, la británica se afanaba largas horas perfeccionando las combinaciones de color que luego plasmaría en el estampado de sus telas.
Asimismo, otra de las características importantes de su trabajo es la manera en la que deconstruye el tejido y su tratamiento anárquico que puede observarse en las creaciones de realizó durante la década de los 70. Fue en 1973 cuando Zandra Rhodes produjo lo que se convertiría en su prenda más vendida, conocida hasta hoy por su número de estilo: 73/44.
Rhodes siempre se ha visto a sí misma como un lienzo en el que se puede experimentar. De ahí, el estilo atrevido, exótico y de colores altisonantes que plasma en cada diseño: “Yo misma soy un ejemplo vivo de la pasión por la moda”, afirma.
La exposición Zandra Rhodes. Pasión por la moda se presenta en México gracias a la alianza establecida entre el Museo Franz Mayer y The Anglo Mexican Foundation y por el apoyo recibido de Barbie, British Airways, Jaguar, Neoyorkines maniquies, Fashion Group International, Johny Walker Blue Label, el Hotel de Cortés, la Embajada Británica en México, el UK Trade and Investment y Rancho La Puerta.
Con motivo de la celebración del 800 aniversario de la fundación de la Orden Franciscana, el Museo Franz Mayer presenta una exposición que reúne aproximadamente 50 obras realizadas durante el periodo novohispano. La muestra está conformada por pintura, escultura, libros, textiles y un grabado.
Además de la muestra, se presentará una amplia gama de actividades académicas en torno a la celebración que se llevarán a cabo en el Auditorio Pedro López del Museo Franz Mayer.
En 1209 San Francisco, acompañado de once seguidores, partió a Roma para pedirle al Papa Inocencio III “la aprobación de su forma de vida”. Este aceptó y fue entonces cuando nació la Orden Franciscana.
Los franciscanos llegaron a Nueva España en 1524 al puerto de San Juan de Ulúa con la intención de evangelizar a los nativos. El cúmulo de obra artística que desde entonces crearon se presenta en una exposición que congrega obra de los museos Amparo, de la Universidad de Puebla, de la Casa de la Bola; así como de los conventos de San Gabriel de Cholula, San Francisco de Puebla, la Catedral de Tula y la Basílica de Guadalupe, entre otros.
Se trata de piezas nunca antes reunidas en un solo espacio y en el que se podrán observar desde cuadros de Miguel Cabrera, libros corales, miniaturas del catecismo y un facsímil del códice Florentino, del siglo XXX
El arte como refuerzo doctrinal fue uno de los medios utilizados por los religiosos para la enseñanza de la población indígena. Muestra de esto es la magnífica producción de pintura mural en los conventos agustinos, dominicos y franciscanos.
La elaboración de dibujos con temas bíblicos, cristológicos y marianos, llevada a cabo por manos indígenas bajo la dirección de los monjes, constituye una rica fuente documental que motiva a estudiar y conocer el significado y origen iconográfico de las mismas.
En esta exposición, la belleza se pone de manifiesto en las obras y ornamentos religiosos que podrá apreciar el público.
La muestra está distribuida en tres secciones. En la primer parte, se dará una explicación de quién fue San Francisco y el por qué de la fundación de su orden. En la segunda sección, se hablará sobre algunos de los personajes, hombres y mujeres, más destacados de la orden y que han sobresalido en diferentes campos de la actividad humana.
El público podrá observar cómo es la vida de retiro en el claustro, cuáles han sido los servicios prestados a los más necesitados y cuál ha sido la actividad intelectual de los franciscanos en los grandes centros de estudio de personajes como Clara de Asís, conciudadana y contemporánea de san Francisco, San Antonio de Papua o Fray Nicolás de Lira, cuya obra Postillae perpetuae in universam sacram Sscripturam (Acotaciones Perpetuas a Toda la Sagrada Escritura) ejerció gran influencia en su tiempo y también en el siglo siguiente.
En la tercera sección de la exposición, se presentará la obra que hicieron los frailes que llegaron a la Nueva España, hoy México, con la intención de convertir a los indígenas a la fe cristiana.
Entre éstos, destacan las figura de Pedro de Gante, Juan de Zumárraga, gran humanista y defensor de los indígenas e introductor de la imprenta y primer arzobispo de México y Bernardino de Sahagún, pionero de la Etnología en el Nuevo Mundo, cuya obra Historia General de las Cosas de la Nueva España sigue siendo fuente de información sobre la cultura náhuatl, además fue uno de los principales maestros en el Real Colegio de la Santa Cruz de Tlatelolco.
El Museo Franz Mayer y Ojos que Sienten A.C. invitan al público a que experimente otra forma de acercarse al arte en la exposición El arte a través de los sentidos, que reúne obra de fotógrafos ciegos y normovisuales como Amancio Alberto Alem, Evgen Bavcar, Gina Badenoch, Luis Caballo, Delly Carr, Mónica Cárdenas, Marco Antonio Cruz, Nick Danziger, Flo Fox, Maya Goded, Martin Parr, Eladio Reyes, Gerardo Nigenda y Pedro Valtierra.
También se presentarán piezas de arte decorativo y pinturas.
La vista no es la única condición indispensable en la visita a un museo. El acercamiento a una obra de arte también se puede dar a través del gusto, del oído, del olfato o del tacto.
El arte a través de los sentidos es una propuesta museográfica que invita al espectador a conocer objetos de artes decorativas y -por inverosímil que parezca- pinturas y fotografías, a través del tacto, considerando este sentido como una herramienta útil en la interpretación del arte.
La Asociación Civil Ojos que Sienten, se ocupa de integrar a personas ciegas y normo visuales al arte a través de talleres y exposiciones que se organizan a nivel nacional e internacional.
Las obras exhibidas fueron cuidadosamente seleccionadas para ser tocadas, eliminando las restricciones tradicionales existentes en la interacción entre el espectador y la obra para descubrir el lenguaje inédito y sorprendente de las texturas, las formas y las temperaturas.
Al enfrentarnos de esta otra manera al objeto artístico, suprimimos los juicios previos hacia éste, para re-conocerlo, provocando nuestro asombro, despertando inquietudes y propiciando un nuevo tipo de experiencia estética.
El discurso museográfico busca atenuar la importancia a lo visual. Aquí no hay nada aparentemente visible. Nada que salte a la vista. Todo el material, se camuflagea con el espacio. Las fotos se encuentran escondidas para verse como elemento museográfico complementario. No son las protagonistas de la muestra. Se busca que el espectador, descubra poco a poco el material, que despierte sus demás sentidos para descubrir ese mundo que hay detrás de la VISTA.
Esta exposición presenta fotografías de artistas como Amancio Alberto Alem (1957) artista independiente y documentalista que en la actualidad se desempeña como colaborador del diario La Nación de Buenos Aires. Asimismo, se verán el trabajo de Nick Danziger (1958) autor del libro Danziger´s Adventures y ganador de un premio en World Press Photo 07 por un retrato del ex primer ministro británico Tony Blair.
Asimismo, se presentan imágenes de mexicanos como Marco Antonio Cruz (1957), coordinador del área de fotografía de la revista Proceso y quien recientemente ganó el premio The Granze Price por un ensayo fotográfico sobre gente con discapacidad visual. También se encontrará la obra de Pedro Valtierra (1955), director de la agencia Imagenlatina y quien cuenta con más de 270 exposiciones individuales y más de 60 colectivas en el país y el extranjero destacando exposiciones realizadas en Canadá, Cuba, España, Francia, Italia, Alemania y Venezuela.
Además, se presentará obra de Evgen Bavcar (1946), Mónica Cárdenas Ruíz Velasco (1963) y Gina Alfonsina Badenoch, (1980) fundadora de la Asociación Civil Ojos que Sienten.
Maya Goded, (1967) Luis Caballo (1953), Martin Parr (1997), Gerardo Artemio Nigenda (1967) López, Flo Fox, (1973) cuyas fotografías integran colecciones permanentes en el Museo de Brooklyn, la Fundación Gula y varias colecciones privadas, serán otros de los artistas que se exhibirán.
Mención especial merece la participación del fotógrafo invidente Eladio Reyes, natural de San José de los Ramos Matanza, Cuba. Este fotógrafo perdió la visión jugando futbol en 1968 pero a raíz de ese incidente comenzó a crear obra de arte basándose en su nueva condición de vida. Ha ganado premios de poesía en Braile y ha participado en exposiciones de pintores con debilidad visual grave.
Por otra parte, también se exhibirán piezas de arte decorativo realizadas por TANE, Talavera de la Reyna, y Marina Muebles, a quienes el Museo Franz Mayer les agradece su colaboración en la creación de este espacio en el que deseamos se genere una percepción sensorial diferente e innovadora.
Asimismo, se agradece el apoyo de: Unilever (Dove), Fundación Bancomer, Fundación Cinépolis, Fundación Manpower y OCC Mundial.
El estadounidense Anthony Suau ganó el World Press Photo 2009 con una imagen sobre la crisis de las subprimes en Estados Unidos. Este fotógrafo también se ha interesado por retratar la violencia desatada al norte de México debido a la guerra contra el narcotráfico.
El mexicano Carlos Cazalis obtuvo el primer premio en Temas Contemporáneos por una fotografía de un indigente en la Ciudad de Sao Paulo.
El Museo Franz Mayer presentará una serie de mesas redondas, un ciclo de cine con temática en derechos humanos, conferencias y una plática con Carlos Cazalis en el marco de la exhibición.
La exposición World Press Photo 09 se presenta en el Museo Franz Mayer, en colaboración con la Comisión Nacional de los Derechos Humanos, del 07 de agosto al 10 de septiembre del 2009.
La imagen de Usain Bolt de Jamaica al ganar la carrera masculina de 200 metros durante los Juegos Olímpicos de Beijing, el 20 de agosto del 2008, estableciendo una nueva marca mundial de 19.3 segundos; la fotografía de Michelle Obama durmiendo apoyada en el hombro de su esposo mientras viajan a través de New Hampshire, cuando éste último se encontraba en campaña y el rostro triste de una mujer que fue llevada con engaños a Europa para luego realizar trabajos forzados en casas de aquel continente, son algunas de las historias contadas a través de imágenes que nos presenta la exposición World Press Photo 09 que se exhiben en el Museo Franz Mayer a partir del 07 de agosto.
Este año, el certamen World Press Photo 09, con 96 mil 268 imágenes participantes realizadas por 5 mil 508 fotógrafos, de 124 nacionalidades, superó todos los records anteriores, pues se trató, sin duda alguna de cifras extraordinarias que dan señal de que el fotoperiodismo está más vivo que nunca, según cuenta MaryAnne Golon, presidenta del jurado.
“¿Cómo puede alguien creer que el fotoperiodismo se está extinguiendo? Lo cierto es que está en un momento de extraordinario crecimiento en nuevos mercados y culturas y en nuevos medios de comunicación. Las imágenes que son noticia nunca han sido tan inmediatas, vitales, fácilmente accesibles y omnipresentes”, asegura.
La imagen ganadora de World Press Photo 09 fue captada por el fotógrafo Anthony Suau quien fotografió la esencia de la crisis de las subprimes en Estados Unidos. La foto de Suau, en blanco y negro, fue realizada en marzo de 2008 y publicada por el semanario estadounidense Time. En ella se ve a un policía armado apuntando con un revólver a una puerta para asegurarse de que la casa está vacía, en medio de objetos desperdigados por el suelo que abandonaron los propietarios de la vivienda antes de irse por no poder pagar la hipoteca.
Suau, nació en Illinois, Chicago, en 1956 y ha trabajado como fotógrafo de planta para periódicos como el Chicago Sun Times y el Denver Post. La fuerza de su imagen, según MaryAnne Golon consiste en que es un perfecto ejemplo de la complejidad que un profesional es capaz de capturar en una sola imagen.
“La actual crisis financiera mundial tiene dimensiones épicas y acabará afectándonos a todos. La imagen de Suau parece una foto de guerra pero no se trata más que de la expulsión de los ocupantes de una casa", explica Golon.
A Suau le atraen los temas políticos, sociales y económicos que tratan problemas universales: “Los temas culturales también me interesan como parte de lo social. Aunque generalmente tomo las fotografías en sesiones de algunos días de duración, siempre regreso al mismo lugar para realizar un trabajo más profundo que con el paso del tiempo adquiere un carácter documental”.
Fue en mayo cuando Anthony Suau recibió el galardón junto con 10 mil euros durante una ceremonia realizada en Ámsterdam. Durante más de medio siglo, un grupo de profesionales internacionales de la fotografía se han reunido en esta ciudad como jurado para realizar la casi imposible tarea de encontrar, entre las decenas de miles de fotografías enviadas, una imagen capaz de representar al mundo entero.
Esta ocasión el jurado estuvo conformado por 15 personalidades de la fotografía. MaryAnne Golon, (Estados Unidos) consultora y editora de fotografía para diversos medios de comunicación fungió como presidenta del jurado; Akinbode Akinbiyi, (Nigeria) fotógrafo autor y comisario; Patrick Baz, (Francia-Libano) director regional de fotografía para Oriente Medio de Agencia France-Presse; Peter Bialobrzeski, (Alemania) fotógrafo de Laif; Olivier Culmann, (Francia) fotógrafo de Tendance Floue; Erin Elder, (Canadá) directora de medios digitales de The Globe and Mail; Per Folkver, (Dinamarca) editor jefe de fotografía de Politiken; David Friend (Estados Unidos) Editor de Desarrollo Creativo de Vanity Fair; Ayperi Karabuda Ecer, (Suecia-Turquia) Vicepresidenta de imagen de la agencia Reuters; Volker Lensch, (Alemania) director del departamento de fotografía de Stern; Ricardo Mazalan, (Argentina) fotógrafo de Associated Press; Arianna Rinaldo, (Italia) editora de fotografía de D La Repubblica delle Donne y editora jefe de OjodePez; Sujong Song, (Corea del Sur) editora de fotografía autónoma. Como secretarios del jurado participaron Daphné Anglès, (Francia-Estados Unidos) coordinadora europea de imágenes de The New York Times y Stephen Mayes, (Gran Bretaña) Director ejecutivo de VII Photo Agency.
Esta ocasión el mexicano Carlos Cazalis obtuvo el primer premio en Temas Contemporáneos por una fotografía de un indigente en la ciudad de Sao Paulo que fue tomada para la agencia Corbis y reproducida por diversos medios. Más de 10,000 personas en la metrópolis de São Paulo no poseen vivienda. Esta cuenta con 35 albergues de acogida nocturna con una capacidad total para ocho mil personas; sin embargo, muchos de los que duermen en la calle se oponen a las normas y las convenciones sociales que se deben respetar en estos albergues.
En la primera de sus fotografías, un hombre duerme completamente tapado y al resguardo del frío en la puerta del elitista Jockey Club; en otra, se observa a dos indigentes durmiendo a la puerta de un instituto en el centro de la ciudad y en la tercera fotografía, limpiadores riegan la zona en un intento por evitar que duerman ahí.
Cazalis dará una conferencia magisterial en el auditorio del Museo Franz Mayer el sábado 8 de agosto a las 12 horas donde hablará sobre el trabajo que ha realizado en Japón, Brasil, Irán entre otros países.
La conferencia, dividida en tres secciones, girará en torno al tema de las mega urbes y su relación con el hábitat humano para el siglo XXI. La primera presenta la ciudad de Sao Paulo y cómo las diversas clases sociales han ido ocupando la urbe por encima de la ley. La segunda, muestra la segregación urbana que dio inicio en el Japón medieval y que subsiste hoy en día en Osaka, en un barrio de 22 mil personas que viven en la pobreza, el alcholismo y la adicción al juego. La tercera, presenta el caos urbano de Teherán, proyecto en desarrollo, que intenta explicar la psicología de una ciudad atrapada entre su pasado y futuro. Asimismo, y para cerrar esta conferencia magistral se presentará un trabajo realizado con motivo del regreso del matador José Tomas a las arenas.
Nacido en México en 1969, Cazalis ha exhibido obra en la Polka Gallery de Paris; Drik Photo Festival de Dhaka, Bangladesh y en Nairobi, Kenia. Ha sido profesor de la reconocida Parsons School of Design de Nueva York y en 2003 fue elegido como uno de los primeros alumnos para participar en la Joop World Press Master Class que organiza World Press Photo a nivel mundial. Mayor información sobre su trabajo puede encontrarse en http://www.cazalis.org
Las categorías que conforman World Press Photo son: Vida cotidiana, Personajes de actualidad, Noticias de actualidad, Temas de actualidad, Naturaleza, Temas contemporáneos, Arte y entretenimiento, Retratos, Reportajes de deportes y fotografías de acción.
World Press Photo 09 es patrocinada a nivel mundial por Canon y TNT. En México, además recibe el apoyo de Instituto Mexicano de la Radio (IMER), DOCSDF, Canon, American Airlines y Hampton Inn Suites.
El Museo Franz Mayer presenta en México 300% Spanish Design, exposición organizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España (SEACEX). Se trata de una muestra del diseño español creado en los últimos cien años y que está compuesta por 100 sillas, 100 lámparas y 100 carteles de grandes maestros.
Se exhiben desde las ingeniosas sillas de Gaudí, Sert, Moneo y Tusquets hasta las atrevidas lámparas de Fortuna, Dalí, Milá y Arola. En el área del diseño gráfico destacan carteles históricos de principios de siglo XX y de los tiempos de la guerra civil.
Con el objetivo de mostrar la rica aportación española a la cultura creativa mundial durante el siglo XX, el Museo Franz Mayer y la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España (SEACEX) presentan 300% Spanish Design que cuenta con piezas de los más destacados artistas y diseñadores de la talla de Gaudí, Miró, Tusquets, Mariscal, Moneo, Hayón, Picasso y Dalí.
La muestra, que también cuenta con el apoyo de la Embajada de España, originalmente fue producida por la Sociedad Estatal para Exposiciones Internacionales, que originalmente de concibió como parte del programa cultural del Pabellón de España en la Exposición Universal Aichi 2005 (Japón) y que se expuso en el Museo de Arte Moderno de Saitama.
El prestigioso arquitecto y diseñador Juli Capella, curador de la exhibición, comenta que 300% Spanish Design muestra la rica aportación española a la cultura mundial de los últimos 100 años a través de 100 sillas, 100 lámparas, 100 carteles, y de una variada selección de objetos significativos del diseño.
Capella, quien cursó estudios de diseño industrial en la Escuela Massana en su ciudad natal, Barcelona y arquitectura en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de esa ciudad, asegura:
“Además de mostrar gran cantidad de obras, esta muestra trata de destacar su alta calidad en un concentrado de las mejores piezas, las más significativas de todo un siglo, una muestra amplia y representativa de la rica aportación española a la cultura creativa mundial”.
A decir del barcelonés, esta exposición desea reivindicar las características artísticas y de producción española: “Todo el mundo conoce la moda francesa, el diseño italiano y el glamour inglés, pero España es una potencia creativa desconocida, prácticamente virgen”.
España y México poseen realidades culturales y materiales muy diversas. Por ello, después de visitar Saitama, Lisboa, Atenas, Shanghai, Pekín, Fortaleza, Sao Paulo, Bogotá y San José de Costa Rica, la exposición 300% Spanish Design se expone en la ciudad de México con un formato especial, con actualización de las piezas más recientes, con nuevos hallazgos históricos, y con una introducción de diversos objetos del diseño español.
Para su exhibición en el Museo Franz Mayer, se presenta una proyección donde se muestran 100 iconos del diseño español en disciplinas tan variadas como la arquitectura, el diseño industrial, el mobiliario o el grafismo, que dan lugar a piezas tan diversas como el botijo, el AVE, el futbolín, la fregona, la Pedrera de Gaudí, la paella o el escudo del Real Madrid o del Barça. También se incluyen una serie de vitrinas con objetos cotidianos o significativos del diseño español, como paso previo a la selección de 100 sillas, 100 lámparas y 100 carteles.
Con motivo de la exposición, se ha editado un catálogo completo que reúne con detalle todas las piezas de la muestra y contiene ensayos de diversos especialistas.
La exposición fue patrocinada por BBVA Bancomer, Once TV México, El País, DOCSDF, Iberia, Eumex, Gas Natural México, Comex, Retorno y Club del Gourmet.
Los orquídeas conforman la familia más extensa del reino vegetal; en el mundo existen más de 30 mil especies diferentes, de las cuales 1,300 se encuentran en México.
Las orquídeas, flores que pacientemente fueran cultivadas por el coleccionista alemán Franz Mayer, requieren de más tiempo y cuidados que cualquier otra planta. De ahí que esta especie sea una de las más afectadas debido al calentamiento global que ya afecta a algunos cultivos.
Algunas de las especies que hoy están en peligro de extinción pueden ser admiradas en la exposición Orquídeas. Exposición de Otoño que se presenta en el Museo Franz Mayer. Entre estas tendremos algunasLaelia gouldiana y la Phalaenopsis laelias.
Esta exposición está formada por aproximadamente 300 orquídeas pertenecientes a más de 60 especies que muestran una importante diversidad de formas y tamaños. Se observan tanto las especies híbridas que son cultivadas principalmente en Europa, así como raras especies silvestres como las que crecen en México.
La muestra se lleva a cabo en el Museo Franz Mayer debido que el coleccionista alemán que lleva el nombre del recinto no solo dedicó su vida a coleccionar objetos de arte, también fue un apasionado del cultivo de orquídeas siendo, en 1970, uno de los fundadores de la Asociación Mexicana de Orquideología (AMO).
A través del tiempo, Franz Mayer llegó a reunir una gran colección de orquídeas –contaba con miles de plantas entre especies e híbridos importados– que en los últimos años de su vida regaló tanto a sus amistades, como a la AMO.
La Asociación de Diseñadores Gráficos de Brasil (ADG), con la participación del Museo Franz Mayer, la Universidad Autónoma Metropolitana-Xochimilco, la Universidad Autónoma de Aguascalientes, la Asociación Mexicana de Escuelas de Diseño (Encuadre) y el Consejo Mexicano para la Acreditación de Programas de Diseño (COMAPROD), presenta en México la 9ª Bienal de Diseño Gráfico Brasileño.
Exposición en la que se muestra la vitalidad del diseño en la vida cotidiana de Brasil, vitalidad que se respalda en el esfuerzo colectivo realizado durante los últimos cincuenta años y que alcanza hoy uno de los niveles más altos en el mundo. El diseñador en ese país es visto como un profesional completo, comprometido con el conocimiento estratégico, cultural, social y estético, capaz de resolver problemas de comunicación. La exhibición está dividida en nueve categorías en las que se aprecia el diseño de ambientes, marcas, embalajes, productos editoriales, promocionales, identidades, sistemas de señalización, carteles y productos multimedia, a través de los cuales se muestra que, más que un conjunto de especializaciones, la actuación del diseño es plena, completa, global, y que tiene un compromiso con su propia población.
Los 135 banners que la componen cuentan con una ficha explicativa de los proyectos, escrita tanto en español como en chino, ya que la Bienal se muestra al mismo tiempo en China y en nuestro país.
Exposición colectiva que presenta 16 diferentes interpretaciones de una cajonera. Se muestran piezas de diseñadores y arquitectos que seducen por su originalidad, simplicidad, tecnología y color.
Es una exposición que muestra la creatividad de diseñadores y arquitectos relacionados con Querétaro con la intención de mostrar que allende el Distrito Federal también se hace buen diseño.
Organizada por la Tienda Espacios y el Museo Franz Mayer, la exposición Cajón-eras muestra la creatividad y el ingenio de 16 arquitectos y diseñadores provenientes de la ciudad de Querétaro.
En la muestra, abundan formas, materiales, colores, y acabados diversos sobre un mismo tema: la cajonera, ese mueble que ha servido durante mucho tiempo para guardar aquello que más valoramos. Entre los participantes se encuentran, Manuel Álvarez, Bernardo Barquet, Plutarco J. Barreiro, Rafael Cárdenas, José Luis Gutiérrez, Jorge Monero, Eduardo Reims, Juan Carlos Reyes y Diego Alejandro Cisneros del despacho S2 Design Bureau; Víctor Martinez y Udayana Logo de VGMDESIGN; Danitza Palma, Jessica Dagnar Piña; Mariano García, Sagrario Ruiz Maté, Joel Gaona y Francisco y Rodrigo Marván, de Marvan Arquitectos.
La selección de obra fue realizada por un jurado integrado por expertos en temas diversos relacionados con el diseño y fabricación de muebles. Tres de las cajoneras además fueron reconocidas con una mención lo cual constituye un estímulo extra al esfuerzo y dedicación de cada uno de sus creadores.
Conformaron el jurado Carmen Cordera Directora de la Galería Mexicana de Diseño; Lorenzo Díaz, director de grupo DI; Eugenia González, directora de Círculo Cuadrado; Jordi Boldó, pintor y escultor; Roberto García Director de Häfele y Marcela Herbert Directora del Museo de Arte de Querétaro.
Fue en noviembre del 2008 cuando Carlos Torres, presidente de la empresa Espacios y el Museo de Arte de Querétaro, realizaron una convocatoria a arquitectos y diseñadores que tuvieran un vinculo con la ciudad de Querétaro.
Torres, explica: “Querétaro es una ciudad que ha madurado y evolucionado a niveles insospechados. Somos patrimonio cultural de la humanidad pero también hemos desarrollado esta parte de creatividad en el terreno de lo contemporáneo”.
Desde hace cinco años, en la ciudad de Querétaro, existe un boom creativo de diseñadores que ya están fabricando piezas importantes que han sido premiadas a nivel nacional e internacional.
“En el país, todo se centra en el Distrito Federal. Parecería que en los estados no se hace nada pero más allá de la Condesa, Santa Fe y la colonia Roma, existen espacios donde se hace buen diseño. En este sentido, la exposición es una excusa para que la gente conozca todo este talento”.
Asimismo, Torres asegura que el signo de identidad mexicana que se puede establecer en cada una de las cajoneras se observa en la modernidad de su conceptualización que refleja a un país inmerso en la esfera global, explica Torres: “Son diseños que están a la altura de lo que se hace en todo el mundo”.
El Museo Franz Mayer y el Museo Textil de Oaxaca presentan la exposición Yo siempre vivo, yo nunca muero. Arte textil contemporáneo, muestra de lo más representativo de la tradición del trabajo textil de 23 artistas que residen en Oaxaca.
Si bien la tradición del trabajo textil es muy antigua y se remonta al neolítico, con el paso de los años, esta tradición ha ido mostrando un vocabulario visual y táctil que emerge del campo de las artes plásticas. De esta manera, el hombre del siglo XXI ha abierto en el tejido un nuevo camino para su expresividad y disfrute estético. Prueba de ello, son las piezas que contiene esta exposición que introduce nuevos motivos y temas plásticos a sus productos textiles.
En la exposición se presentan 23 piezas que se relacionan con Oaxaca, permitiendo apreciar el nivel de arte textil contemporáneo mexicano. Francisco Toledo, Rodolfo Morales, Carmen Tejada, Mahia Biblos, Yosi Anaya, Teresa Olabuenaga, Leticia Arroyo, Maya Amrein, Gabriel Canales, Sara Corenstein, Trine Ellitsgaard, Demian Flores, Maddalena Forcella, Rowena Galavitz, Marcela Gutiérrez, Mira Jokic, Laurie Litowitz, Rosa Luz Marroquín, Enna Negron, Ornella Ridone, Sara María Terrazas y Georgina Toussaint son algunos de los artistas que participan con piezas para esta exposición.
El arte textil oaxaqueño se reconoce en sus antecedentes prehispánicos y coloniales sumados a los aspectos que durante los últimos dos siglos se han integrado. En particular, en la vestimenta de las mujeres en las comunidades indígenas del estado. A esta producción se une el arte textil contemporáneo con influencia de muchos de los artistas no sólo de Oaxaca sino de México y el Mundo.
En la exposición se aprecia la utilización de diferentes técnicas: de gobelino, de telas tanto vertical como horizontal, collage, bordado, entrelazado anudado, torcido, cosido y técnicas mixtas e importante variedad de sólidos flexibles, los cuales tienen su origen tanto en el mundo vegetal, animal e industrial como en algodón, lino, henequén, ixtle, papel, hojas de maíz, ramas de árbol, lana, seda, cordeles plásticos, hilos metálicos y vidrio, muchos de estos teñidos con tintes naturales.
El título de la muestra fue tomado de un verso del escritor zapoteca Andrés Henestrosa Yo siempre vivo, yo nunca muero, en alusión que el arte textil no ha muerto sino por el contrario siempre ha estado vivo, en constante evolución formando un importante capítulo en la historia de Arte Textil en México.
Muestra de los Decoupages y el vestuario creado por Su Majestad la Reina Margarita II de Dinamarca para la realización de la película Los Cisnes Salvajes, basada en el cuento homónimo del escritor danés Hans Christian Andersen.
Exposición organizada en colaboración con la Embajada de Dinamarca en México en el marco del Centenario de la Independencia y Bicentenario de la Revolución.
Se realizarán actividades paralelas en colaboración con IBBY de México como una feria de libros infantiles, cuenta cuentos, talleres y exposición de libros.
En el otoño del 2009 se estrenó a nivel mundial Los cisnes salvajes, una película que llamó la atención del mundo cultural debido a que la escenografía y el vestuario de los personajes habían sido creados por Su Majestad la Reina Margarita II de Dinamarca.
Uno de los cuentos más representativos de Hans Christian Andersen, tomó forma en una adaptación que conjuntó el excepcional trabajo de un grupo de actores, cuyos personajes tenían como escenografía los creativos découpages que la Reina había diseñado.
En la exposición Los cisnes salvajes. Detrás de cámaras que se presenta en el Museo Franz Mayer, el público podrá admirar el vestuario y los découpages. El découpage es una técnica decorativa basada en la aplicación de recortes de láminas y grabados que se pegan sobre una superficie para lograr una nueva imagen.
Al respecto, el productor de la película, Jacob Jørgensen, explica: “Con la colaboración de Su Majestad y un equipo de creativos logramos crear de manera exitosa un universo único y completo de cuento de hadas”.
Esta no fue la primera participación de la soberana en un proyecto artístico. En el pasado, ya había creado el vestuario y decorados de varios ballets, en su mayoría inspirados en cuentos del célebre autor danés. De hecho, también participó en la realización de otra película producida por Jacob Jørgensen y que se basó en otro cuento de Andersen: Blanca Nieves.
Asimismo, desde comienzos de los años ochenta también se dedicó a la pintura, el dibujo y a la ilustración de libros, así como a la escenografía para teatro y televisión.
En una declaración a la prensa de su país, la soberana explicó: "Andersen tiene expresiones tan ricas que al leerlo mi cabeza inmediatamente se llena de imágenes".
Los cisnes salvajes narra la historia de la princesa Elisa y sus 11 hermanos. Su padre, el rey, ha vuelto a casarse con una mujer celosa, que transforma a los príncipes en cisnes salvajes.
El proyecto de esta película comenzó en 2005 luego de que Jacob Jørgensen, invitara a la Reina a colaborar en el proyecto: “Mi acercamiento viene desde 1991, fecha en la que hice mi primer documental sobre la realeza. Hasta ahora he realizado 24 proyectos en los que se involucran miembros de la familia real. Fue durante una de esas conversaciones que tuve con la Reina cuando nos vino la idea de realizar Los cisnes salvajes”.
Además de la escenografía, la Reina de Dinamarca también participó como actriz convirtiéndose en una mujer que pide limosna. Comenta Jørgensen:
“Ocurrió en el set de grabación. Como vi que la reina siempre ha tenido un gran interés por el teatro y el ballet le pregunté si quería participar. Aceptó. El plan era crear un papel en el que nadie pudiera reconocerla, pero fallamos”.
Presentada en el Museo Franz Mayer en colaboración con la Embajada de Dinamarca en México, la exposición se organiza de acuerdo al patrón temático del cuento de hadas el cual toca tres aspectos: que la fe cristiana se manifiesta en lo más profundo de la naturaleza y se convierte en una guía en la vida adulta.
En consecuencia, los tres elementos -naturaleza, fe y cultura- que destacó Hans Christian Andersen se describen en tres secciones de la exposición:
Los decoupages de la Reina y los vestidos están colocados en plataformas con el fin de reflejar la estructura del cuento de Andersen. Asimismo, la exposición permanecerá semioscura con la intención de darle a la muestra el toque enigmático que envuelve la cinta concebida por Jørgensen.
El Museo Franz Mayer agradece el patrocinio de: Maersk Line México, Damco, Lego, Palsgaard Industri de México, Johnnie Walker Blue Label quienes apoyaron para la realización de esta muestra.
Tras años de permanecer en la casa donde vivió la investigadora y fotógrafa Ruth D. Lechuga, una selección de la colección de máscaras creada por ella, ve la luz por primera vez en una exposición montada por el Museo Franz Mayer.
La investigación y catalogación de esta colección se ha hecho en gran medida gracias al apoyo de recursos federales obtenidos a través del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta).
La muestra itinerará por diversos recintos de México y el extranjero.
Nacida en Viena, Ruth D. Lechuga fue una coleccionista apasionada de México. Salió de su ciudad natal a los 18 años, debido a la invasión nazi y llegó a este país en 1939 para luego, en 1954, nacionalizarse como mexicana. En principio, estudió medicina pero después supo que su vocación sería la fotografía y el coleccionismo del arte popular mexicano.
En sus años de vida en México logró coleccionar cerca de 10 mil piezas entre las que se encuentran textiles, cerámica, cestería, laca, madera y máscaras procedentes de diversas partes del país.
Ruth D. Lechuga coleccionó cerca de mil 200 máscaras. En la exposición Mil y un rostros de México. Máscaras de la colección Ruth D. Lechuga se presenta una selección de 400 en una curaduría que dirigió la antropóloga Marta Turok con el apoyo de la historiadora del arte Andrea Cabello.
De acuerdo con la Dra. Turok, la colección de máscaras que formó Ruth D. Lechuga a lo largo de la segunda mitad del siglo XX, es una de las más relevantes del país, al representar decenas de etnias y cientos de pueblos. La mayor parte fue adquirida en campo, en los viajes que realizó para documentar sus usos y significados en danzas y rituales a través de fotografías y escritos.
En la exposición Mil y un rostros de México. Máscaras de la colección Ruth D. Lechuga algunas de las piezas se complementan de la parafernalia que acompaña a las fiestas populares mexicanas. Se presentan algunos instrumentos musicales y trajes de fiesta, así como fotografías tomadas por la propia Dra. Lechuga.
La colección de máscaras se encuentra resguardada en lo que alguna vez fue la vivienda de la Dra. Ruth D. Lechuga, quien antes de morir en una entrevista comentó:
"Empecé comprando, porque me gustaba, de acuerdo con lo que podía adquirir, objetos chiquitos de cerámica. En el apartamento en que vivíamos mis papás, mi hermano y yo sólo había un estante. Además, no tenía un gusto definido, apenas estaba descubriendo esta cultura. Cuando compraba textiles era, principalmente para usarlos."
La colección que Ruth D. Lechuga donó al Museo Franz Mayer ha sido objeto de varios estudios nacionales y extranjeros. Una parte importante de la investigación y catalogación de esta colección se ha hecho en gran medida gracias al apoyo de recursos federales obtenidos a través del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) del Conaculta, cuenta Héctor Rivero Borrell, director del Museo Franz Mayer.
“Detrás de esta exposición existe todo un trabajo de catalogación, estudio y conservación de las piezas donadas por Ruth D. Lechuga”.
Por su parte, la antropóloga Turok explica que entre los objetos más fascinantes de las expresiones culturales humanas se encuentran las máscaras, que a decir de ella son “piezas cargadas de una energía que rebasa al objeto. Prácticamente todas las culturas del mundo las hacen y utilizan en contextos variados, siempre vinculados a lo ritual y ceremonial. Una máscara es, a fin de cuentas, un rostro que se sobrepone a otro, el humano”.
En la introducción de la muestra, se exponen piezas de diversas partes del mundo. Otra sección habla sobre el contexto etnográfico de las fiestas, espacio donde se llevan a cabo la mayoría de danzas-drama acompañadas por sones y música.
Así, el visitante podrá conocer algunas “cuadrillas” completas de danzas agrícolas y petición de lluvias, de cacería, de la Conquista y otros eventos históricos.
En otro módulo temático, se muestran los diversos personajes, la variedad de expresiones y la plasticidad, según la región y etnia, como las máscaras de negritos, diablos, viejitos, muertos, animales, moros y cristianos, entre otros.
Asimismo, existe una sección llamada ‘El mascarero y su mundo’ donde se presentan al público todas aquellas herramientas y materiales con los que se hace una máscara. Para ello, el maestro tallador de madera Antonio López Hernández -Premio Nacional de Ciencias y Artes 1998- prestó algunas herramientas con las que trabaja.
Con esta exposición, el museo inicia una serie de muestras que permitirán a amplios públicos conocer y disfrutar diversas expresiones del arte popular mexicano de esta coleccionista.
El Museo Franz Mayer agradece el patrocinio del periódico El País, Terra, Turibús, la Escuela de Gastronomía Mexicana, y Mezcal El Enmascarado.
El Museo Franz Mayer presenta del 5 al 9 de mayo, la exposición Orquídeas. Primavera 2010. La muestra se realiza en el recinto cada otoño desde 2004. Esta es la primera vez que se exhibe en primavera lo que significa que el público podrá observar una importante variedad de plantas y flores que solo florecen en este periodo, asegura Rebeca López, Secretaria General de la Asociación Mexicana de Orquideología, AMO:
“Durante la primavera se da la mejor floración debido al efecto de los rayos ultravioletas y la temperatura. Y por esta razón, se favorece el desarrollo de otras especies”.
La exposición Orquídeas. Primavera 2010presentará cerca de 60 especies. Algunas de éstas, solo florean en los meses de abril y mayo. Un ejemplo de ello es laCuitlauzina Péndula, orquídea endémica de México y que crece principalmente en los estados de Michoacán, Guerrero, Estado de México, Sinaloa, Nayarit y Oaxaca. Se trata de una planta cuyas flores cuelgan como péndulo.
En la muestra de primavera, también se observarán orquídeas como las Cattleya,Laelia,Encyclia y Oncidium, entre otras.
Si en otoño las orquídeas desprenden un aroma sofisticado, en primavera este olor se percibirá aún mejor pues según López durante esta época orquídeas como lareichenheimii -que crecen en Jalisco, Michoacán, Morelos y Oaxaca- muestran un aroma mucho más marcado: “Es un olor muy fuerte y exquisito”.
Una de las orquídeas presentadas en la exposición será la vainilla pues este año la muestra realiza un homenaje al biólogo Miguel Ángel Soto (1963-2009), quien falleciera en agosto del año pasado, pero que durante los últimos años de su vida realizó estudios sobre esta planta.
Miguel Angel Soto fue uno de los más grandes conocedores de la orquideoflora de México y, en general, de toda América tropical. Describió, sólo o como coautor, muchas especies nuevas de orquídeas como laPhragmipedium xerophyticum, Barkeria fritz-halbingeriana, Rossioglossum hagsaterianum y laOncidium leleui.
Asimismo recolectó más de 11 mil ejemplares de plantas en México, Guatemala, Costa Rica, Panamá y Brasil. Fue un incansable viajero que conoció los hábitats naturales de las orquídeas.
De ahí que el haya sido uno de los autores que colaboró más profusamente en el libroLas Orquídeas de México, del cual supervisó personalmente su diseño y edición. Otro de sus trabajos fue la publicación de los artículosListado actualizado de las orquídeas de México.
De los estudios sobre las vainillas de Miguel Ángel Soto derivaron interesantes resultados, como el de las rutas y fechas de la dispersión humana de los cultivares deVanillapfavianapor todo el mundo. Lamentablemente, el biólogo no vio publicado ninguno de los recientes artículos que había escrito.
En México, existen gran variedad de vainillas que provienen tanto de Veracruz, Oaxaca, Chiapas, Campeche, Quintana Roo y Yucatán: “Tenemos la vainilla odorata, la psaviana, planifolia y la pompona. Cada una de éstas tiene características diferentes que varían en el sabor. Algunas vainillas son más fuertes que otras”, explica Rebeca López.
La exposición de orquídeas se lleva a cabo cada año en el museo debido a que el financiero de origen alemán Franz Mayer, además de coleccionar objetos de arte decorativo, también dedicó parte de su tiempo al cultivo de orquídeas, pasión que lo llevó a ser uno de los fundadores en 1971 de la AMO. A través del tiempo, Franz Mayer llegó a reunir una gran colección de orquídeas –contaba con miles de plantas entre especies e híbridos importados– que en los últimos años de su vida regaló tanto a sus amistades, como a la AMO.
Pequeña muestra pictórica conformada por 38 óleos de procedencia mexicana de los siglos XVIII y XIX, reunidos en su totalidad por el Ingeniero Alfredo Vergara Casas a lo largo de su vida y hoy en préstamo al Museo Franz Mayer.
A través de estas obras, consideradas como ejemplos de arte popular, se representan temas cristológicos y marianos, cuya función principal no descansaba en la intención artística sino en la devocional, al ser creadas por artífices con poca instrucción en cuanto a los lineamientos de la pintura académica y la mayoría de las veces en poblaciones pequeñas alejadas de los grandes centros artísticos, que trabajaban para proveer la demanda local de imágenes para el culto pero a partir de las representaciones de grabados europeos que eran de amplio uso en la época y que les servían como modelo.
Fue también una vocación devocional la más importante motivación de Don Alfredo quien durante 49 años buscó obra de carácter popular por aquellos pueblos por los que pasó en sus múltiples viajes a lo largo del país o bien en sus visitas a la Lagunilla. Comenzó por adquirir cruces y pequeñas imágenes de Guadalupe, pero al tomar conciencia de la línea temática de su colección, decidió completar varios ciclos iconográficos como el de la vida de Cristo, de la Virgen María -que hoy forman la exposición Arte y Devoción-, de las vidas de santos o guadalupanas.
Tuvo el deseo de que una parte de su nutrida colección pudiera ser admirada públicamente, por lo que al fallecer, su familia se dio a la tarea de buscar aquella institución que cumpliera con su deseo, encontrando en el Museo Franz Mayer una feliz colaboración.
Exposición que muestra 50 textiles ornamentales provenientes del Museo Nacional del Virreinato que por primera vez salen de su recinto para ser presentados en el Museo Franz Mayer.
La muestra está compuesta por estolas, mitras, sotanas y toda aquella vestidura que es utilizada por un sacerdote para realizar el rito católico y que fueron creadas en hilos de oro, seda y plata.
Una muestra de 50 textiles fabricados en el virreinato podrá ser vista en la exposición Para la gloria de Dios. Ornamentos litúrgicos del Museo Nacional del Virreinato. Se observarán hábitos, estolas y todo textil que servía para realizar el rito católico.
El ornato sacro clásico, propio de las principales órdenes religiosas, cruzó el Atlántico a bordo de los barcos de Hernán Cortés, quien venía acompañado del sacerdote Alonso González, persona que introdujo a la Nueva España las primeras vestimentas religiosas necesarias para el ministerio católico.
La exposición es resultado de una alianza entre este recinto y el Museo Nacional del Virreinato, instituciones que han realizado proyectos en común desde hace tiempo.
De hecho, en la actualidad el Museo Nacional del Virreinato presenta Plata. Forjando México una exposición de objetos religiosos y civiles fabricados en plata y que en parte fueron prestados por el Museo Franz Mayer, quien en reciprocidad recibirá estos textiles que no habían salido del recinto ubicado en Tepozotlán, Estado de México.
Para la gloria de Dios. Ornamentos litúrgicos del Museo Nacional del Virreinato muestra obras que fueron creadas en México al poco tiempo del asentamiento español en la Nueva España, periodo en el que fue necesaria la llegada de artesanos que fabricaran las vestimentas con los materiales que acostumbraban los clérigos europeos.
Al fundar iglesias y emprender misiones nació la demanda de atuendos religiosos; como consecuencia, los frailes crearon la Escuela de Artes y Oficios con el propósito de enseñar a los indígenas la confección de vestidos propios del culto católico y de la vida conventual. Para esto, los naturales fueron capacitados en el arte del bordado, el cual fue enriquecido con algunas de sus técnicas ancestrales, como la plumaria.
Al poco tiempo del asentamiento español llegaron artesanos como plateros, pasamaneros, bordadores, sastres, tejedores y tintoreros, con la intención de desarrollar su oficio, diversificarlo y ponerlo al servicio de las nuevas condiciones de trabajo, ya que éstos, también elaboraban vestimentas con los materiales que acostumbraban los clérigos europeos.
Para la confección de prendas religiosas se utilizó el lino y la seda, valorados como preciosos. Por lo tanto, aquellos materiales de uso tradicional como el algodón, no podían ser empleados. La lana, aunque era considerada procedente de un animal impuro, se toleró en la elaboración de los hábitos de los frailes. Sin embargo, la elaboración textil no fue suficiente y se permitió la importación de telas finas; especialmente la seda, que llegó procedente de Asia y Europa.
Los textiles que se presentan en esta exposición son piezas únicas en su tipo, no sólo por su belleza o sus características materiales y simbólicas, sino también por su conservación durante siglos, ya que los hilos con los que fueron confeccionados, principalmente los de seda, son susceptibles a deteriorarse y desintegrarse en condiciones adversas y los metálicos se corroen o se rompen.
Al tratarse de objetos de uso sufrían daños como desgarres, quemaduras y manchas, entre otros deterioros comunes; además de los cambios en la moda y los estilos decorativos, así como la reutilización de telas para elaborar nuevos ornamentos, lo cual provocó que algunas prendas se descosieran, recortaran y adaptaran según fuera necesario.
Actualmente la conservación de textiles antiguos, entre ellos los litúrgicos, requiere del trabajo de un equipo especializado de biólogos, químicos, restauradores e historiadores, cuya labor interdisciplinaria tiene como objetivo la documentación, caracterización y preservación de estos objetos considerados patrimonio cultural.
Aún cuando muchas de las obras presentadas parecen íntegras a simple vista, tienen siglos de envejecimiento natural, por lo tanto, requieren de condiciones especiales de exhibición y almacenaje, como la ausencia de luz y un estricto control en humedad y temperatura. El reunir estas piezas en un sólo sitio, constituye un acontecimiento único. Por la difícil conservación de las mismas, éstas, sólo serán exhibidas por tiempo limitado para después regresar a su resguardo en el Museo Nacional del Virreinato.
Continuando con la misión de investigar, rescatar y exhibir la historia del diseño en México, el Museo Franz Mayer presenta la exposición Huellas de la Bauhaus. Van Beuren, México muestra que explora por primera vez parte de la vida y obra del arquitecto Michael van Beuren, fundador de muebles Van Beuren, una de las primeras empresas en México que produjo de manera industrial muebles de alto diseño para el mercado mexicano.
Van Beuren fue alumno de la Bauhaus y formó parte del grupo de alumnos que tomó clases con el arquitecto Mies van der Rohe en 1934, después de que la escuela cerrara sus puertas al enfrentar la clausura del naciente gobierno nazi de Hitler.
Michael van Beuren nació en Nueva York, el 18 de marzo de 1911. Llegó a México en 1937 buscando nuevos horizontes y la posibilidad de ejercer como arquitecto no titulado. Primeramente pasó una temporada en Acapulco, y se hizo cargo de la construcción y el diseño de interiores de los bungalows del Hotel Flamingo’s, posteriormente se dirigió a la ciudad de México. Sus primeros trabajos en la capital fueron una serie de casas que llevarían los números 1, 2 y 3 en la calle de Liverpool.
Una vez acoplado al país, Van Beuren se dio cuenta de que sería difícil ejercer sin el título de arquitecto, pero que con su habilidad y conocimientos adquiridos en la Bauhaus, podría incursionar en el ramo mueblero y brindarle a la sociedad mexicana una nueva oferta de diseño, más acorde con los nuevos tiempos, y que se adaptaría a la arquitectura moderna que ya destacaba en el panorama.
En 1938 comenzó a diseñar muebles con su colega de la Bauhaus, el diseñador alemán Klaus Grabe, de esta forma crearon una pequeña empresa que operaba bajo el nombre de Grabe & Van Beuren.
Posteriormente Michael van Beuren creó Domus, su primera marca y probablemente la más conocida. Con ese nombre se abriría la primera tienda en el número 40 de la calle de Hamburgo en la década de 1940; esta compañía sirvió de paraguas a diversas marcas que inundaron el mercado mexicano con interesantes diseños y un enfoque mucho más internacional y moderno, dejando atrás el “estilo mexicano” que los intelectuales y artistas habían tratado de poner de moda en esta búsqueda frenética por una identidad nacional.
En 1941, Van Beuren participó en el concurso Organic Design for Home Furnishing (Diseño Orgánico para Mobiliario Habitacional), organizado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Este certamen por primera vez incluía a diseñadores latinoamericanos en su convocatoria. Esa ocasión la dupla formada por el matrimonio de Clara Porset y Xavier Guerrero y el terceto conformado por Michael van Beuren, Klaus Grabe y Morley Webb ganaron un galardón. Fue entonces cuando la chaise loungue a la que Michael había bautizado como Alacrán comenzó a comercializarse en Bloomingdale´s a un precio de 69.98 dolares.
En 1950 Fredderick T. van Beuren, hermano de Michael, pasó a ocuparse de la parte de producción del taller, con la intención de hacerlo más eficiente, de crecerlo con miras a convertirlo en una verdadera fábrica. Con su hermano dentro del organigrama, el negocio dejó de llamarse Domus –aunque se conservó la marca – para convertirse en Van Beuren S.A. de C.V.
Hacia mediados de aquella década, Van Beuren, S.A. de C.V. ya era capaz de producir en serie, lo que le permitía realizar varias líneas al mismo tiempo y también conservar una estupenda calidad.
Además de Domus, Van Beuren produjo otras líneas que resultaron muy exitosas y llegaron en el momento en que México buscaba la transición hacia una estética más internacional. Tal fue el caso de la marca Calpini de la que da cuenta la revista Espacios de 1951, y de Decapóls (1961), que con una fuerte influencia bauhausiana, fue una de las más populares durante aquel periodo y llegó a tener un gran éxito de ventas en almacenes como El Puerto de Liverpool.
Michael van Beuren siguió diseñando y se retiró a vivir a la ciudad de Cuernavaca donde falleció en 2004. Hoy sus muebles, representan uno de los momentos más fructíferos de la producción de mobiliario en el país, y han pasado a ser parte importante de la historia del diseño en México del siglo XX.
En el marco de la exposición, el museo presentará una serie de talleres infantiles que se llevarán a cabo todos los domingos de julio bajo el título de La forma sigue a la función con el objetivo de que los infantes conozcan la vida y obra de Van Beuren, así como la evolución del diseño mobiliario en México. Asimismo se realizarán una serie de conferencias dirigidas al público en general en el que participarán connotados arquitectos y diseñadores.
El Museo Franz Mayer agradece el patrocinio de Reactor, Three Olives y Telcel para la realización de esta exposición.
Muestra integrada por más de 70 fotografías en blanco y negro, procedentes de de la Fototeca Nacional del Instituto Nacional de Antropología e Historia; el Museum für Völkerkund de Hamburgo, el Instituto Iberoamericano de Berlín y el Museo Franz Mayer que conservan colecciones del fotógrafo alemán.
La exposición, que se realiza en el marco de la celebración del Bicentenario, muestra la trasformación de la sociedad mexicana durante el periodo en el que ocurrió la Revolución.
Imágenes de la intervención norteamericana en Veracruz, de las tropas federales y revolucionarios que participaron en el movimiento de la Revolución Mexicana, así como del paisaje rural y urbano de comienzos del siglo XX, son algunos de los temas que toca la exposición de fotografías Hugo Brehme y la Revolución Mexicana que presenta la Embajada de la República Federal de Alemania en México y el Museo Franz Mayer, en colaboración con el Servicio Alemán de Intercambio Académico (DAAD)
Hugo Brehme fue un fotógrafo de origen alemán pero naturalizado mexicano que llegó a México en 1908. Se estableció profesionalmente en 1912 en un pequeño estudio ubicado en la 1a calle San Juan de Letrán Nº 3, donde llevó a cabo sus primeras postales y por la cuales sería principalmente reconocido. Luego trabajaría con Manuel Álvarez Bravo de quien aprendió la pasión por retratar.
A pesar de que se le conoce por sus vistas de paisajes -de una gran belleza y un marcado carácter pintoresco Brehme, también documentó la coyuntura histórica de la época que le tocó vivir: el de la gesta revolucionaria.
Mayra Mendoza Avilés, curadora de la muestra y subdirectora de la Fototeca Nacional, del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), ha sido una de las investigadoras que ha estudiado la obra de Brehme desde 2003. Refiere que las imágenes de la Revolución capturadas por Brehme, son puestas en escena “de una violencia implícita y de la composición perfecta propia del fotógrafo de estudio”.
“En cuanto al proceso técnico, es meritorio reconocer la calidad de la óptica empleada por Brehme durante este periodo, ya que es posible admirar la perfección del detalle y de la profundidad de campo... Las imágenes de Brehme son impecables, tal vez no sea aventurado aseverar que su preocupación no fue competir por la fotografía del suceso, sino conseguir un ensayo visual más cercano a lo que hoy llamaríamos fotografía documental”.
Así mismo, se cree que Brehme introdujo al mundo de la fotografía técnicas novedosas como el uso continuo de bromuro: “Es importante resaltar que una buena parte de la colección de piezas fotográficas vintage del Museo Franz Mayer son probablemente impresiones en “bromide paper” o “papel de gelatina-bromuro”, un papel plata/gelatina de excelente calidad, popular entre los maestros de este oficio, cuya tonalidad obtenida guarda semejanza al acelerado de platino y que se obtenía por contacto con el negativo”.
La exposición que se presenta en el Museo Franz Mayer nos acerca a un fotógrafo que retrata una realidad social trastocada de una manera bella y de perfección estética que pocas veces se observa en documentos fotográficos de la época. Un ejemplo puede observarse en las imágenes de marinos estadounidenses y alemanes instalados en buques en el puerto de Veracruz, en abril de 1914, momento de la invasión estadounidense. Pese al hecho dramático de esta imagen, Brehme logra captar también el crepúsculo invitando al espectador a realizar una reflexión estética.
Así mismo, en la muestra se observan imágenes de soldaderas y federales en Xochimilco; de las entradas de Venustiano Carranza y de Francisco Villa a la Ciudad de México, de cadáveres alineados durante la Decena Trágica, de los hermanos Emiliano y Eufemio Zapata con sus respectivas esposas, entre otras.
Las fotografías, volúmenes ilustrados y postales que realizó Brehme en México son referencia obligada para quien desea acercarse a la historia de México.
La exposición que esta ocasión se exhibe en el Franz Mayer también se ha presentado en la Biblioteca del Colegio de México del Distrito Federal; en el Centro de las Artes de San Luis Potosí; en la Biblioteca Pública Juan José Arreola de Guadalajara; en la Fototeca del Centro de las Artes de Monterrey. En Alemania: en el Instituto Ibero-Americano de Berlín y el museo Martin-Gropius-Bau de la misma ciudad.
El Museo Franz Mayer agradece el apoyo de sus patrocinadores: Turibús, IMER, Tequila Cuervo y Escuela de Gastronomía Mexicana. Historia, Arte y Cultura.
El italiano Pietro Masturzo ganó el premio principal del concurso con una fotografía sobre las protestas que desataron las elecciones del año pasado en Irán.
El fotógrafo mexicano Guillermo Arias, de la agencia Associated Press, obtuvo la mención de honor dentro de la categoría de temas contemporáneos, con una imagen captada en Tijuana.
A partir del 3 de septiembre y hasta el 3 de octubre el Museo Franz Mayer, en colaboración con la Comisión Nacional de los Derechos Humanos, albergará la 53 edición de World Press Photo 2010, compuesta por las 162 fotografías ganadoras en las 10 categorías del premio, el cual contó con la participación de 5,847 fotógrafos de 128 países, quienes presentaron 101,960 imágenes en torno a los acontecimientos más destacados de 2009.
Este año, el fotógrafo italiano Pietro Masturzo ha sido seleccionado por un jurado formado por 19 miembros, entre editores de fotografía de prensa y agencias de noticias, como el ganador de la mejor fotografía tomada en el transcurso de 2009.
Su imagen, en la que se muestra a un grupo de mujeres que lanzan gritos desde un tejado de un edificio en Teherán, es resultado de las manifestaciones y expresiones de protesta que se sucedieron los días siguientes a las elecciones del 12 de junio de 2009 en Irán, en las que ganó de forma abrumadora el presidente Mahmud Ahmadineyad, y cuyo triunfo fue puesto en entredicho por la oposición, tras alegar un masivo fraude electoral.
“La fotografía de Masturzo muestra el comienzo de algo, el comienzo de una historia profunda, y añade perspectiva a la noticia misma. La imagen toca las fibras tanto visuales como emocionales; mi corazón simplemente salió a su encuentro”, dijo el presidente del jurado, Ayperi Karabuda Ecer, tras conceder el premio.
Para esta edición, el jurado otorgó premios a un total de 62 fotógrafos de 23 nacionalidades: Argentina, Australia, Brasil, Canadá, Chile, China, Ecuador, Francia, Alemania, Hungría, Irlanda, Israel, Italia, Mali, México, Holanda, Palestina, Perú, Somalia, Suecia, Ucrania, el Reino Unido y Estados Unidos.
Por su parte, al fotógrafo mexicano Guillermo Arias, quien trabaja para la agencia Associated Press, le fue otorgado la Mención Honorífica en la categoría de temas contemporáneos por una fotografía titulada “Cuerpo de un presunto traficante de drogas”, tomada en Tijuana durante el mes de septiembre del año pasado.
Dentro de los ganadores, también destacan las fotografías del australiano Adam Ferguson, del New York Times, quien obtuvo el primer lugar en la categoría de noticias de actualidad. Su imagen muestra cómo una mujer es rescatada después de un atentado suicida en Kabul, Afganistán, el 15 de diciembre de 2009, así como la fotografía de David Guttenfelder, de Associated Press, que obtuvo el segundo lugar dentro de la categoría de personajes de actualidad, en la que se puede ver a tres soldados estadounidenses que toman posiciones defensivas tras recibir fuego de los talibanes en el valle de Korengal, Afganistán; uno de los soldados viste calzoncillos con la leyenda “I love NY”.
World Press Photo es una organización independiente y sin ánimo de lucro fundada en Ámsterdam, Holanda, que premia, desde 1955, lo mejor del fotoperiodismo mundial, dividido en las categorías de personajes de actualidad, noticias de actualidad, temas de actualidad, vida cotidiana, temas contemporáneos, naturaleza, retratos, artes y entretenimiento, reportajes de deportes y fotografías de acción.
Para esta edición del certamen, y por primera vez, se creó la figura de un jurado especializado en tres categorías: deportes, naturaleza y retratos, a fin de impulsar con su conocimiento y experiencia, dichas áreas. Después de una primera selección, un representante de cada categoría se unió al jurado general para la selección final.
El hecho de que miles de personas de todo el mundo sigan la muestra itinerante en diferentes países, evidencia el poder de la fotografía para superar las fronteras lingüísticas y culturales, aportando imágenes para la memoria colectiva, fotos impactantes que muestran la realidad desde el lugar en que sucede, que mueven conciencias y que, incluso, han cambiado en muchas ocasiones la opinión pública.
En el marco de la exposición, el Museo Franz Mayer organizará un ciclo de conferencias, cursos y talleres de fotoperiodismo, así como un ciclo de cine–debate.
World Press Photo 10 es patrocinada a nivel mundial por Canon y TNT. En México, además, recibe el apoyo del Consejo Nacional para Prevenir la Discriminación, Canon de México, Once TV México, Instituto Mexicano de la Radio, El País, Telcel, Hilton Mexico City Reforma y Carlsberg.
La exposición cuenta con cerca de 150 piezas, entre pinturas, cartas, libros, mapas, artes decorativas y mobiliario procedente de tres colecciones: The Hispanic Society of America de Nueva York; Ricardo B. Salinas Pliego/Fomento Cultural Grupo Salinas y el Museo Franz Mayer.
El criollo en su reflejo nos habla de la vigencia del ser criollo y de la identidad nacional que perdura hasta nuestros días.
La exposición fue curada por el historiador Salvador Rueda Smithers, Director del Museo Nacional de Historia Castillo de Chapultepec y Mitchell Codding, Director de The Hispanic Society of America de Nueva York
En el marco de la conmemoración del Bicentenario de la Independencia, a partir del 15 de octubre y hasta el 12 de diciembre se presenta en el Museo Franz Mayer la exposición El criollo en su reflejo. Celebración e identidad, 1521-1821, un homenaje a la personalidad criolla, vista a través de objetos, obras de arte, documentos, mapas y libros que forjaron su visión y pensamiento.
La exposición, resultado de la colaboración entre The Hispanic Society of America de Nueva York; Ricardo B. Salinas Pliego/Fomento Cultural Grupo Salinas y el Museo Franz Mayer, presenta 150 piezas pertenecientes a estas instituciones. La muestra se divide en cuatro módulos: 1) Imaginar el mundo: construir territorios.2) leer, escribir, representar.3) Devociones y fervores. 4) Vivir día a día. Gustos y costumbres.
El criollo en su reflejo. Celebración e identidad, 1521-1821 sintetiza el proceso de construcción de la conciencia criolla, del sentimiento de pertenencia a un territorio que con el tiempo, contribuyó a crear una identidad novohispana, filiación de toda una generación que más adelante reclamaría derechos propios y particulares.
“Queríamos hacer una historiografía genealógica que nos acercara al principio y origen de la idea que los mexicanos tenemos de nosotros mismos”, explica Salvador Rueda, Director del Museo Nacional de Historia y curador de la muestra.
De esta forma, continúa Rueda, la exposición refleja “el arraigo a un territorio, porque ser mexicano tiene su origen en el patriotismo criollo; el centro de la exposición no es otro que el de conocer los nudos de identidad propios del ser mexicano, desde el territorio hasta el mundo de lo sagrado”.
A decir del historiador Rueda, la importancia de exponer hoy la identidad criolla radica precisamente en el hecho de que nosotros, como mexicanos, somos su reflejo; somos nosotros quienes nos asomamos a un espejo para “reconocer nuestro origen, el origen de nuestras fiestas, de nuestras procesiones, de nuestro gusto”.
Por su parte Sara Baz, coordinadora y enlace curatorial de la exposición, explica que la muestra también desea que el visitante se vincule espiritualmente al criollo: “no a través de una identidad racial, sino ideológica. Lo que queremos es que se descubra cómo esa etapa ha fortalecido su identidad como mexicano”.
Respecto a la razón por la cual la muestra inicia en el año 1521, Baz explica que esta fecha se tomó como punto de partida por ser la de la rendición de la antigua Tenochtitlan, es decir, la fundación de la Ciudad de México por los europeos, con un espíritu de dilatación de los dominios de la Monarquía Hispánica y como un universo de posibilidades de realización de las utopías renacentistas que los viajeros traían en el imaginario.
“No se trata” –comenta Baz– “de una exposición celebratoria de corte patriótico, atendiendo la etapa liberal, sino por el contrario, de exponer una etapa fundamental de México que merece ser atendida en el propio marco de los festejos del Bicentenario: el contexto de tres siglos que dio cuenta de la formación de una conciencia local, de la conciencia criolla”.
Por otra parte, dada la devoción criolla por las fiestas religiosas y la espiritualidad, destaca en la muestra la construcción del culto guadalupano: “Lo que individualizó a la Nueva España fueron las apariciones del siglo XVI, que encuentran su construcción discursiva en el XVII”, con autores como Miguel Sánchez, Lasso de la Vega y Becerra Tanco”, dice Baz. En el módulo dedicado a la devoción, el visitante podrá ver diversos objetos religiosos de gran importancia, así como algunos de estos libros en los que se construye el mito que rodea a las apariciones y que hace de éstas una distinción divina al suelo novohispano.
En la muestra también se observarán planos y documentos invaluables pertenecientes a la colección Ricardo B. Salinas Pliego/Fomento Cultural Grupo Salinas, todos ellos seleccionados cuidadosamente para enriquecer el panorama cultural de la vida de los criollos, que dieron origen a nuestro sentimiento de pertenencia nacional, dibujando el perfil de lo que, más tarde, conformaría nuestra identidad como mexicanos”, comenta Mercedes García Ocejo, Directora General de Fomento Cultural Grupo Salinas.“ Y añade: “Para nosotros, es un privilegio poder colaborar en una exposición donde todos los esfuerzos se unieron para contar aspectos fundamentales de nuestro pasado, que redefinen nuestro presente; ese diálogo también se logra a través de los interactivos que hay en cada sala del recorrido, y que invitan al público visitante a participar y a reflexionar sobre el mundo criollo y cómo se relaciona ahora con nuestra vida cotidiana, en pleno siglo XXI”.
La exposición estará acompañada de un catálogo del mismo título con las imágenes de alrededor de 200 objetos y con textos de Mitchell Codding, Salvador Rueda, Antonio Rubial García y Alfonso Alfaro, entre otros expertos.
BIENAL INTERNACIONAL DEL CARTEL EN MÉXICO 2010
Evento apoyado por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes
PAÍSES INVITADOS ESPAÑA Y RUSIA:
Del 29 de octubre al 2 de noviembre, con actividades en las ciudades de México, Puebla y Xalapa, Ver., tendrá lugar la Undécima Bienal Internacional del Cartel en México.
Con esta edición, la Bienal Internacional de Cartel en México cumple 20 años de trabajar con la prioridad –en palabras de sus organizadores– de "generar una cultura del diseño que se integre a la vida cotidiana".
El lenguaje de los diseñadores es representado especialmente por la "síntesis y precisión comunicativa", características propias del cartel. Los invitados especiales son, este año, los diseñadores y los carteles de España y Rusia. Así como los participantes en las exposiciones como la colección Voces en libertad –cuya exhibición abarcará decenas exposiciones en México y en diversas sedes diplomáticas en el extranjero–, la exposición del pintor, muralista y diseñador valenciano Josep Renau, la exposición de carteles contemporáneos de Rusia y la del japonés Kenya Hara, quien, en uno de sus trabajos más conocidos, incorporó características de la cultura japonesa en el diseño de la inauguración y clausura de los Juegos Olímpicos de Invierno de Nagano.
Las exposiciones, presentaciones de publicaciones, talleres y conferencias, son una amplia muestra de la diversidad del mundo del diseño, como parte del papel de la Bienal Internacional del Cartel en México de ser "plataforma para presentar propuestas de diseño que reúnan calidad y utilidad social."
La inauguración, con un concierto del Cuarteto de Saxofones de México, tendrá lugar el viernes 29 de octubre, a las 20:00 horas, en el auditorio del Complejo Cultural Universitario. El Encuentro de la Bienal Internacional del Cartel en México, Puebla 2010, tendrá su sede en el Complejo Cultural de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, con la participación de más de 20 países invitados y de más de 40 diseñadores, quienes hacen oficio del diseño como "práctica pública y plural en donde la mayor parte de la población recibe formación y gusto por la imagen, y también estimula la reflexión acerca de los problemas de la humanidad."
El jurado de esta undécima edición está integrado por Dóra Keresztes, Apex Lin, Iwona Rypesc- Kostovic, Sergio Vega, Luba Lukova, Kenya Hara, Svetlana Faldina, Finn Nygaard, Fang Chen, Eric Olivares y Raquel Pelta. Y la selección de participantes incluye a diseñadores de países de todos los continentes, desde los más cercanos como Cuba y los Estados Unidos a países como Zimbabue, Venezuela, Uruguay, Suecia, Ucrania y Turquía.
En la ciudad de México, el jueves 28 de octubre, se verificarán las Conferencias Magistrales en Escuelas de Diseño: En la UAM Xochimilco con Marjatta Itkonen (Finlandia), Pedro Torret (España) y Andrey Logvin (Rusia); en la Universidad Anáhuac del Norte, participarán Yuri Surcov (Rusia), Helmut Langer (Alemania) y Héctor Villaverde (Cuba); en la Universidad Iberoamericana Santa Fé, disertarán Michel Olivier (Francia) y Pablo Kunst (Argentina) y en la EDINBA: Natalia Ridzvenko (Rusia), Yuri Gulitov (Rusia) y Pablo Iturralde (Ecuador).
En el Complejo Cultural Universitario de la BUAP las conferencias serán:
El sábado 30 de octubre "El minimalismo en el cartel ruso" de Vladimir Chaika; "La edición de libros infantiles" de Vicente Ferrer Azcoiti (España); "Diseñando el diseño, innovación en el diseño japonés" de Kenya Hara y la presentación del programa de la tercera "Muestra de cine experimental y de animación".
El domingo 31, la presentación del programa "Convocatoria Bienal Internacional del Cartel Bolivia"; "Mi propuesta de diseño", de Finn Nygaard; "Influencias y encuentro España México", a cargo de Raquel Pelta y Eric Olivares; "El cartel social de Fang Chen" (China); "La mujer en el diseño contemporáneo ruso" de Svetlana Faldina y "Una propuesta de ilustración infantil" de Dóra Keresztes.
El lunes 1 de octubre, "El diseño, factor de innovación" de Apex Lin (Taiwan); la presentación de la "Escuela Ituit-Lab" de Francia; "Bolivia, una nueva perspectiva", de Sergio Vega, y "Diseño textil contemporáneo" de Iwona Rypesc (Polonia- Estados Unidos)
El martes 2 de noviembre: "La fuerza de la imagen en el cartel" de Luba Lukova (Estados Unidos), "Una propuesta de imagen" de Michel Bouvet (Francia), "La ilustración en el cartel" de Pedro Torrent "Peret"; y la "Bienal de cartel Golden Bee de Moscú y el diseño en Rusia" de Serge Serov.
ORGANIZADORES DE LA BIENAL: Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, Secretaría de Cultura del Gobierno del Estado de Puebla, Instituto de Estudios Superiores A.C. y Trama Visual A.C. / Icograda
CONVOCANTES: Secretaría de Relaciones Exteriores, Programa del Medio Ambiente de Naciones Unidas; Oficina Regional para América Latina y el Caribe, Universidad Veracruzana, Secretaría de Cultura del Gobierno del Distrito Federal, Instituto Nacional de Bellas Artes, Universidad Nacional Autónoma de México, Universidad Autónoma Metropolitana. Museo Franz Mayer. Instituto de Cultura Municipal de Puebla. Evento avalado por Icograda.
PATROCINADORES: Papelerías Lozano Hermanos, Hewlett Packard, Grupo Equipamientos Urbanos. Embajada de España en México.
Agradecemos especialmente a la Embajada de España en México su apoyo y colaboración así como a Papelerías Lozano Hermanos por su aportación que ha hecho posible tanto la edición de la colección como del libro “Voces en libertad”.
OFICINAS DE LA BIENAL:
México DF.
AV. Álvaro Obregón 73
Colonia Roma
06700 DF
(01 55) 55 14 81 37 y 55 25 42 65
Xalapa Veracruz
Calle Fernando de Jesús Corona 19
Colonia Salvador Díaz Mirón
Centro Histórico
CP 91000 Xalapa Veracruz
(01 228) 817 51 85 y 818 30 60
El Museo Franz Mayer celebra sus primeros 25 años con una exposición de diseño gráfico que presenta los logos que han conformado la identidad mexicana de 1985 a la fecha.
Además de la muestra, se presentará un ciclo de mesas redondas en el que se abordará el tema del diseño gráfico y sus aplicaciones.
El Museo Franz Mayer y el Colegio de Diseñadores Industriales y Gráficos de México, (CODIGRAM) presentan 25 años del Logo y el Símbolo en México 1985-2010, exposición que celebra el 25 aniversario del museo mostrando láminas con los logos y trabajos de identidad gráfica más destacados diseñados por las 25 mentes más creativas e innovadoras en el ámbito del diseño gráfico de nuestro país.
La muestra pretende ser una viaje a la historia del diseño gráfico en México, desde 1985 hasta nuestros días, pues fue en esa fecha cuando se publicó Símbolos y Logos en México, un libro fundamental para entender la importancia del diseño en el país y que estuvo coordinado entonces por los diseñadores Eduardo Téllez y Roberto Iturbe, asociados de CODIGRAM.
Además de una selección de los mejores trabajos de diseño gráfico que han generado a lo largo de 25 años, éstos 25 profesionales, también presentarán 25 logos creados por ellos en el que mostrarán este número en homenaje al aniversario del Museo Franz Mayer. El resultado es una exhibición de trabajos de identidad visual desarrollados por dichos creadores, cada uno desde su experiencia y su muy particular visión.
De esta manera, los diseñadores que se presentan y muestran al público su trabajo y calidad profesional, lo hacen bajo la premisa de que todo trabajo que no se difunde, es como si éste nunca hubiera existido.
Los diseñadores participantes son: Jorge Aldrete, Luis Almeida, Manuel Álvarez Fuentes, Felix Beltrán, José Luis Bezaury, Marciano Borja, Eduardo Calderón, Daniel Castelao, Marcela Castro, Carmen Cordera, Sergio Cuevas, Arturo Domínguez, Juan Carlos Fernández, Luis Herrera, Laura Medina Mora, Gabriel Martínez, Rebeca Martinez, Patricia Hordoñez, Vicente Rojo, Ricardo Salas, Daniel Salas, Gonzalo Tassier, Eduardo Tellez, Franz Teuscher y Eduardo Zapata.
Inaugura ITDP la exposición “Nuestras ciudades, nuestro futuro”
La exposición itinerante proyecta escenarios sustentables para diez de las ciudades más conflictivas y pobladas del mundo hacia el año 2030, si éstas empezaran a planearse a futuro pensando en las personas, y no en los automóviles.
Esta muestra se realiza como parte del 25 aniversario de ITDP y permanecerá abierta hasta el 20 de marzo en el Museo Franz Mayer y sedes alternas.
Tacubaya se proyecta como una zona armoniosa, con un sistema de transporte sustentable e incluyente, siempre y cuando se realicen las adecuaciones necesarias, con base en los diez principios para la movilidad sustentable propuestos por ITDP y el reconocido urbanista Jan Gehl.
México D.F. a 2 de febrero 2011.- El Instituto de Políticas para el Transporte y el Desarrollo (ITDP por sus siglas en inglés), junto con arquitectos internacionales de vanguardia se dieron a la tarea de proyectar cómo serían diez de las ciudades más grandes y conflictivas del mundo hacia el 2030, si redujeran su dependencia del automóvil, promovieran sistemas de transporte público eficientes, e incrementaran el uso de la bicicleta y la movilidad peatonal. Esto queda plasmado en la muestra “Nuestras ciudades, nuestro futuro” que se inaugura este miércoles 2 de febrero en el Museo Franz Mayer de la Ciudad de México.
Las diez ciudades que sirvieron como ejemplo para realizar la propuesta de un futuro de movilidad inteligente, que integre y transforme las condiciones urbanas actuales, son Ahmedabad (India), Budapest (Hungría), Buenos Aires (Argentina), Cantón (China), Ciudad de México (México), Dar es Salam (Tanzania), Yakarta (Indonesia), Johannesburgo (Sudáfrica), Nueva York (Estados Unidos) y Río de Janeiro (Brasil), ciudades en donde trabaja ITDP. Las propuestas muestran calles seguras y llenas de vida que promueven la equidad económica y social; donde se privilegia a los peatones, las bicicletas y el transporte público; y donde es posible reducir drásticamente las emisiones de carbono.
Una de las constantes que acompaña a todas las propuestas que participaron en este proyecto, es desafiar el modelo de desarrollo urbano que privilegia al automóvil particular como sistema de transporte prioritario, en ciudades de diferentes perfiles culturales. La exposición “Nuestras ciudades, nuestro futuro”, tiene como objetivo central poner de manifiesto todo el potencial que tienen los sistemas de movilidad sustentable y los proyectos de desarrollo urbano enfocados en las personas para redefinir una ciudad y hacerla más agradable y respetuosa con el medio ambiente.
La muestra incluye renders o visualizaciones de zonas específicas de las ciudades, así como fotografías y maquetas en tres dimensiones tanto en su versión real como en la proyección diseñada para 2030, lo que permitirá a los visitantes comparar ambas situaciones. En el caso de la Ciudad de México, la zona de Tacubaya, en la Delegación Miguel Hidalgo, fue seleccionada por su sistema deficiente de transporte, las condiciones complejas del espacio urbano que la conforman, y su bagaje cultural.
Las diez ciudades seleccionadas han demostrado ser líderes en la implementación de proyectos innovadores de movilidad sustentable y son tierra fértil para una mayor transformación. Casi todas se encuentran en países en desarrollo, ya que ahí tendrá lugar gran parte del crecimiento urbano en los próximos 20 años. Tomando en cuenta que, de acuerdo al Fondo de Población de Naciones Unidas, hacia 2030, el 60% de la población mundial (unos 5 mil millones de personas) vivirá en ciudades, lo que representaría 2 mil millones más que en la actualidad.
Los arquitectos son líderes en su campo que conocen de manera cercana las ciudades sobre las que hicieron sus propuestas, que están al tanto de las innovaciones en diseño urbano y cuentan con un compromiso por hacer de la sustentabilidad, el eje rector de sus trabajos. Utilizaron como soporte de sus proyectos “Los diez principios para la movilidad sustentable” desarrollados por ITDP y el reconocido urbanista danés Jan Gehl. Los resultados combinan creatividad con pragmatismo, y muestran lo que es posible cuando se diseñan las ciudades pensando en las personas y en su futuro.
La exposición fue presentada por primera vez en 2101 en el Centro de Arquitectura de Nueva York, bajo el titulo “Our cities, ourselves”. A partir de febrero se presentará en México y en Brasil, como las siguientes de varias metrópolis del mundo en donde se presentará para conmemorar los 25 años de la fundación del instituto.
Tacubaya 2011-2030
En el proyecto de Tacubaya trabajó el arquitecto Jose Castillo de arquitectura 911, quién partió de una evaluación sobre las condiciones actuales en que se encuentra esta zona, ubicada al poniente de la Ciudad de México. Una vez que se delimitó la problemática, se propuso un escenario futuro en el que se complemente la función de nodo de movilidad para el poniente de la Ciudad, con una alta calidad del espacio público que históricamente ha tenido la zona. Estos escenarios se plasmaron en renders o visualizaciones de cómo sería Tacubaya en el 2030 si se realizaran los proyectos necesarios para reposicionar este barrio.
De acuerdo con el proyecto, Tacubaya se convertiría en un centro nodal de transporte masivo, conectando las líneas de metro que hoy existen, con una densa red de autobuses en carriles confinados, que conectarían con Santa Fe, Periférico y Circuito Interior. Actualmente más de 50,000 personas usan diariamente la estación del Metro, pero se estima puede ser usado como terminal de un sistema de Autobuses de Tránsito Rápido a Santa Fe por 150,000 usuarios más.
El barrio de Tacubaya se concibe además como esencialmente peatonal y ciclista, y las avenidas que hoy sirven de paso a la zona para automóviles, se reconvierten en calles locales con usos mixtos que hacen que tenga vida las 24 horas, y donde el acceso a bienes y servicios esenciales para la vida de sus habitantes se resuelve con viajes locales.
El objetivo, dijo Bernardo Baranda, director para América Latina del ITDP, es demostrar cómo especialistas en urbanismo, transporte y arquitectura, pueden trabajar de forma coordinada a favor de la comunidad, diseñando ciudades en beneficio de sus habitantes y el medio ambiente. “El proyecto propuesto para la zona de Tacubaya no es difícil de implementar, siempre y cuando exista la voluntad entre gobierno, iniciativa privada y sociedad civil para llevarla a cabo”.
El director para America Latina del ITDP, dijo que “Nuestras ciudades, nuestro futuro”, busca demostrar que “podemos tener un futuro urbano, sustentable y equitativo, construido a partir de un sistema de transporte eficiente y con espacios públicos más humanos e incluyentes”.
Paisaje Mocheval es un proyecto que rescata técnicas de tejido de los Altos de Chiapas, en concreto de la zona de Zinacantán, a través de un grupo de mujeres artesanas-artistas, combinado con el trabajo y experiencia de la diseñadora de moda Carmen Rión, quien gusta de trabajar los textiles.
La muestra consta de 36 piezas de lana que fueron creadas en telar de cintura y bordadas a mano por mujeres artesanas chiapanecas. A raíz de este proyecto, se originó la formación del “Fondo Mocheval”, así como un catálogo.
Durante la inauguración de la exposición se realizará un desfile de moda coordinado por Beatriz Calles.
La exposición contó con el apoyo del FONCA. Fue curada por Ana Elena Mallet y coordinada por Teresa Diaque y María Luisa Sabau.
Desde 2005 la diseñadora mexicana Carmen Rión trabaja con el grupo Mujeres Mayas de Jovel dando talleres de diseño y creando piezas para su colección. A partir de 2009, comenzó un proyecto que le permitió rescatar técnicas de tejido artesanal que realizaban mujeres artesanas que viven en la zona de los altos de Chiapas, en concreto de la zona de Zinacantán.
Luego de varios viajes que hizo a esa zona del país, Rión se percató que las mujeres de Zinacantán estaban olvidando técnicas que fueron aprendidas a través de generaciones. Fue entonces cuando decidió crear un plan de diseño en el que se involucraron 36 artesanas que laboraron por grupos.
Carmen Rión, explica: “Desde mis primeros viajes a Chiapas observé cómo algunas técnicas de tejido se estaban olvidando pese a tratarse de piezas de arte que, incluso, deberían ser incluidas dentro de la moda contemporánea”.
Carmen les hizo ver que una de las constantes de sus diseños era que el color se definía de acuerdo a la tonalidad y forma que adquirían los paisajes que rodean sus comunidades. Fue así como creó un plan de trabajo en el que se involucraron diversos actores. En primer lugar, Vicente Mayo con el donativo de lana que les otorgó la empresa Santiago textil; las artesanas y los fotógrafos Carolina Flores y Henrietta Spezi, quienes llevaron a cabo el registro del proyecto.
Las artesanas fueron guiadas por las fotógrafas para tomar imágenes de los paisajes que más llamaran su atención para de ahí trabajar un proceso de diseño guiado y que les servirían para crear sus mochevales, algunas de estas fotografías se presentan en la muestra y fueron impresas sobre material HP Wall Paper en la HP Scitex LX800 (tecnología látex).
“Ellas tomaban la imagen. Luego hicieron un diseño del mocheval preparando la base de sus colores logrando hacer consciente su proceso creativo”, asegura Rión.
De esta forma, las artesanas han tenido la oportunidad de actualizar sus diseños y generar nuevos, lo que al final les ayuda a hacer más redituable su trabajo.
El mocheval en lengua tzotzil significa rebozo y en su centro tiene un tejido nombrado hachum que forma una cuadricula de rayas verticales y horizontales. El primer mocheval estudiado por la diseñadora era uno de lana de tonos grisáceos, blancos y negro, como si esto fuera una abstracción de la niebla que diariamente baja entre las doce del día y la una de la tarde. De ahí, el propósito de realizar un proyecto en el que se mezclara la fotografía del paisaje de los Altos de Chiapas y los mochevales.
“Me fue interesando ver los diseños que tenían y encontré que éstos se relacionaban con el paisaje que las rodeaba. Fue increíble ver cómo las artesanas – artistas vivieron este proceso e hicieron una labor excelente pues es algo que llevan en la sangre”.
Las artesanas que forman parte de Mujeres Mayas del Jovel, A.C. (MMJ) provienen de diferentes comunidades de los Altos de Chiapas. El grupo se originó en 1996 con la intención de organizar a mujeres que desarrollaran actividades agrícolas y artesanales, sin mucho éxito. Sin embargo, algunas mujeres continuaron con el proyecto y vieron que su denominador común era el tejer prendas. De esta forma, un año más tarde, setenta artesanas se integraron de forma independiente e iniciaron una tienda donde venden sus productos. Más tarde, en el 2001 se constituyeron como Asociación Civil y el Fondo para el Desarrollo Sustentable del Gobierno Federal, les brindó apoyo en áreas de salud, procuración de justicia y materias primas para el desarrollo de su trabajo.
El objetivo vital para la diseñadora es brindar a estas artesanas las herramientas para hacer su labor más rentable, aspecto que se logra con los nuevos diseños que han logrado generar gracias al aprendizaje que obtuvieron durante todo el proceso, así como, con la creación de un “Fondo Mocheval”, hecho que permite a las artesanas continuar con su trabajo y obtener recursos.
María del Carmen Rión Santiesteban, estudió la Licenciatura en Diseño Gráfico con especialidad en diseño textil; obtuvo Mención Honorífica por su tesis sobre Procesos de diseño para estampado textil mexicano. Cursó la Maestría en Diseño Gráfico y Textil en Basilea, Suiza. Durante su trayectoria ha colaborado con varias empresas. Desde 1999 la marca Carmen Rión forma parte de la escena textil de nuestro país. En 2009 forma parte de la pasarela general y latinoamericana de Ethical Fashion Show de París. En 2010 participó como jurado para otorgar las becas de estudios en el extranjero del Fonca.
Agradecemos el apoyo del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, Santiago Textil, HP, Grupo Financiero Monex, Hoteles City Express, Imprenta Romo, el Gobierno de Chiapas, Vino Santo Tomas, Tequila El Alacrán y Mezcal El Enmascarado.
Muestra que reúne cerca de 400 piezas de joyería y ropa vintage pertenecientes a la colección de Bárbara Berger.
La muestra presenta joyería de reconocidas firmas como: Chanel, Balenciaga, Yves Saint-Laurent, Christian Dior, David Mandel, Iradj Moini, Elsa Schiaparelli, Lina Barreti, Trifari, Krussman & Fishel, Inc. y Kenneth Jay Lane, entre otras.
A temprana edad y de manera casi fortuita, Bárbara Berger se inició en el mundo del coleccionismo. Cuando tenía 13 años, su madre, Eleonor falleció y le heredó además de su colección de objetos, su pasión por ellos. La pequeña Bárbara Berger no tardó mucho tiempo en continuar con esta actividad adquiriendo bolsos, cerámica, vestidos y sobre todo, joyería la cual ha mostrado en diversas exposiciones en España, Francia, Estados Unidos y México.
La historia de la joyería de fantasía se remonta al siglo XVII en Francia, cuando se realizaron las primeras imitaciones de diseños y materiales que solo la nobleza podía costear. En 1767 se constituyó la corporación francesa Bijoutiers Faussetiers (joyeros de imitación) la cual pocos años más tarde sumaba 314 integrantes, pero fue hasta 1873 cuando la Cámara Sindical Francesa validaría la profesión de faussetier (imitador).
A principios del siglo XX, en 1901, la Cámara Sindical Francesa adoptó el término Bijouterie de fantasie (joyería de fantasía) y en 1925 al inaugurarse la Exposición Internacional de Artes Decorativas, la joyería de fantasía se dividió en dos categorías: la imitación de joyas preciosas y la segunda, la creación de diseños originales. Esta última categoría fue la que se desarrolló con gran auge a partir de este momento, dando un giro radical al dejar atrás las imitaciones para dar paso a diseños y materiales innovadores que resaltaban sus propias características.
La necesidad de revitalizar el atuendo de las mujeres, aunado a las limitaciones económicas que se vivieron después de la Primera y Segunda Guerras Mundiales, fue el terreno propicio para que los diseñadores empezaran a resaltar las ventajas de este tipo de joyería.
Coco Chanel fue pionera en la creación de este tipo de joyería, para ella la joyería de fantasía se convirtió en un objeto protagonista e inseparable de la Alta Costura. Además incorporó nuevos materiales que hasta esa época no se utilizaban como resinas, cuero o acero.
La exposición Bijoux. Fantasías en moda y joyería es justamente un recorrido por la joyería de fantasía creada en el siglo XX. Nos transporta a los sofisticados años 30; pasa por la época de máximo esplendor de la Alta Costura de los 50 y continúa con el Pop y la modernidad de los años 60 y 70 para finalizar con algunas creaciones de Chanel, Balenciaga, Yves Saint-Laurent, Christian Dior y Elsa Schiaparelli, creadas en los 90.
El proceso de creación que está detrás de la colección Berger inicia con el dibujo y el diseño que se complementan con la imaginación como herramienta de trabajo artístico para lograr la adaptación de la técnica, los materiales y las formas al servicio de la moda.
La importancia de exhibir esta colección está relacionada con la perspectiva de la historia cultural, la cual permite estudiar los objetos de uso cotidiano y cómo éstos cobran una especial relevancia en el momento en que refieren a los modos de vida y al imaginario colectivo expresado como moda por cada cultura.
El Museo Franz Mayer agradece el apoyo de sus patrocinadores: Swarovski Cristal, Seguros AXA y Casa Cuervo.
El Fondo Clara Porset organiza de manera bianual el Premio de Diseño Clara Porset para mujeres mexicanas, el cual recompensa el trabajo sobresaliente de estudiantes de la licenciatura de Diseño Industrial.
En la muestra se presentan los proyectos seleccionados de 111 propuestas de 28 instituciones educativas los cuales fueron elegidos por ser propuestas que aportan a la sociedad objetos y productos útiles, representativos de nuestra cultura, originales y capaces de satisfacer necesidades presentes o futuras, cuya forma o apariencia externa es original e innovadora.
Muestra que reúne 19 obras de 19 importantes arquitectos, diseñadores y artistas contemporáneos, entre los que se encuentran Juan Pablo Serrano, Emiliano Godoy, Ariel Rojo y Ximena Pérez Grobet.
El Museo Franz Mayer, cuya misión es promover y motivar la creación del diseño contemporáneo en nuestro país, presenta la exposición Tapetes. Anudando historias – Enlazando ideas en la que se exhibirá el trabajo de 19 diseñadores, arquitectos y artistas contemporáneos que enlazan la antigua tradición del anudado con diseños contemporáneos.
Los participantes de la muestra fueron seleccionados por la empresa más antigua de comercialización de tapetes hechos a mano de México, Odabashian y Círculo Cuadrado con el objetivo de combinar distintas disciplinas y generar un grupo representativo tanto en trayectoria como en talento. Juventud y experiencia son los ingredientes que le dan la personalidad a la exposición.
Las técnicas de anudado de tapetes de Asia serán las que plasmen este caleidoscopio de ideas en las que destaca principalmente el punto de vista e inspiración de cada uno de los participantes. El resultado es una visión actual y diferente del los tradicionales diseños en tapetes, además de una forma novedosa de expresarse.
Los participantes son los arquitectos e interioristas: Juan Pablo Serrano Orozco, Aurelio Vázquez Durán, usoarquitectura, Andrés Mier y Terán, Paul Cremoux, Productora y Paola Calzada Prats. Diseñadores gráficos y diseñadores industriales: Gonzalo Tassier de la Maza, Ariel Rojo, Jorge Cejudo, Adolfo González Gómez, Manuel Álvarez Fuentes, Benito Cabañas Aguilera, La Jabonera, Emiliano Godoy, Igloo Design, EOS México y Joel Escalona. Artistas plásticos: Ximena Pérez Grobet.
La curaduría corrió a cargo de la arquitecta Renata Becerril, mientras que el diseño de la museografía fue realizado por el arquitecto Lorenzo Álvarez y el empresario Lorenzo Díaz.
El tapete ha formado parte del paisaje material del hombre desde hace más de 6,000 años. Acompañó a los nómadas en su búsqueda por establecerse, protegiéndolos del clima y hasta sirviendo de moneda, finalmente encontró un lugar primordial en las casas cuando dejaron de errar y así se ha convertido en una pieza de uso cotidiano hasta nuestros días.
Y aunque casi todas las culturas en el mundo se han encontrado, por caminos diferentes tejiéndolos, son los tapetes llamados orientales, por su continuidad y trascendencia los que marcan las pautas de una historia general.
El tapete de Pazyryk, encontrado congelado en el sur de Siberia, data de 500 antes de Cristo, es el más antiguo registrado y por su complejidad, demuestra que había ya entonces un grado de evolución sustancial en las técnicas.
Tejidos todos en telares de madera, los tapetes orientales se dividen en dos grandes familias derivadas de la técnica del anudado: Turcos y Persas. Se tejen con materiales naturales como son lana y seda para los nudos y algodón para la urdimbre y la trama que forman el soporte de tejido.
Durante los siglos XV, XVI y parte del XVII el aprecio y el uso de los tapetes se intensificó y extendió desde Oriente hasta Europa, y es en estas épocas que las diversas tradiciones occidentales de tejido se consolidan por su influencia. Tras estos casi tres siglos de bonanza, el tapete se olvida y es hasta las exposiciones universales del siglo XIX en que los diseñadores y artistas recobran interés en él como pieza primordial de los interiores y lo descubren como medio de expresión de una nueva modernidad.
El tapete vuelve para quedarse, y ya para principios del siglo XX, la Bauhaus lo incorpora de facto a la vida moderna al considerar en su programa la práctica de su diseño.
El jurado otorga una mención especial cuando alguna imagen ha causado un impacto excepcional en el mundo entero, aunque no haya sido tomada por un fotógrafo profesional. Abir Abdullah, miembro del jurado comenta que "este reconocimiento abre la posibilidad de mostrar el periodismo ciudadano, cuando los fotógrafos profesionales no han tenido la oportunidad de estar en algún lugar, pero debido al desarrollo tecnológico, alguien puede grabarlo... eso nos lleva a una nueva era de retos profesionales y este es un buen ejemplo de una foto de un lugar en el cual un reportero no podría haber estado".
World Press Photo es una organización independiente y sin ánimo de lucro fundada en Ámsterdam, Holanda, que premia desde 1955 lo mejor del fotoperiodismo mundial dividido en nueve categorías: retratos, personajes de actualidad, noticias de actualidad, temas de actualidad, vida cotidiana, temas contemporáneos, naturaleza, artes y entretenimiento y deportes.
En el marco de la exposición, el Museo Franz Mayer conferencias, cursos y talleres de fotoperiodismo, así como un ciclo de cine–debate y visitas guiadas nocturnas.
World Press Photo 11 es patrocinada a nivel mundial por Canon y TNT. En México recibe el apoyo del Consejo Nacional para Prevenir la Discriminación, CONAPRED; el Instituto Mexicano de la Radio, IMER y la cerveza Carlsberg.
El Museo Franz Mayer albergará una exposición sobre el diseño contemporáneo neerlandés y belga.
Por vez primera, las Embajadas de Holanda y Bélgica confluyen en un espacio de creatividad con México.
Ámsterdam + Bruselas. Código / Diseño Es una exposición que albergará el Museo Franz Mayer, donde se mostrarán reconocidos diseñadores neerlandeses y belgas. La muestra es un recorrido por el diseño interior, gráfico, industrial y la moda, cartas fuertes de la región que comprende los Países Bajos y Bélgica. Además habrá proyecciones multimedia y seminarios.
El proceso para crear un producto novedoso es una tarea compleja, en la que intervienen distintas variables ambientales, sociales, culturales y económicas. La culminación del diseño final implica la integración de conceptos tecnológicos, funcionales y ergonómicos para proponer soluciones de materiales, formas, volúmenes y colores: su código de diseño.
El objetivo de los organizadores es dar una visión de que el diseño en estos países se vive desde la cotidianeidad y que los productos que se exhiban estén pronto a disposición del mercado mexicano.
Por vez primera, las Embajadas de Holanda y Bélgica confluyen en un espacio de creatividad con México.
Bélgica muestra creaciones de su región francófona: Bruselas y Valonia con productos de diseño industrial eficiente, sustentable y elegante, reflejo de la encrucijada de las culturas germánicas y latinas.
Los Países Bajos muestran propuestas con un fuerte énfasis conceptual que reflejan en algunos casos humor y pragmatismo, dando resultados que no dejan de sorprender.
Esta exposición abrirá un diálogo en el que se desarrollarán dos seminarios, el primero abordará el tema del papel que juega el diseño como factor de éxito en los negocios y el segundo tratará sobre diseño y arquitectura sustentable.
De manera paralela se desarrollan dos concursos que están promoviendo la creatividad mexicana. Uno invita a que estudiantes de diseño y arquitectura presenten proyectos de mobiliario comercial para mostrar los productos de Ice-Watch y el otro invita a profesionales y estudiantes de diseño a presentar un objeto funcional inspirado en el tulipán holandés. Los mejores trabajos se mostrarán en el Museo Franz Mayer y el ganador disfrutará un viaje a Holanda durante el Dutch Design Week.
Muestra que reúne cerca de 400 orquídeas en floración, pertenecientes a más de 60 especies silvestres que crecen en México y otros países de Latinoamérica.
En la exposición participan expositores de distintos estados del país, pertenecientes a la Asociación Mexicana de Orquideología A.C. que este año celebra su 40 aniversario.
Como parte de la muestra se pueden adquirir orquídeas cultivadas por miembros de la AMO y disfrutar de talleres y conferencias abiertas a todo público.
El cultivo de las orquídeas en México tiene más de 500 años. Anterior a la Conquista Española los aristócratas aztecas las cultivaban y algunas de sus especies formaban parte de su gastronomía.
Durante el Virreinato, el protomédico de Felipe II, Francisco Hernández realizó una investigación acerca de las plantas medicinales de las tierras del nuevo continente y en colaboración con los indígenas describió y dibujó un conjunto de plantas desconocidas hasta entonces en Europa. El Dr. Hernández publicó entonces los primeros dibujos de cinco orquídeas mexicanas: Stanehopea, Laelia, Encyclia, Bletia y Vanilla Planifolia, actualmente conocida como la vainilla.
A fines del siglo XVII el Rey Carlos III de España envió una serie de expediciones científicas a sus dominios americanos, las cuales describieron y clasificaron la flora de América, incluyendo a las orquídeas. De esta selección se realizó un envío de los ejemplares más bellos a los Reales Jardines de Aranjuez, donde la mayoría murió debido al clima. Algunas sobrevivieron y prosperaron en el Jardín Botánico de La Orotava, en las Islas Canarias.
A pesar de la inestabilidad política al terminar la guerra de Independencia en México, se mantuvo el interés por las orquídeas y se continuó con la clasificación de especies. De ese periodo se conoce el trabajo del sacerdote Pablo De la Llave y el militar Juan Lexarza. Ese interés continuó durante la época porfiriana y aumentó en el periodo posrevolucionario del que se conocen cultivos en Uruapan y Morelia, en Michoacán; Jalapa y Córdoba, en Veracruz; y en Coyoacán y Milpa Alta en la Ciudad de México.
Fue en 1966 cuando Don Joaquín Ibarrola tuvo la idea de revivir al grupo formado alrededor de 1940 Los Amigos de las Orquídeas y, finalmente en 1971 el Ing. Eric Hagsater registró legalmente a este grupo como la Asociación Mexicana de Orquideología, A.C. (AMO), a la que perteneció el coleccionista Franz Mayer como socio fundador y en la que participó activamente con gran entusiasmo.
Desde niño, Franz Mayer se sintió maravillado con la naturaleza y en especial por las orquídeas. A lo largo de su vida logró reunir una importante colección de especies e híbridos importados, la cual fue donada posteriormente a los integrantes de la AMO.
Orquídeas. Exposición de Primavera 2011 no sólo ofrece una muestra de las mejores plantas de la colección de la AMO, también es una excelente oportunidad para adquirir algunas especies y participar en los talleres y conferencias.
El Museo Franz Mayer agradece el apoyo de su patrocinador Grupo Modelo.
El jurado otorga una mención especial cuando alguna imagen ha causado un impacto excepcional en el mundo entero, aunque no haya sido tomada por un fotógrafo profesional. Abir Abdullah, miembro del jurado comenta que "este reconocimiento abre la posibilidad de mostrar el periodismo ciudadano, cuando los fotógrafos profesionales no han tenido la oportunidad de estar en algún lugar, pero debido al desarrollo tecnológico, alguien puede grabarlo... eso nos lleva a una nueva era de retos profesionales y este es un buen ejemplo de una foto de un lugar en el cual un reportero no podría haber estado".
World Press Photo es una organización independiente y sin ánimo de lucro fundada en Ámsterdam, Holanda, que premia desde 1955 lo mejor del fotoperiodismo mundial dividido en nueve categorías: retratos, personajes de actualidad, noticias de actualidad, temas de actualidad, vida cotidiana, temas contemporáneos, naturaleza, artes y entretenimiento y deportes.
En el marco de la exposición, el Museo Franz Mayer conferencias, cursos y talleres de fotoperiodismo, así como un ciclo de cine–debate y visitas guiadas nocturnas.
World Press Photo 11 es patrocinada a nivel mundial por Canon y TNT. En México recibe el apoyo del Consejo Nacional para Prevenir la Discriminación, CONAPRED; el Instituto Mexicano de la Radio, IMER y la cerveza Carlsberg.
La World Textile Organization (WTA) es una organización con sede en Miami, fundada en 1997 y gestora de cinco bienales de arte textil contemporáneo, en Estados Unidos, Venezuela, Costa Rica y Argentina, en las que participan artistas y jurados internacionales.
Pilar Tobón, fundadora de la WTA, se dio a la tarea de organizar en el año 2000 la I Bienal Internacional de Textil en la que participaron 53 artistas, de 19 países, debido a la escasa difusión en torno a este género. En esta ocasión, la Bienal ha seleccionado el concepto Aire como criterio para la producción creativa de esta sexta edición que se celebra en tres ciudades del país.
Como parte de la VI Bienal Internacional de Arte Textil Contemporáneo, se realizan talleres, conferencias y exposiciones que incluyen artistas locales e internacionales. El Museo Franz Mayer tiene el honor de ser sede de la muestra Diálogos mexicanos- Presencias de la tradición en el arte textil contemporáneo, que se presenta hasta el 24 de julio.
Las artistas Yosi Anaya, Paula Santiago, Rosa Luz Marroquín y Androna Linartas participan con una serie de piezas vinculadas a prendas de arte popular del acervo de la colección Franz Mayer.
Yosi Anaya produce gráfica, acuarela, fotografía, instalaciones y textiles, y sus temas principales giran en torno a la naturaleza. La artista e investigadora se dedica a explorar la relación entre los textiles indígenas mexicanos y las expresiones artísticas contemporáneas.
Paula Santiago recurre a diversos materiales como la cera y el papel arroz japonés, y en algunos casos su propia sangre y cabello los cuales plasma en textiles antiguos. Algunos de los temas que Santiago explora en su obra ofrecen una mirada para comprender las distintas maneras de apreciar las emociones.
Rosa Luz Marroquín trabaja con diversos materiales como el óleo, la cerámica, el papel de china y el grabado sobre tela. Algunos de los temas en su obra tienen referencias al campo, los paisajes, los recuerdos de su infancia, y a emociones como el dolor, la soledad, la maldad, la muerte y la miseria.
Androna Linartas, tejedora de arte textil y tapiz escultórico, enriquece sus obras con materiales naturales como el nopal, el henequén, las espinas y el papel hecho a mano. Además de fibras como el algodón, el ixtle, la lana, el yute y la seda con el tinte de la cochinilla.
Más información en: http://wta-online.org/ESP/
Muestra que reúne cerca de 70 gramófonos y fonógrafos pertenecientes a la colección del ingeniero Salvador Vélez García.
La exposición presenta, además, registros fotográficos pertenecientes al acervo de la Fototeca del INAH; así como grabaciones originales de los acervos de la Comisión Nacional para el Desarrollo de los Pueblos Indígenas (CDI), la Fonoteca Nacional y la Biblioteca Donald C. Davidson, de la Universidad de California.
Una de las grabaciones que podrá escucharse durante la muestra, es la contestación que el general Porfirio Díaz da a una carta de Thomas Alva Edison, en la que hace referencia a sus gramófonos.
El Museo Franz Mayer presenta en Fonógrafos. Ecos del pasado, una selección de fonógrafos y gramófonos de la colección del ingeniero Salvador Vélez García; así como registros sonoros y visuales producidos por compañías y artistas nacionales y extranjeros, que nos invitan a acercarnos, comprender y descubrir la realidad social de una época. Gramófonos como el Victor VI, Tipo M, fabricado en Estados Unidos en 1907 y el Maestrófono, de E.Paillard, fabricado en Suiza en 1910, son algunas de las piezas que integran la muestra.
A finales del siglo XIX, Thomas Alva Edison construye en Estados Unidos el Tinfoil, primer aparato grabador y reproductor de sonido. El 6 de diciembre de 1877 es el día en que Edison realiza la primera grabación de la voz humana al recitar el poema infantil Mary has a Little Lamb; y finalmente, en 1878, patenta el artilugio conocido como la ‘máquina parlante’ y que más tarde se conocería popularmente como fonógrafo.
A partir de ese momento inventores y firmas corporativas, se darían a la tarea de concebir fonógrafos -que grababan y reproducían sobre un cilindro-; y gramófonos -que utilizaban para su reproducción el disco plano. A través del tiempo, ambos aparatos fueron pasando por una serie de modificaciones y mejoras que los hicieron el medio más efectivo para guardar y reproducir información, y con esto generar la memoria auditiva de la época.
Hasta el último tercio del siglo XIX, los múltiples escenarios y recreaciones musicales ejecutadas por intérpretes en México, ofrecían una experiencia visual y auditiva que sería modificada radicalmente al prescindir de la figura del músico ‘en vivo’, pues ya no existiría el mediador entre el aspecto sonoro y el público. Así, el hábito de escuchar a través de un reproductor musical, transformó la práctica auditiva en algo mucho más íntimo.
En nuestro país, el fonógrafo también sirvió como un instrumento etnográfico para reunir, organizar, almacenar y utilizar los datos de investigaciones de campo con fines científicos. Las lenguas, música, cantos y plegarias de los pueblos huicholes (Wixárika) y tarahumaras (Rarámuri), fueron registrados de 1895 a 1898, por el etnógrafo noruego Karl Lumholtz en cilindros Edison.
Tras la presentación de los fonógrafos y gramófonos en México, la mercería ‘El jonuco’ y The Mexican National Phonograph Company, propiedad de Edison, anunciaban la venta de la máquina parlante en diversas publicaciones, dando a conocer novedades en cilindros, discos, agujas, y demás accesorios. La popularidad de estos aparatos fue tal, que artistas y personajes locales de la época grabaron música mexicana, así como discursos patrióticos y políticos.
El Museo Franz Mayer agradece el apoyo de la Fonoteca Nacional, Radio UNAM, la Fototeca Nacional, la Comisión Nacional para el Desarrollo de los Pueblos Indígenas (CDI) y a la Biblioteca Donald C. Davidson, de la Universidad de California.
La sudafricana Jodi Bieber ganó el primer lugar del concurso con el retrato de la afgana Bibi Aisha, quien fue desfigurada como castigo por huir de la casa de su marido. La imagen fue portada de la revista Time.
El fotógrafo mexicano Fernando Brito, editor de fotografía del Diario de Culiacán y quien obtuvo el tercer premio de reportajes gráficos dentro de la categoría de Temas de actualidad, impartirá una conferencia magistral el sábado 18 de junio.
En el marco de la exposición, el Museo Franz Mayer organiza un ciclo de conferencias, cursos y talleres de fotoperiodismo, así como un ciclo de cine–debate con el apoyo del CONAPRED.
A partir del 19 de junio y hasta el 18 de julio el Museo Franz Mayer albergará la 54 edición de World Press Photo 2011, compuesta por 171 fotografías ganadoras en nueve categorías, que presentan los acontecimientos más destacados de 2010 como los terremotos en China y Haití, los combates callejeros en Bangkok, los vertidos de petróleo y productos químicos en China, Estados Unidos y Europa, así como las erupciones volcánicas en Indonesia e Islandia.
En este concurso se contó con la participación de 5,691 fotógrafos de 125 países, quienes presentaron 108,059 imágenes, siendo la ganadora un retrato de la sudafricana Jodi Bieber, quien ya ha obtenido ocho premios World Press Photo y ha participado en el World Press Photo Joop Swart Masterclass, con esto se convierte en la segunda fotógrafa sudafricana en ganar el máximo galardón del certamen.
El trabajo de Bieber muestra a Aisha Bibi, una mujer de 18 años de edad, de la provincia de Oruzgan en Afganistán, quien huyó de la casa de su esposo debido a tratos violentos. Los talibanes llegaron una noche a la casa de sus padres exigiendo que se entregara y cumpliera con el castigo que le correspondía por haber huido. Fue así como llevaron a Aisha a las montañas donde, bajo las órdenes de un comandante talibán, la sujetaron para cortarle primero las orejas y después la nariz. Aisha fue abandonada, pero más tarde rescatada y llevada a Kabúl a un refugio dirigido por la organización Women for Afgan Women donde recibió tratamiento y ayuda psicológica. Tras pasar un tiempo en el refugio, fue trasladada a Estados Unidos para recibir terapia y someterse a una reconstrucción facial.
Para David Burnett, presidente del jurado 2011, este retrato “no sólo refleja el caso de Aisha, sino el de numerosas mujeres en muchos lugares del mundo cuyas vidas continúan en peligro. El jurado no eligió esta fotografía por motivos políticos, sino porque nos pareció que, fotográficamente hablando, era una importante manifestación con la que se consigue lo que todos los fotógrafos buscan: desafiar al espectador no sólo por contemplar el momento como tal, sino por desear más. Más información. Más comprensión”.
Por su parte Vince Aletti, miembro del jurado comenta: "Es una imagen increíble, una imagen diferente, una imagen aterradora. No se trata solo de esta mujer en particular, si no de la situación de la mujer en el mundo".
Para esta edición, el jurado concedió premios en nueve categorías temáticas, a 55 fotógrafos de 23 nacionalidades: Australia, Bangladesh, Brasil, Canadá, China, Dinamarca, Francia, Alemania, Haití, Hong Kong, Hungría, India, Indonesia, Irlanda, Israel, Italia, México, los Países Bajos, Polonia, Somalia, Sudáfrica, España y Estados Unidos.
Al fotógrafo mexicano Fernando Brito, editor de fotografía de El Diario de Culiacán, le fue otorgado el tercer premio de reportajes gráficos dentro de la categoría Temas de actualidad, por una serie de imágenes tomadas en la zona norte de México y que muestran los cuerpos de algunas víctimas de la guerra contra el narcotráfico.
Dentro de los ganadores, también destacan las fotografías del holandés Martin Roemers, quien obtuvo el primer lugar en la categoría de reportajes gráficos y vida cotidiana con una imagen que muestra cómo trenes y el tráfico se vuelven parte de la vida de los habitantes de las grandes urbes asiáticas, así como la fotografía del irlandés Seamus Murphy, quien obtuvo el segundo lugar dentro de la categoría personajes de actualidad, en la que se puede ver al controvertido Julian Assange, fundador de WikiLeaks al salir de un debate en la Universidad de Londres, o las divertidas imágenes del italiano Daniel Tamagni, segundo premio en reportajes gráficos de la categoría artes y entretenimiento que muestra a las cholitas (mujeres en trajes típicos de las etnias aimara y quechua) que hacen combates coreografiados de lucha libre en Bolivia.
Cabe destacar que este año el jurado decidió otorgar una mención especial a una secuencia de 12 fotografías captada por mineros atrapados durante 69 días en la mina de San José, en Chile. Las imágenes fueron tomadas por Edison Peña, a quien fue enviada una cámara digital además de un par de tenis para correr, a través del estrecho conducto que se perforó para sacar a los mineros a la superficie.
El jurado otorga una mención especial cuando alguna imagen ha causado un impacto excepcional en el mundo entero, aunque no haya sido tomada por un fotógrafo profesional. Abir Abdullah, miembro del jurado comenta que "este reconocimiento abre la posibilidad de mostrar el periodismo ciudadano, cuando los fotógrafos profesionales no han tenido la oportunidad de estar en algún lugar, pero debido al desarrollo tecnológico, alguien puede grabarlo... eso nos lleva a una nueva era de retos profesionales y este es un buen ejemplo de una foto de un lugar en el cual un reportero no podría haber estado".
World Press Photo es una organización independiente y sin ánimo de lucro fundada en Ámsterdam, Holanda, que premia desde 1955 lo mejor del fotoperiodismo mundial dividido en nueve categorías: retratos, personajes de actualidad, noticias de actualidad, temas de actualidad, vida cotidiana, temas contemporáneos, naturaleza, artes y entretenimiento y deportes.
En el marco de la exposición, el Museo Franz Mayer conferencias, cursos y talleres de fotoperiodismo, así como un ciclo de cine–debate y visitas guiadas nocturnas.
World Press Photo 11 es patrocinada a nivel mundial por Canon y TNT. En México recibe el apoyo del Consejo Nacional para Prevenir la Discriminación, CONAPRED; el Instituto Mexicano de la Radio, IMER y la cerveza Carlsberg.
En el marco del festejo del 25 aniversario del museo se presenta Susurros de la colección Franz Mayer, exhibición que muestra la historia del acervo, destacando la labor del coleccionista de origen alemán. A través de fotografías, libros, documentos, piezas representativas y un interactivo, es posible conocer a este personaje, sus aficiones y transformaciones en el campo del coleccionismo; además de mostrar el proceso por el cual conformó su biblioteca.
A lo largo de 50 años Franz Mayer logró constituir un acervo de más de 11 mil piezas y 10 mil libros. El deseo de legar su colección a México estuvo latente desde la segunda mitad de la década de 1940, lo cual lo motivó a constituir un fideicomiso con el Banco de México para hacer posible el sueño de crear un museo que exhibiera su acervo, el cual se vio realizado el 15 de julio de 1986, once años después de su muerte.
Franz Mayer-Traumann Altschul nació en Mannheim, Alemania, el 3 de septiembre de 1882; pasó los primeros años de su vida en su ciudad natal y después de vivir cuatro años en Londres, Inglaterra; decidió en 1905 mudarse a México en donde llevó a cabo una brillante carrera en el área financiera. En 1933 abrigó la nacionalidad del país que lo acogió por más de 70 años; murió en su casa de la ciudad de México el 25 de junio de 1975.
En el marco del festejo del 25 aniversario del Museo Franz Mayer se presenta Arte y Erudición en el mobiliario virreinal de la Villa Alta, Oaxaca, exhibición que muestra una gran variedad de muebles de uso civil, entre los que se encuentran escritorios, papeleras, escribanías, bufetillos, baúles y cajas realizados con una técnica de marquetería única en su tipo y realizada exclusivamente en la zona serrana de Oaxaca, en la Villa Alta de San Ildefonso.
La exposición se exhibe como parte de los resultados obtenidos gracias a una beca que otorgara al museo la Fundación Getty para el estudio de sus acervos de mobiliario.
En los muebles de la Villa Alta existió un gusto por construir escenas que semejan grabados (xilografías) mediante el uso de maderas contrastantes y esgrafiados rellenos por una pasta negra, creada a base de pelo de chivo, cal, carbón vegetal y aceite de linaza, lo que recibía el nombre de zulaque. Sin embargo, también es posible encontrar ejemplares de rico colorido aplicado con pincel.
Exposición con la que se celebra el vigésimo quinto aniversario del Museo Franz Mayer.
En el concurso participaron 208 ceramistas de 19 estados de la República.
La muestra presenta 97 piezas seleccionadas por la maestría en el manejo de técnicas y materiales, así como las obras de los miembros del jurado.
En el marco del festejo del 25 aniversario del Museo Franz Mayer se presenta la 5ª. Bienal de Cerámica Utilitaria, proyecto con el cual esta institución refrenda su compromiso por promocionar el diseño contemporáneo en cerámica difundiendo el trabajo de ceramistas, alfareros, artesanos, diseñadores industriales y artistas plásticos.
En esta quinta edición participaron 418 piezas de 208 ceramistas, de 19 estados de la república, de las cuales los miembros del jurado seleccionaron 97 piezas de 70 autores, de 10 estados, que se presentan en esta muestra.
El primer lugar se le otorgó al grupo Hunt, un colectivo de Guanajuato que se forma a finales del 2008 y que en 2010 inició un proyecto de experimentación de porcelana, en conjunto con un grupo de ceramistas de la región de Tarandacuao, en los talleres del artesano Javier Servín. En la unión de artesanía y diseño, crea dos colecciones: 3 layers, pieza que obtiene el primer lugar de esta Bienal y Bowls + birds. Hunt está integrado por Javier Pérez Sandi, Edith González, Lizzie Lo, Heladio Durán, Erick Pérez Sandi y Armando Flores.
El segundo lugar lo obtuvo Raquel Abenchuchan Cano, quien inició si formación cerámica en 1999 y trabaja desde 2003 en diversos proyectos con el artista Jan Hendrix.
El jurado decidió otorgar dos terceros lugares, uno al chiapaneco Jerónimo Morquecho Bonilla, quien actualmente participa en el taller de Gustavo Pérez y otro para el mexiquense Joel Benancio Olguín Cerón, quien ejerce como arquitecto y diseñador independiente.
Adicionalmente se concedieron tres menciones honoríficas: a Mauricio Singer Pfeiffer por su obra Sueño en azul, a Víctor Gerardo Martínez Pérez por Lucio y a Óscar Aguilar Flores por Tlapizalli.
En cuanto a la propuesta de esta 5ª. Bienal de Cerámica Utilitaria, la cual tuvo como temática los azulejos, la pieza premiada fue la de Susy Sorokin Benrey, quien participó con Dunas y se le otorgó mención honorífica a Cristina Frances Celis Flam por Brotes.
El jurado estuvo conformado por importantes ceramistas reconocidos por su trayectoria en el mundo de la cerámica: Gloria Carrasco, Adele Goldschmied, Gordon Ross y Alicia Sánchez Mejorada, así como por la diseñadora y Directora de la Escuela de Diseño del INBA, Berenice Miranda. La coordinación del proyecto corrió a cargo de Andrea Cabello, de Musearte.
La Bienal de Cerámica Utilitaria nació con el siglo. A partir de octubre de 2000, el Museo Franz Mayer convocó a un grupo de ceramistas y curadores para formar parte del comité organizador de la 1ª. Bienal de Cerámica Utilitaria, la cual se llevó a cabo en la primavera de 2003.
Con esta quinta edición, la Bienal se consolida como el referente más importante en el panorama de la cerámica utilitaria en México. Esta exposición es única en su género ya que contribuye a colocar en la vanguardia el diseño y la calidad de la producción, logrando así disipar la brecha entre lo utilitario y lo estético.
Los premios de los ganadores se otorgan gracias al patrocinio de la Fundación Chrysler y las obras premiadas pasan a formar parte del acervo del Museo Franz Mayer.
El Museo Franz Mayer agradece el apoyo de CONACULTA, el INBA, la Escuela de Artesanías y la Escuela de Diseño del INBA, así como al Canal 22, el periódico The News y a Concha y Toro, con la marca TRIO.
La exposición se complementará con un catálogo que se publicará próximamente gracias al apoyo del INBA.
Los escultores novohispanos y sus obras. Colección Museo Franz Mayer, es la primera muestra con la que el museo inicia sus actividades en el 2012. En ésta destaca la importancia de la imaginería religiosa utilizada por la Iglesia Católica durante el Virreinato como medio de enseñanza, así como el desarrollo y evolución de la escultura tallada en madera, policromada y estofada de la época.
Al consolidarse la conquista militar de Tenochtitlán, Hernán Cortés solicitó al monarca Carlos I de España que enviara misioneros a evangelizar a los naturales. Es entonces que los frailes inician la catequesis de las poblaciones indígenas más numerosas y comienza la construcción de conventos y edificios, en los que giraría la vida de estos pueblos donde se desarrollarían proyectos de enseñanza y aprenderían además del castellano y la doctrina cristiana, las artes y oficios a la usanza europea.
Es durante el Concilio Ecuménico de Trento, en Italia, organizado por la Iglesia Católica, donde se decreta que las imágenes religiosas debían ser indispensables para que los fieles creyentes recordaran el sufrimiento de Jesucristo, que había muerto por la salvación de los hombres y, como una manera de enfrentar las ideas protestantes de Martín Lutero, cuyos postulados iban en contra de la doctrina cristiana.
Es así que las órdenes religiosas establecidas en la naciente Iglesia Novohispana, se reúnen posteriormente para ver de qué manera se aplicarían los decretos tridentinos y darles cumplimiento. Se insistió entonces que las imágenes religiosas del clero debían ser muy rigurosas en su manufactura y colocación en los templos y capillas de barrio, y entonces se establece una relación recíproca de enseñanza artística entre frailes e indígenas.
El resultado de esta combinación cultural fue el valioso cúmulo de obras que en la actualidad ejemplifican el quehacer artístico novohispano de aquella época, y las más de 50 piezas de la muestra Los escultores novohispanos y sus obras. Colección Museo Franz Mayer ofrecen una visión muy completa de las distintas técnicas que realizaron los artífices talladores novohispanos mediante la talla de madera y relieves, los estofados, la policromía y la extracción de la pulpa de la caña de maíz.
En esta exposición, curada por la doctora en Historia del Arte y especialista en Arte Colonial, Consuelo Maquívar, destacan las esculturas de los siglos XVII al XIX, en su mayoría piezas en tecali (mármol mexicano), madera tallada, policromada y estofada, entre las que sobresalen por su técnica: Dios Padre Compasivo, realizada en técnica mixta de pasta de caña de maíz y madera; Calvario, pieza guatemalteca realizada en madera tallada, dorada, repujada, cincelada, policromada, con aplicación de plata, fundida, repujada y cincelada; y San Miguel Arcángel, de madera ligera tallada, dorada y policromada.
Los estofados (del francés étouffee), era una técnica que trataba de imitar las telas de la época y consistía en colorear una talla previamente dorada para rayar después la policromía con finos punzones, dejando entrever el oro y darle una apariencia similar a las telas bordadas con hilos de metal.
Por otro lado, la escultura en caña de maíz consistía en extraer la pulpa de la caña del maíz, que mezclaban y amasaban con un aglutinante pegajoso al que nombraban tatzingui, que era la savia de ciertas orquídeas que crecían en los lagos de la región. A las figuras se colocaba, además, una capa de yeso mezclado con aguacola que, al secarse, se pulía para lograr la policromía.
Otra de las características del trabajo escultórico de aquella ápoca, es que no es común encontrar las firmas de sus autores, a diferencia de los pintores que sí firmaban sus obras, y posiblemente esto se haya debido a que en la creación de estas piezas participaban los distintos talleres: el del escultor y el del pintor-dorador.
Así, el Museo Franz Mayer comienza sus actividades con una muestra de obra escultórica representativa del periodo colonial en México, que transformó y enriqueció la labor artística de aquella época.
La exhibición muestra los caminos que ha recorrido la obra de este destacado ceramista en el campo experimental y académico, además de su importante trabajo como iniciador de los primeros talleres de alta temperatura en diversos estados de nuestro país. Su obra ha sido expuesta y forma parte de colecciones tanto en museos y galerías de México, como en Japón, Francia y Estados Unidos.
En coordinación con la secretaría de relaciones exteriores. Después de que por primera vez se presentara en el país la importante colección de máscaras que la Dra. Ruth D. Lechuga reunió a lo largo de 50 años, la exposición se traslada al extranjero. Las piezas, de gran valor artístico, muestran el quehacer cotidiano de distintos pueblos indígenas mexicanos y en ellas es posible ver reflejado el mosaico de culturas que caracteriza a México. Esta colección forma parte del acervo donado al Museo Franz Mayer.
40 piezas que oscilan entre lo escultórico y lo utilitario conforman la exposición Evocación Ming. Olbés mobiliario. De origen filipino pero afincado en México desde hace 30 años, Eduardo Olbés ha trabajado principalmente como escultor, sin embargo, paralelamente comenzó a diseñar y producir muebles en su taller de Tepoztlán, Morelos. Piedra y madera son sus materiales predilectos y tal es su oficio que logra convertirlos en piezas de colección con reminiscencias orientales que evocan su infancia.
Muestra de cerámica contemporánea en la que participan 33 autores de diversas generaciones entre los que se encuentran Pedro Friedeberg, Kiyoto Ota, Luis Nishizawa, Humberto Spíndola, Maribel Portela, Demián Flores, Alberto Castro Leñero, Francisco Castro Leñero, Irma Palacios, Fernanda Brunet, Marcos Castro, Mónica Dower, Alejandro Magallanes y Alex Dorfsman, entre otros.
Expo-venta de mobiliario, textiles, cerámica, joyería y gráfica de los diseñadores mexicanos que participan en el programa Destination: Mexico del Museo de Arte Moderno de Nueva York, MoMa. De manera paralela se realizarán conferencias sobre diseño sustentable, artesanal, de producto y eco-design.
Horario:
Viernes 4 de mayo: 12:00 a 19:00 hrs.
Sábado 5 de mayo: 12:00 a 19:00 hrs.
Domingo 6 de mayo:12:00 a 18:00 hrs.
Muestra que explica a través de pintura, escultura y artes decorativas cómo se concibió y estableció el concepto de lucha entre el bien y el mal en la época virreinal y cómo el arte fue utilizado para la evangelización.
La exposición está compuesta por obras de la Colección Franz Mayer, el Museo Nacional del Virreinato, la Pinacoteca del Templo de la Profesa, la Biblioteca Nacional de Antropología e Historia, el Museo del Carmen, el Museo Nacional de Historia y del Museo Nacional de Arte.
El Museo Franz Mayer y la Cámara de Comercio de Guadalajara presentan la muestra El Quijote. Imágenes y artistas. Colección Museo Franz Mayer, integrada por 20 ediciones de El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha y por 60 imágenes correspondientes a importantes ilustraciones de los siglos XVII al XX.
Las piezas provienen de una selección de las principales ediciones que conforman el acervo de la Biblioteca Rogerio Casas-Alatriste del Museo Franz Mayer, reunidas por el propio Franz Mayer, coleccionista y bibliófilo que adquirió 639 ediciones de El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha, correspondientes al periodo de 1605 a 1905.
La muestra ofrece una lectura visual de la obra escrita por Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616), que narra a través de las ilustraciones la manera en que los artistas han interpretado y representado este relato a través del tiempo; y se complementa con 20 ediciones de la novela, que datan de 1755 a 1892, y que permiten apreciar el diálogo entre las imágenes y la obra literaria.
Se podrán apreciar algunas de las primeras ediciones ilustradas de la novela, así como las obras de importantes artistas, entre los que destacan: Jacov Savery, Gustave Doré, Tony Johannot, Charles-Antoyne Coypel, John Vanderbank, Rafael Ximeno y Planes y Daniel Urrabieta, entre otros.
Grabado, estampación litográfica, cromolitografía y reproducción de obras realizadas en acuarela, son algunas de las técnicas artísticas que podrán apreciarse en esta muestra que ofrece imágenes de los molinos de viento, el momento en que nombran caballero a Don Quijote, así como la muerte del aventurero.
El Quijote. Imágenes y artistas. Colección Museo Franz Mayer, ofrece datos biográficos sobre sus artistas e información relevante sobre las principales ediciones que conforman esta exposición, que forma parte de las celebraciones del 124° aniversario de la Cámara de Comercio de Guadalajara.
Con esta exposición, el Museo Franz Mayer continúa su compromiso por difundir el acervo de la Colección, en este caso el archivo bibliográfico de su Biblioteca Rogerio Casas-Alatriste.
Muestra de los ganadores del concurso de fotoperiodismo más importante a nivel internacional, organizado por la fundación holandesa World Press Photo. Este año el español Samuel Aranda obtuvo el primer lugar por el retrato de una mujer que acuna a un familiar herido en Yemen. En la exposición, compuesta por 171 fotografías de temas políticos, sociales, culturales y deportivos, destaca también la imagen del mexicano Pedro Pardo, galardonado con el tercer lugar de la categoría noticias generales.
Horario de la exposición
Martes a viernes 10 a 18 hrs.
Sábados y Domingo 10 a 19 hrs.
Los martes la exposición tendrá una tarifa especial de $25 general. Cortesía para tercera edad y niños menores de 12 años.
Selección de lo mejor del diseño nacional en las categorías: diseño gráfico, industrial, digital, animación, ilustración y moda. Para esta 20ª. edición se seleccionó el tema Año Cero, basado en la profecía maya, invitando al gremio y a la sociedad en general, a unirse para inventar un México nuevo a través del uso responsable y creativo del diseño.
Hace unos meses la organización UNAC A.C., Unidos por el Arte contra el Cáncer Infantil, se acercó a las autoridades de esta institución, para solicitar se expusieran en sus instalaciones un conjunto de gorras diseñadas por el maestro Francisco Toledo, cuya producción estuvo a cargo de un grupo de bordadoras oaxaqueñas bajo la supervisión del propio maestro Toledo, para de esta manera, sumarse a la campaña “Ponte la Gorra” que ya contaba con la participación de un nutrido y selecto grupo de artistas que cedieron sus diseños en favor de los niños que padecen cáncer.
Esta es una ocasión singular para el Museo Franz Mayer pues no siempre se presentan oportunidades para solidarizarse con proyectos socialmente responsables, más allá de la misión educativa y cultural que cotidianamente desarrolla.
Por todo lo anterior, para este museo es un honor participar junto con el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO) y el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO) en esta iniciativa que busca a través de la expresión artística contribuir para el tratamiento médico de niños que nos necesitan.
Exhibición y venta de orquídeas organizada por la Asociación Mexicana de Orquideología (AMO), institución dedicada a la investigación y promoción de estas plantas y su gran variedad de especies. Durante la exposición se imparten talleres y conferencias abiertas a todo público.
Durante más de veinte años la Bienal Internacional del Cartel en México, organizada por Trama Visual, ha abierto un espacio en la difusión del diseño gráfico en nuestro país, al presentar propuestas creativas provenientes de los cinco continentes. En esta edición se muestran más de 400 carteles seleccionados en cuatro categorías: cultura, temas político-sociales, publicidad y ecología. La muestra tiene como país invitado a Estados Unidos.
Muestra integrada por 68 imágenes, de más de 30 fotógrafos ciegos y débiles visuales. La exposición ofrece al espectador una visión distinta y auténtica del México contemporáneo, en la que se manifiesta la importancia de la diversidad y tolerancia para construir una sociedad más incluyente. En torno a la exhibición se realizarán actividades sensoriales, visitas guiadas y diversos talleres.
El Museo Franz Mayer cierra el 2012 con la muestra William Spratling Diseñador. Legado en plata, la cual reúne cerca de 400 piezas diseñadas por el maestro Spratling (Nueva York, 1900 – Guerrero, 1967), durante distintos periodos de creación.
El joven William Spratling, quien para 1924 había recorrido Francia, Italia, Egipto y Grecia -y cuya residencia en Nueva Orleáns compartía con el escritor William Faulkner-, visita México por primera vez en 1926 y posteriormente en 1927, para impartir un curso de arquitectura en la UNAM. Es en este periodo que conoce a Diego Rivera, Frida Kahlo, Edward Weston, Tina Modotti y a otros artistas e intelectuales de la época, experiencia que lo motiva a mudarse definitivamente en 1929 a la ciudad de Taxco, Guerrero.
Durante los primeros años en Taxco, Spratling aprendió el oficio de los artesanos y plateros de la zona, experimentando con distintas técnicas y materiales que darían como resultado sus primeras piezas en joyería como aretes, anillos y hebillas. Para 1931 inició el diseño de muebles en cuero y madera, así como candelabros en cobre, botaneros, espejos y objetos en plata para el hogar.
Posterior a la Segunda Guerra Mundial y como parte de la recuperación económica, el gobierno de Alaska invitó a Spratling a capacitar a los artesanos y trabajar con materiales locales –pieles, marfil, jade, carey y oro- lo que resulta en un particular intercambio que incluye la visita de 7 esquimales a Taxco para capacitarlos en el oficio de la plata. Esta experiencia en Alaska refinaría el estilo del creador neoyorkino, quien comienza un periodo de consolidación en la creación de sus diseños.
El estilo de Don Guillermo Spratling -como se referían a él los lugareños- tuvo tal impacto a nivel internacional que personalidades del espectáculo -como Marilyn Monroe-, políticos, empresarios y coleccionistas hacían viajes exclusivos a Taxco para adquirir sus creaciones.
William Spratling Diseñador. Legado en plata ofrece así, un recorrido por los distintos momentos creativos del prolífico diseñador, escritor y dibujante, a través de los muebles, joyería, objetos decorativos, bocetos y fotografías en exhibición. La investigación corrió a cargo de Ana Elena Mallet, Paulina Sotomayor y Alejandro López, con el apoyo de Consuelo y Violante Ulrich.
La muestra está dividida en cuatro núcleos temáticos: Taller Las Delicias (Ca. 1931-1945), en el que Spratling realizó sus primeros diseños en lámina –lámparas y espejos- muebles en madera, tejido de tapetes y pequeñas piezas en joyería; Experiencia en Alaska (1947-1951), donde explora el territorio, la herencia y los materiales nativos para sus creaciones posteriores en jade, oro, marfil, plata y carey, malaquita y obsidiana; Taxco, El Viejo (1951-1967), en el que finalmente registra su marca como Spratling Silver, y crea una novedosa línea de joyería, orfebrería y esculturas en concha nácar, malaquita, lapislázuli, ónix, ébano y oro; y finalmente, Sucesores de William Spratling (1979 a la fecha), en el que tras el fallecimiento de Spratling, el coleccionista italiano Alberto Ulrich adquiere los derechos y firma para continuar la producción y el legado. A cargo de éste quedaron las hermanas Consuelo y Violante Ulrich, quienes actualmente producen las líneas de joyería Stefano 18 y JV, respectivamente.
Apoyando la visión de preservar la obra de Spratling, la familia Ulrich otorga en comodato -por un periodo de diez años-, al Museo Franz Mayer: 1,583 piezas en joyería, esculturas y objetos decorativos; además de un volumen considerable de documentos, bocetos y fotografías, los cuales permitirán continuar con el estudio de la obra de este destacado diseñador que le dio a Taxco reconocimiento a nivel internacional.
Anteriormente, parte de este acervo se presentó en el Centro Cultural de Arte Contemporáneo de la Ciudad de México en 1987, y desde entonces permaneció resguardado. En esta ocasión, el préstamo de estas piezas y documentos representa una oportunidad única, pues contar con fuentes directas para su investigación abre un capítulo muy importante en el estudio de la historia de la platería en México.
Con William Spratling Diseñador. Legado en plata, el Museo Franz Mayer continúa apoyando la promoción e investigación del diseño en México.
La Biblioteca Rogerio-Casas Alatriste H., abrió sus puertas tres años más tarde a la inauguración del museo, en 1988, debido a las obras de restauración requeridas en el inmueble. Ésta preserva la colección de libros de Franz Mayer, quien además de coleccionista, destacó como excelente bibliófilo, reunió cerca de 10 mil volúmenes. Actualmente resguarda alrededor de 22 mil ejemplares, distribuidos en los siguientes fondos: Libros Antiguos y Raros; Quijotil; Conventual; Partituras; Documentos históricos; General Franz Mayer; General Contemporáneo; Publicaciones periódicas y Catálogos de subastas.
Dentro de este acervo bibliográfico se encuentran obras realizadas entre los siglos XV al XXI y su importancia radica, entre otros aspectos, en la antigüedad, belleza y rareza de sus ediciones, verdaderas obras de arte. En estos libros es relevante, además del contenido, la encuadernación, la tipografía y las ilustraciones. Así mismo, la biblioteca se especializa en artes decorativas, diseño e historia de México del siglo XIX y cuenta con una colección de El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha, considerada de las más destacadas en América.
En este espacio a manera de memoria institucional, se conserva, además, los trípticos y catálogos editados de las exposiciones temporales e itinerantes presentadas en el museo. A su vez, las piezas de la Colección Franz Mayer, son solicitadas de manera constante, en préstamo para ser exhibidas en otras sedes, tanto nacionales como internacionales, lo cual, se ve reflejado con el crecimiento bibliográfico.
En esta ocasión, se presentan algunos ejemplos de los fondos que la biblioteca resguarda dando continuidad a los lineamientos que Franz Mayer estipuló en vida: “autorizar la salida temporal de objetos a exhibiciones fuera del museo, organizar exposiciones, hacer publicaciones y la conformación de una biblioteca con la finalidad de promover y fomentar el desarrollo del arte”.
Balestra, Fontana, Brioni o Valentino son sólo algunos de los protagonistas de la historia de la moda italiana, a través de los cuales en esta exhibición se podrá descubrir el nacimiento y la evolución de la Alta Costura, sector del diseño que se continua su desarrollo con el pret-á-porter y las marcas de diseñadores tan míticos como Pucci, Armani, Cavalli, Gucci, Versace o Dolce & Gabbana. Cerca de 100 prendas, más de 50 accesorios, joyería y bisutería, acompañados por videos, fotos de moda y bocetos originales, componen esta única exposición sobre la historia del estilo italiano.
El trabajo como diseñador del arquitecto Óscar Hagerman refleja su interés por reflexionar sobre las necesidades básicas del ser humano y sobre los recursos naturales con los que cuenta, para entender sus hábitos y costumbres particulares, colaborando principalmente en proyectos rurales y con cooperativas de artesanos para producir mobiliario. En esta exposición-homenaje, se podrán descubrir las diferentes etapas de la trayectoria de un creador que hoy en día es referente indiscutible del diseño en México, merecedor de reconocimientos tan importantes como el Premio Quorum al diseño, el Premio Príncipe Claus de Holanda o el Premio Gallo de la Universidad Iberoamericana.
Exhibición y venta de orquídeas organizada por la Asociación Mexicana de Orquideología (AMO), institución dedicada a la investigación y promoción de estas plantas y su gran variedad de especies. Durante la exposición se impartirán talleres y conferencias abiertas a todo público.
Exposición que explora el espacio de la frontera y lo que representa, entablando un diálogo entre diferentes artistas que a través de la joyería expresan cómo entienden esta realidad geográfica de implicaciones económicas, políticas, sociales, culturales e ideológicas. A través de 150 piezas, diseñadas por 90 creadores provenientes de distintos continente se reflexiona sobre nuestra frontera con Estados Unidos y las implicaciones que ésta tiene para cada uno de nosotros.
Los brasileños Fernando y Humberto Campana son actualmente los diseñadores más importantes de Latinoamérica. Además de trabajos para fabricantes europeos de muebles, lámparas y accesorios de amueblamiento, en su estudio en Sao Paolo se crean sobre todo producciones individuales de muebles, que destacan por el reciclaje de materiales existentes, su original combinación y su expresión surrealista. La retrospectiva que abarca los 20 años de colaboración entre los dos hermanos expone, en primer plano, su forma de trabajo artístico y explica la creación de las obras – desde las primeras esculturas hasta las obras interdisciplinarias de hoy- mediante prototipos, experimentos y piezas únicas.
13:00 Horas
Auditorio
Entrada Libre
Programa educativo de la exposición El pecado y las tentaciones en la Nueva España:
La transformación del concepto del pecado hasta el Tercer Concilio Provincial Mexicano
Imp
Programa educativo de la exposición El pecado y las tentaciones en la Nueva españa:
La Inquisición en la Nueva España
Imparte: Dra. Consuelo Maquivar
18:00
Micha Bruinvels, Coordinador de Fotografía y Multimedia de la Fundación World Press Photo y Pedro Pardo, ganador del tercer lugar de la categoría noticias generales compartirán sus experiencias sobre la organización holandesa fundada en el año 1955 y el fotoperiodismo en general.
Sábado 1 de septiembre. 13:00 hrs.
Auditorio. Entrada libre.
El taller propone a la fotografía como un medio para crear conceptos estéticos y aprovechar el potencial de la imagen como portadora de significados, discursos y opiniones. Comprende una revisión al quehacer fotográfico como medio de introspección y un vehículo para compartir ideas.
Requisitos: Contar con cámara fotográfica (no tiene que ser profesional). Disponibilidad de realizar los ejercicios y las lecturas en casa. Enviar curriculum y portafolio de trabajo
Más informes en: educativos@franzmayer.org.mx
Horario: 10:00 a 14:00 hrs. Costo: $1,000. Cupo limitado
El taller propone a la fotografía como un medio para crear conceptos estéticos y aprovechar el potencial de la imagen como portadora de significados, discursos y opiniones. Comprende una revisión al quehacer fotográfico como medio de introspección y un vehículo para compartir ideas.
Requisitos: Contar con cámara fotográfica (no tiene que ser profesional). Disponibilidad de realizar los ejercicios y las lecturas en casa. Enviar curriculum y portafolio de trabajo
Más informes en: educativos@franzmayer.org.mx
Horario: 10:00 a 14:00 hrs. Costo: $1,000. Cupo limitado
El taller propone a la fotografía como un medio para crear conceptos estéticos y aprovechar el potencial de la imagen como portadora de significados, discursos y opiniones. Comprende una revisión al quehacer fotográfico como medio de introspección y un vehículo para compartir ideas.
Requisitos: Contar con cámara fotográfica (no tiene que ser profesional). Disponibilidad de realizar los ejercicios y las lecturas en casa. Enviar curriculum y portafolio de trabajo
Más informes en: educativos@franzmayer.org.mx
Horario: 10:00 a 14:00 hrs. Costo: $1,000. Cupo limitado
El taller propone a la fotografía como un medio para crear conceptos estéticos y aprovechar el potencial de la imagen como portadora de significados, discursos y opiniones. Comprende una revisión al quehacer fotográfico como medio de introspección y un vehículo para compartir ideas.
Requisitos: Contar con cámara fotográfica (no tiene que ser profesional). Disponibilidad de realizar los ejercicios y las lecturas en casa. Enviar curriculum y portafolio de trabajo
Más informes en: educativos@franzmayer.org.mx
Horario: 10:00 a 14:00 hrs. Costo: $1,000. Cupo limitado
El taller propone a la fotografía como un medio para crear conceptos estéticos y aprovechar el potencial de la imagen como portadora de significados, discursos y opiniones. Comprende una revisión al quehacer fotográfico como medio de introspección y un vehículo para compartir ideas.
Requisitos: Contar con cámara fotográfica (no tiene que ser profesional). Disponibilidad de realizar los ejercicios y las lecturas en casa. Enviar curriculum y portafolio de trabajo
Más informes en: educativos@franzmayer.org.mx
Horario: 10:00 a 14:00 hrs. Costo: $1,000. Cupo limitado
2 de septiembre. Tema: Discriminación a migrantes
Los rostros. Dir. Renato Ávalos
Sinopsis: 18 meses después de haber entrado en vigor la ley SB1070 considerada la madre de las leyes anti inmigrantes en Estados Unidos ¿Cuáles son los resultados? ¿Cuáles son sus consecuencias? ¿Quiénes han salido beneficiados? y ¿Quiénes perjudicados? El documental Los rostros es un retrato periodístico visto a través de sus actores, en donde el juez es el mismo espectador.
9 de septiembre. Tema: Discriminación diversidad sexual
La otra Familia. Dir. Gustavo Loza
Sinopsis: Hendrix, un pequeño de 7 años que fue abandonado a los 3 días de nacido por su madre adicta al crack, es rescatado y entregado a una pareja homosexual. La madre de Hendrix entra a un programa de rehabilitación ya que intenta recuperar a su hijo, pero su amante, un traficante de drogas, le dice que el bebé se perdió.
16 de septiembre. Tema: Discriminación por raza y religión
Visa al Paraíso. Dir. Lillián Liberman
Sinopsis: Tras su derrota en la Guerra Civil española, 500 mil republicanos cruzaron la frontera con Francia para salvar su vida y muchos de ellos fueron instalados en campos de concentración. El General Lázaro Cárdenas envió a Gilberto Bosques como Cónsul General de México en París, con el fin de rescatar al mayor número de republicanos españoles. Al estallar la Segunda Guerra Mundial en 1939, Bosques instala el Consulado mexicano en Marsella, amplía la misión diplomática y salva a miles de perseguidos del nazi-fascismo.
23 de septiembre. Discriminación
Suite Habana. Dir. Fernando Pérez
Sinopsis: La ciudad de La Habana, Cuba, es un punto de referencia para muchos; un misterio para otros y un sueño de contrastes para quienes la aman o la critican. Suite Habana es un día en la vida de diez habaneros. Cada uno de los personajes representa la curiosa diversidad de los grupos sociales que se mueven en la ciudad.
30 de septiembre. Discriminación de mujeres y racial
Voces de mujeres de la Costa Chica de Guerrero y Oaxaca. Producción INAH.
Idea original: Alejandro González, Natalia Gabayet, María Elisa Velásquez.
Sinopsis: A pesar de los problemas de pobreza y racismo en Guerrero y Oaxaca, las mujeres de la costa chica han luchado cotidianamente por salir adelante y obtener mejores condiciones de vida para ellas y sus familias. El documental muestra cómo estas mujeres comienzan a organizarse, a conocer sus derechos y reivindican su historia.
13:00 hrs. Auditorio. Entrada libre.
2 de septiembre. Tema: Discriminación a migrantes
Los rostros. Dir. Renato Ávalos
Sinopsis: 18 meses después de haber entrado en vigor la ley SB1070 considerada la madre de las leyes anti inmigrantes en Estados Unidos ¿Cuáles son los resultados? ¿Cuáles son sus consecuencias? ¿Quiénes han salido beneficiados? y ¿Quiénes perjudicados? El documental Los rostros es un retrato periodístico visto a través de sus actores, en donde el juez es el mismo espectador.
9 de septiembre. Tema: Discriminación diversidad sexual
La otra Familia. Dir. Gustavo Loza
Sinopsis: Hendrix, un pequeño de 7 años que fue abandonado a los 3 días de nacido por su madre adicta al crack, es rescatado y entregado a una pareja homosexual. La madre de Hendrix entra a un programa de rehabilitación ya que intenta recuperar a su hijo, pero su amante, un traficante de drogas, le dice que el bebé se perdió.
16 de septiembre. Tema: Discriminación por raza y religión
Visa al Paraíso. Dir. Lillián Liberman
Sinopsis: Tras su derrota en la Guerra Civil española, 500 mil republicanos cruzaron la frontera con Francia para salvar su vida y muchos de ellos fueron instalados en campos de concentración. El General Lázaro Cárdenas envió a Gilberto Bosques como Cónsul General de México en París, con el fin de rescatar al mayor número de republicanos españoles. Al estallar la Segunda Guerra Mundial en 1939, Bosques instala el Consulado mexicano en Marsella, amplía la misión diplomática y salva a miles de perseguidos del nazi-fascismo.
23 de septiembre. Discriminación
Suite Habana. Dir. Fernando Pérez
Sinopsis: La ciudad de La Habana, Cuba, es un punto de referencia para muchos; un misterio para otros y un sueño de contrastes para quienes la aman o la critican. Suite Habana es un día en la vida de diez habaneros. Cada uno de los personajes representa la curiosa diversidad de los grupos sociales que se mueven en la ciudad.
30 de septiembre. Discriminación de mujeres y racial
Voces de mujeres de la Costa Chica de Guerrero y Oaxaca. Producción INAH.
Idea original: Alejandro González, Natalia Gabayet, María Elisa Velásquez.
Sinopsis: A pesar de los problemas de pobreza y racismo en Guerrero y Oaxaca, las mujeres de la costa chica han luchado cotidianamente por salir adelante y obtener mejores condiciones de vida para ellas y sus familias. El documental muestra cómo estas mujeres comienzan a organizarse, a conocer sus derechos y reivindican su historia.
13:00 hrs. Auditorio. Entrada libre.
2 de septiembre. Tema: Discriminación a migrantes
Los rostros. Dir. Renato Ávalos
Sinopsis: 18 meses después de haber entrado en vigor la ley SB1070 considerada la madre de las leyes anti inmigrantes en Estados Unidos ¿Cuáles son los resultados? ¿Cuáles son sus consecuencias? ¿Quiénes han salido beneficiados? y ¿Quiénes perjudicados? El documental Los rostros es un retrato periodístico visto a través de sus actores, en donde el juez es el mismo espectador.
9 de septiembre. Tema: Discriminación diversidad sexual
La otra Familia. Dir. Gustavo Loza
Sinopsis: Hendrix, un pequeño de 7 años que fue abandonado a los 3 días de nacido por su madre adicta al crack, es rescatado y entregado a una pareja homosexual. La madre de Hendrix entra a un programa de rehabilitación ya que intenta recuperar a su hijo, pero su amante, un traficante de drogas, le dice que el bebé se perdió.
16 de septiembre. Tema: Discriminación por raza y religión
Visa al Paraíso. Dir. Lillián Liberman
Sinopsis: Tras su derrota en la Guerra Civil española, 500 mil republicanos cruzaron la frontera con Francia para salvar su vida y muchos de ellos fueron instalados en campos de concentración. El General Lázaro Cárdenas envió a Gilberto Bosques como Cónsul General de México en París, con el fin de rescatar al mayor número de republicanos españoles. Al estallar la Segunda Guerra Mundial en 1939, Bosques instala el Consulado mexicano en Marsella, amplía la misión diplomática y salva a miles de perseguidos del nazi-fascismo.
23 de septiembre. Discriminación
Suite Habana. Dir. Fernando Pérez
Sinopsis: La ciudad de La Habana, Cuba, es un punto de referencia para muchos; un misterio para otros y un sueño de contrastes para quienes la aman o la critican. Suite Habana es un día en la vida de diez habaneros. Cada uno de los personajes representa la curiosa diversidad de los grupos sociales que se mueven en la ciudad.
30 de septiembre. Discriminación de mujeres y racial
Voces de mujeres de la Costa Chica de Guerrero y Oaxaca. Producción INAH.
Idea original: Alejandro González, Natalia Gabayet, María Elisa Velásquez.
Sinopsis: A pesar de los problemas de pobreza y racismo en Guerrero y Oaxaca, las mujeres de la costa chica han luchado cotidianamente por salir adelante y obtener mejores condiciones de vida para ellas y sus familias. El documental muestra cómo estas mujeres comienzan a organizarse, a conocer sus derechos y reivindican su historia.
13:00 hrs. Auditorio. Entrada libre.
2 de septiembre. Tema: Discriminación a migrantes
Los rostros. Dir. Renato Ávalos
Sinopsis: 18 meses después de haber entrado en vigor la ley SB1070 considerada la madre de las leyes anti inmigrantes en Estados Unidos ¿Cuáles son los resultados? ¿Cuáles son sus consecuencias? ¿Quiénes han salido beneficiados? y ¿Quiénes perjudicados? El documental Los rostros es un retrato periodístico visto a través de sus actores, en donde el juez es el mismo espectador.
9 de septiembre. Tema: Discriminación diversidad sexual
La otra Familia. Dir. Gustavo Loza
Sinopsis: Hendrix, un pequeño de 7 años que fue abandonado a los 3 días de nacido por su madre adicta al crack, es rescatado y entregado a una pareja homosexual. La madre de Hendrix entra a un programa de rehabilitación ya que intenta recuperar a su hijo, pero su amante, un traficante de drogas, le dice que el bebé se perdió.
16 de septiembre. Tema: Discriminación por raza y religión
Visa al Paraíso. Dir. Lillián Liberman
Sinopsis: Tras su derrota en la Guerra Civil española, 500 mil republicanos cruzaron la frontera con Francia para salvar su vida y muchos de ellos fueron instalados en campos de concentración. El General Lázaro Cárdenas envió a Gilberto Bosques como Cónsul General de México en París, con el fin de rescatar al mayor número de republicanos españoles. Al estallar la Segunda Guerra Mundial en 1939, Bosques instala el Consulado mexicano en Marsella, amplía la misión diplomática y salva a miles de perseguidos del nazi-fascismo.
23 de septiembre. Discriminación
Suite Habana. Dir. Fernando Pérez
Sinopsis: La ciudad de La Habana, Cuba, es un punto de referencia para muchos; un misterio para otros y un sueño de contrastes para quienes la aman o la critican. Suite Habana es un día en la vida de diez habaneros. Cada uno de los personajes representa la curiosa diversidad de los grupos sociales que se mueven en la ciudad.
30 de septiembre. Discriminación de mujeres y racial
Voces de mujeres de la Costa Chica de Guerrero y Oaxaca. Producción INAH.
Idea original: Alejandro González, Natalia Gabayet, María Elisa Velásquez.
Sinopsis: A pesar de los problemas de pobreza y racismo en Guerrero y Oaxaca, las mujeres de la costa chica han luchado cotidianamente por salir adelante y obtener mejores condiciones de vida para ellas y sus familias. El documental muestra cómo estas mujeres comienzan a organizarse, a conocer sus derechos y reivindican su historia.
13:00 hrs. Auditorio. Entrada libre.
2 de septiembre. Tema: Discriminación a migrantes
Los rostros. Dir. Renato Ávalos
Sinopsis: 18 meses después de haber entrado en vigor la ley SB1070 considerada la madre de las leyes anti inmigrantes en Estados Unidos ¿Cuáles son los resultados? ¿Cuáles son sus consecuencias? ¿Quiénes han salido beneficiados? y ¿Quiénes perjudicados? El documental Los rostros es un retrato periodístico visto a través de sus actores, en donde el juez es el mismo espectador.
9 de septiembre. Tema: Discriminación diversidad sexual
La otra Familia. Dir. Gustavo Loza
Sinopsis: Hendrix, un pequeño de 7 años que fue abandonado a los 3 días de nacido por su madre adicta al crack, es rescatado y entregado a una pareja homosexual. La madre de Hendrix entra a un programa de rehabilitación ya que intenta recuperar a su hijo, pero su amante, un traficante de drogas, le dice que el bebé se perdió.
16 de septiembre. Tema: Discriminación por raza y religión
Visa al Paraíso. Dir. Lillián Liberman
Sinopsis: Tras su derrota en la Guerra Civil española, 500 mil republicanos cruzaron la frontera con Francia para salvar su vida y muchos de ellos fueron instalados en campos de concentración. El General Lázaro Cárdenas envió a Gilberto Bosques como Cónsul General de México en París, con el fin de rescatar al mayor número de republicanos españoles. Al estallar la Segunda Guerra Mundial en 1939, Bosques instala el Consulado mexicano en Marsella, amplía la misión diplomática y salva a miles de perseguidos del nazi-fascismo.
23 de septiembre. Discriminación
Suite Habana. Dir. Fernando Pérez
Sinopsis: La ciudad de La Habana, Cuba, es un punto de referencia para muchos; un misterio para otros y un sueño de contrastes para quienes la aman o la critican. Suite Habana es un día en la vida de diez habaneros. Cada uno de los personajes representa la curiosa diversidad de los grupos sociales que se mueven en la ciudad.
30 de septiembre. Discriminación de mujeres y racial
Voces de mujeres de la Costa Chica de Guerrero y Oaxaca. Producción INAH.
Idea original: Alejandro González, Natalia Gabayet, María Elisa Velásquez.
Sinopsis: A pesar de los problemas de pobreza y racismo en Guerrero y Oaxaca, las mujeres de la costa chica han luchado cotidianamente por salir adelante y obtener mejores condiciones de vida para ellas y sus familias. El documental muestra cómo estas mujeres comienzan a organizarse, a conocer sus derechos y reivindican su historia.
13:00 hrs. Auditorio. Entrada libre.
Recorrido guiado por el fotógrafo Carlos Cameras a la exposición en horario especial. Análisis y comentarios.
Horario: 19:00 hrs.
Costo: $75 por persona
Grupo de 20 personas
Informes e inscripciones: Subdirección de Servicios Educativos
educativos@franzmayer.org.mx 5518-2266 ext 245 a 247
Recorrido guiado por el fotógrafo Carlos Cameras a la exposición en horario especial. Análisis y comentarios.
Horario: 19:00 hrs.
Costo: $75 por persona
Grupo de 20 personas
Informes e inscripciones: Subdirección de Servicios Educativos
educativos@franzmayer.org.mx 5518-2266 ext 245 a 247
Recorrido guiado por el fotógrafo Carlos Cameras a la exposición en horario especial. Análisis y comentarios.
Horario: 19:00 hrs.
Costo: $75 por persona
Grupo de 20 personas
Informes e inscripciones: Subdirección de Servicios Educativos
educativos@franzmayer.org.mx 5518-2266 ext 245 a 247
Recorrido guiado por el fotógrafo Carlos Cameras a la exposición en horario especial. Análisis y comentarios.
Horario: 19:00 hrs.
Costo: $75 por persona
Grupo de 20 personas
Informes e inscripciones: Subdirección de Servicios Educativos
educativos@franzmayer.org.mx 5518-2266 ext 245 a 247
Cattleya purpurata, su cultivo y variedades
Imparte Biol. Arturo Calderon
Jueves 18 de octubre
Auditorio, 14:00 hrs.
Jose María Velasco: naturaleza en el paisaje
Imparte: Mayela Flores
Jueves 18 de octubre
Auditorio, 18:00 hrs.
Retos en la conservación de Orquídeas en México
Imparte: Dr. Eduardo Alberto Pérez García
Viernes 19 de octubre
Auditorio, 12 hrs.
El mundo maravilloso de las orquideas
Imparte: Arq. Rodrigo Remolina
Sábado 20 de octubre
Auditorio, 13 horas
Herbario AMO
Imparte: Biol. Luis Sánchez
Sábado 20 de octubre
Auditorio, 16:30 hrs.
Las Cattleyas VIO. Lo mejor del género
Imparte: Biol. Omar Rocha
Domingo 21 de octubre
Auditorio, 13:00 hrs.
Entrada con boleto de admisión al museo.
Auditorio. Cupo limitado.
Cattleya purpurata, su cultivo y variedades
Imparte Biol. Arturo Calderon
Jueves 18 de octubre
Auditorio, 14:00 hrs.
Jose María Velasco: naturaleza en el paisaje
Imparte: Mayela Flores
Jueves 18 de octubre
Auditorio, 18:00 hrs.
Retos en la conservación de Orquídeas en México
Imparte: Dr. Eduardo Alberto Pérez García
Viernes 19 de octubre
Auditorio, 12 hrs.
El mundo maravilloso de las orquideas
Imparte: Arq. Rodrigo Remolina
Sábado 20 de octubre
Auditorio, 13 horas
Herbario AMO
Imparte: Biol. Luis Sánchez
Sábado 20 de octubre
Auditorio, 16:30 hrs.
Las Cattleyas VIO. Lo mejor del género
Imparte: Biol. Omar Rocha
Domingo 21 de octubre
Auditorio, 13:00 hrs.
Entrada con boleto de admisión al museo.
Auditorio. Cupo limitado.
Cattleya purpurata, su cultivo y variedades
Imparte Biol. Arturo Calderon
Jueves 18 de octubre
Auditorio, 14:00 hrs.
Jose María Velasco: naturaleza en el paisaje
Imparte: Mayela Flores
Jueves 18 de octubre
Auditorio, 18:00 hrs.
Retos en la conservación de Orquídeas en México
Imparte: Dr. Eduardo Alberto Pérez García
Viernes 19 de octubre
Auditorio, 12 hrs.
El mundo maravilloso de las orquideas
Imparte: Arq. Rodrigo Remolina
Sábado 20 de octubre
Auditorio, 13 horas
Herbario AMO
Imparte: Biol. Luis Sánchez
Sábado 20 de octubre
Auditorio, 16:30 hrs.
Las Cattleyas VIO. Lo mejor del género
Imparte: Biol. Omar Rocha
Domingo 21 de octubre
Auditorio, 13:00 hrs.
Entrada con boleto de admisión al museo.
Auditorio. Cupo limitado.
17 de octubre Taller demostrativo de arreglo floral
Imparte: Consuelo Martínez
12:00 hrs.
Sala de usos múltiples
17 de octubre Taller demostrativo Sustratos para Orquídeas
Imparte: Biol. Raúl Baños Pérez/ IKARANI
14:00 hrs.
Sala de usos múltiples
18 de octubre Taller demostrativo El cultivo in vitro y la hibridación
Imparte: Biol. Raúl Baños Pérez/ IKARANI
14:00 hrs.
Sala de usos múltiples
19 de octubre Taller demostrativo Cultivo y transplante de Phalaenopsis
Imparte: Ing. Adán Sanchez / TAHI
14:00 hrs.
20 de octubre Cultivo de Orquídeas
Imparte: Roberto Enciso
12:00 hrs.
Entrada con boleto de Admisión al Museo
Cupo limitado
17 de octubre Taller demostrativo de arreglo floral
Imparte: Consuelo Martínez
12:00 hrs.
Sala de usos múltiples
17 de octubre Taller demostrativo Sustratos para Orquídeas
Imparte: Biol. Raúl Baños Pérez/ IKARANI
14:00 hrs.
Sala de usos múltiples
18 de octubre Taller demostrativo El cultivo in vitro y la hibridación
Imparte: Biol. Raúl Baños Pérez/ IKARANI
14:00 hrs.
Sala de usos múltiples
19 de octubre Taller demostrativo Cultivo y transplante de Phalaenopsis
Imparte: Ing. Adán Sanchez / TAHI
14:00 hrs.
20 de octubre Cultivo de Orquídeas
Imparte: Roberto Enciso
12:00 hrs.
Entrada con boleto de Admisión al Museo
Cupo limitado
17 de octubre Taller demostrativo de arreglo floral
Imparte: Consuelo Martínez
12:00 hrs.
Sala de usos múltiples
17 de octubre Taller demostrativo Sustratos para Orquídeas
Imparte: Biol. Raúl Baños Pérez/ IKARANI
14:00 hrs.
Sala de usos múltiples
18 de octubre Taller demostrativo El cultivo in vitro y la hibridación
Imparte: Biol. Raúl Baños Pérez/ IKARANI
14:00 hrs.
Sala de usos múltiples
19 de octubre Taller demostrativo Cultivo y transplante de Phalaenopsis
Imparte: Ing. Adán Sanchez / TAHI
14:00 hrs.
20 de octubre Cultivo de Orquídeas
Imparte: Roberto Enciso
12:00 hrs.
Entrada con boleto de Admisión al Museo
Cupo limitado
Sábado 20 de octubre
Los trazos del pincel
Imparte: Arquitecta Marina Orozco Leyva
Taller de pintura en el cual se trabajarán diversas técnicas, entre ellas óleo y acuarela. Los participantes realizarán un recorrido por la exposición con especialistas de la Asociación Mexicana de Orquideología.
Domingo 21 de octubre
El cuidado de una orquídea
Imparte: Asociación Mexicana de Orquideología A.C.
En este taller se enseñará cómo realizar la separación, plantación y los cuidados necesarios para plántulas de 2 ó 3 años de edad.
Claustro. 12:00 horas
Admisión: $35 afiliados: $25 (incluye: admisión al museo, visita guiada y material).
Sábado 20 de octubre
Los trazos del pincel
Imparte: Arquitecta Marina Orozco Leyva
Taller de pintura en el cual se trabajarán diversas técnicas, entre ellas óleo y acuarela. Los participantes realizarán un recorrido por la exposición con especialistas de la Asociación Mexicana de Orquideología.
Domingo 21 de octubre
El cuidado de una orquídea
Imparte: Asociación Mexicana de Orquideología A.C.
En este taller se enseñará cómo realizar la separación, plantación y los cuidados necesarios para plántulas de 2 ó 3 años de edad.
Claustro. 12:00 horas
Admisión: $35 afiliados: $25 (incluye: admisión al museo, visita guiada y material).
Presentación del libro Dibujo para Diseñadores Gráficos del D.G. Eric Olivares, quien cuenta con una gran experiencia en el campo del diseño de cartel, ilustración, museografía, escenografía, editorial y arte electrónico entre otros.
29 de octubre de 2012
16:00 hrs. Auditorio.
Entrada libre
Lia Vilahur impartirá la conferencia Creatividad en Luminarias donde compartirá algunos de sus proyectos de diseño de luminarias, y del trabajo que realiza con sus estudiantes desde su estudio: Inlightdesign.
Lia Vilahur es especialista en luz, color y materiales.
29 de octubre de 2012
18:00 hrs. Auditorio.
Entrada libre
Ponente: Gina Badenoch y José Manuel Pacheco
Hablara sobre la Asociación Ojos que sienten y la fotografía como herramienta para descubrir el arte a través de otros sentidos.
13:00 hrs. Auditorio, entrada libre
Ponentes: Marco Antonio Martínez, Mariel Salas, Axel Villalva y Alberto Loranca
Se hablara sobre la experiencia personal de los fotógrafos así como su acercamiento a la fotografía, los paradigmas que han roto a partir de su participación en la Asociación Ojos que sienten y como a través de ésta han logrado traspasar los límites de la discapacidad visual, de una forma creativa, vivencial e innovadora, logrando una inclusión exitosa en los ámbitos social, laboral y educativa.
13:00 hrs. Auditorio, Entrada libre
Fotógrafos con discapacidad visual participantes en la muestra comentarán su experiencia personal, así como su acercamiento a la asociación Ojos que Sienten y cómo a través de ésta han logrado una inclusión exitosa en los ámbitos social, laboral y educativo.
13:00 hrs.
Auditorio. Entrada libre
Ponentes: Marco Antonio Martínez, Mariel Salas, Axel Villalva y Alberto Loranca
Conoce a través de la fotografía los testimonios de personas con discapacidad visual
13 hrs. sala de usos múltiples
Entrada libre, duración 30 min
Imparte: Personal de la Asociación Ojos que sienten
Conoce a través de la fotografía los testimonios de personas con discapacidad visual
13 hrs. sala de usos múltiples
Entrada libre, duración 30 min
Imparte: Personal de la Asociación Ojos que sienten
Conoce a través de la fotografía los testimonios de personas con discapacidad visual
13 hrs. sala de usos múltiples
Entrada libre, duración 30 min
Imparte: Personal de la Asociación Ojos que sienten
Sábados 12, 19 y 26 de enero
Sala de usos múltiples, 13 hrs.
Entrada libre. Duración: 30 min.
Imparte: Personal de la asociación Ojos que Sienten
Testimonios de personas con discapacidad visual sobre cómo fue su proceso creativo para realizar su trabajo fotográfico.
Sábados 12, 19 y 26 de enero
Sala de usos múltiples, 13 hrs.
Entrada libre. Duración: 30 min.
Imparte: Personal de la asociación Ojos que Sienten
Testimonios de personas con discapacidad visual sobre cómo fue su proceso creativo para realizar su trabajo fotográfico.
Sábados 12, 19 y 26 de enero
Sala de usos múltiples, 13 hrs.
Entrada libre. Duración: 30 min.
Imparte: Personal de la asociación Ojos que Sienten
Testimonios de personas con discapacidad visual sobre cómo fue su proceso creativo para realizar su trabajo fotográfico.
Domingos de enero 2013 12:00 hrs. Claustro del museo
Cuota de recuperación: $35. Afiliados: $25
Domingo 13 Arte-objeto/ la fotografía como soporte
La fotografía como un instante de la realidad, puede plasmarse en distintos soportes para crear una composición alterna a la que la lente ha captado por primera vez. En este taller se realizará un collage con fotografías impresas que transformarán un objeto común, en una caja de ideas y creatividad.
Domingo 20 Foto intervención
Antes de la digitalización fotográfica las imágenes eran intervenidas a mano con técnicas tradicionales como recorte, collage y aerógrafo entre otras. En este taller se intervendrá una fotografía utilizando dichas técnicas jugando con los planos, las perspectivas y las dimensiones de una imagen que al final, parezca una composición digital.
Domingo 27 Miradas de la naturaleza, fotografía digital
El aire, las hojas de los arboles, el aroma que emana de las flores, la textura de las piedras, el sonido de las aves… todo, conforma una imagen a través de los sentidos. En este taller, personal de la Asociación Ojos que Sienten nos mostraran como una persona con discapacidad visual mide su entorno y realiza extraordinarias tomas fotográficas.
En todos los talleres habrá una sensibilización previa con personal de la Asociación Ojos que sienten
Domingos de enero 2013 12:00 hrs. Claustro del museo
Cuota de recuperación: $35. Afiliados: $25
Domingo 13 Arte-objeto/ la fotografía como soporte
La fotografía como un instante de la realidad, puede plasmarse en distintos soportes para crear una composición alterna a la que la lente ha captado por primera vez. En este taller se realizará un collage con fotografías impresas que transformarán un objeto común, en una caja de ideas y creatividad.
Domingo 20 Foto intervención
Antes de la digitalización fotográfica las imágenes eran intervenidas a mano con técnicas tradicionales como recorte, collage y aerógrafo entre otras. En este taller se intervendrá una fotografía utilizando dichas técnicas jugando con los planos, las perspectivas y las dimensiones de una imagen que al final, parezca una composición digital.
Domingo 27 Miradas de la naturaleza, fotografía digital
El aire, las hojas de los arboles, el aroma que emana de las flores, la textura de las piedras, el sonido de las aves… todo, conforma una imagen a través de los sentidos. En este taller, personal de la Asociación Ojos que Sienten nos mostraran como una persona con discapacidad visual mide su entorno y realiza extraordinarias tomas fotográficas.
En todos los talleres habrá una sensibilización previa con personal de la Asociación Ojos que sienten
Domingos de enero 2013 12:00 hrs. Claustro del museo
Cuota de recuperación: $35. Afiliados: $25
Domingo 13 Arte-objeto/ la fotografía como soporte
La fotografía como un instante de la realidad, puede plasmarse en distintos soportes para crear una composición alterna a la que la lente ha captado por primera vez. En este taller se realizará un collage con fotografías impresas que transformarán un objeto común, en una caja de ideas y creatividad.
Domingo 20 Foto intervención
Antes de la digitalización fotográfica las imágenes eran intervenidas a mano con técnicas tradicionales como recorte, collage y aerógrafo entre otras. En este taller se intervendrá una fotografía utilizando dichas técnicas jugando con los planos, las perspectivas y las dimensiones de una imagen que al final, parezca una composición digital.
Domingo 27 Miradas de la naturaleza, fotografía digital
El aire, las hojas de los arboles, el aroma que emana de las flores, la textura de las piedras, el sonido de las aves… todo, conforma una imagen a través de los sentidos. En este taller, personal de la Asociación Ojos que Sienten nos mostraran como una persona con discapacidad visual mide su entorno y realiza extraordinarias tomas fotográficas.
En todos los talleres habrá una sensibilización previa con personal de la Asociación Ojos que sienten
A través de seis películas se invita al público a pensar en la moda como una forma de “identidad”, no solo en la esfera particular asociada al vestir, sino como un elemento de un contexto más general.
Auditorio. 12:00 hrs. Entrada libre
Comentan: Mtra. Leslie Borsani y Dr. Pablo Hoyos
Sábado 13 de abril
BRUNO (Larry Charles, EU, 81min., 2009)
Película cómica en formato de falso documental en donde Sacha Baron Cohen se transforma en Bruno, un reportero con cierta obsesión por la moda y el culto al cuerpo. Bruno no solo sembrará el caos en el mundo de la moda, también dirige su humor negro hacia otros aspectos como las estrellas que adoptan niños de otros continentes, los militares o las prácticas sadomasoquistas.
Sábado 27 de abril
BLOW-UP (Michelangelo Antonioni, EU, 111 min., 1966)
Basada en el cuento Las babas del diablo de Julio Cortázar, la cinta es un reflejo de la vida de las modelos y fotógrafos de moda estadounidenses. La película ganó la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes en 1966.
Sábado 11 de mayo
FELLINI´S CASANOVA (Federico Fellini, Italia-EU, 155 min., 1976)
¿Elegante o grotesco? La interpretación del maestro Fellini sobre Giacomo Casanova —de quien viene la idea del hombre conquistador y seductor— juega con una estética donde las imágenes devoran al espectador.
Sábado 18 de mayo
ZELIG (Woody Allen, EU, 79 min.,1983)
Leonard Zelig tiene la capacidad sobrenatural de cambiar su apariencia adaptándose al medio en el que se desenvuelve, por lo que es conocido como el hombre camaleón. Comedia en la que se entremezcla el humor de su director, su pasión por el jazz y sus obsesiones por el sexo, la psicología, la identidad y la sociedad.
A través de seis películas se invita al público a pensar en la moda como una forma de “identidad”, no solo en la esfera particular asociada al vestir, sino como un elemento de un contexto más general.
Auditorio. 12:00 hrs. Entrada libre
Comentan: Mtra. Leslie Borsani y Dr. Pablo Hoyos
Sábado 13 de abril
BRUNO (Larry Charles, EU, 81min., 2009)
Película cómica en formato de falso documental en donde Sacha Baron Cohen se transforma en Bruno, un reportero con cierta obsesión por la moda y el culto al cuerpo. Bruno no solo sembrará el caos en el mundo de la moda, también dirige su humor negro hacia otros aspectos como las estrellas que adoptan niños de otros continentes, los militares o las prácticas sadomasoquistas.
Sábado 27 de abril
BLOW-UP (Michelangelo Antonioni, EU, 111 min., 1966)
Basada en el cuento Las babas del diablo de Julio Cortázar, la cinta es un reflejo de la vida de las modelos y fotógrafos de moda estadounidenses. La película ganó la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes en 1966.
Sábado 11 de mayo
FELLINI´S CASANOVA (Federico Fellini, Italia-EU, 155 min., 1976)
¿Elegante o grotesco? La interpretación del maestro Fellini sobre Giacomo Casanova —de quien viene la idea del hombre conquistador y seductor— juega con una estética donde las imágenes devoran al espectador.
Sábado 18 de mayo
ZELIG (Woody Allen, EU, 79 min.,1983)
Leonard Zelig tiene la capacidad sobrenatural de cambiar su apariencia adaptándose al medio en el que se desenvuelve, por lo que es conocido como el hombre camaleón. Comedia en la que se entremezcla el humor de su director, su pasión por el jazz y sus obsesiones por el sexo, la psicología, la identidad y la sociedad.
A través de seis películas se invita al público a pensar en la moda como una forma de “identidad”, no solo en la esfera particular asociada al vestir, sino como un elemento de un contexto más general.
Auditorio. 12:00 hrs. Entrada libre
Comentan: Mtra. Leslie Borsani y Dr. Pablo Hoyos
Sábado 13 de abril
BRUNO (Larry Charles, EU, 81min., 2009)
Película cómica en formato de falso documental en donde Sacha Baron Cohen se transforma en Bruno, un reportero con cierta obsesión por la moda y el culto al cuerpo. Bruno no solo sembrará el caos en el mundo de la moda, también dirige su humor negro hacia otros aspectos como las estrellas que adoptan niños de otros continentes, los militares o las prácticas sadomasoquistas.
Sábado 27 de abril
BLOW-UP (Michelangelo Antonioni, EU, 111 min., 1966)
Basada en el cuento Las babas del diablo de Julio Cortázar, la cinta es un reflejo de la vida de las modelos y fotógrafos de moda estadounidenses. La película ganó la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes en 1966.
Sábado 11 de mayo
FELLINI´S CASANOVA (Federico Fellini, Italia-EU, 155 min., 1976)
¿Elegante o grotesco? La interpretación del maestro Fellini sobre Giacomo Casanova —de quien viene la idea del hombre conquistador y seductor— juega con una estética donde las imágenes devoran al espectador.
Sábado 18 de mayo
ZELIG (Woody Allen, EU, 79 min.,1983)
Leonard Zelig tiene la capacidad sobrenatural de cambiar su apariencia adaptándose al medio en el que se desenvuelve, por lo que es conocido como el hombre camaleón. Comedia en la que se entremezcla el humor de su director, su pasión por el jazz y sus obsesiones por el sexo, la psicología, la identidad y la sociedad.
A través de seis películas se invita al público a pensar en la moda como una forma de “identidad”, no solo en la esfera particular asociada al vestir, sino como un elemento de un contexto más general.
Auditorio. 12:00 hrs. Entrada libre
Comentan: Mtra. Leslie Borsani y Dr. Pablo Hoyos
Sábado 13 de abril
BRUNO (Larry Charles, EU, 81min., 2009)
Película cómica en formato de falso documental en donde Sacha Baron Cohen se transforma en Bruno, un reportero con cierta obsesión por la moda y el culto al cuerpo. Bruno no solo sembrará el caos en el mundo de la moda, también dirige su humor negro hacia otros aspectos como las estrellas que adoptan niños de otros continentes, los militares o las prácticas sadomasoquistas.
Sábado 27 de abril
BLOW-UP (Michelangelo Antonioni, EU, 111 min., 1966)
Basada en el cuento Las babas del diablo de Julio Cortázar, la cinta es un reflejo de la vida de las modelos y fotógrafos de moda estadounidenses. La película ganó la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes en 1966.
Sábado 11 de mayo
FELLINI´S CASANOVA (Federico Fellini, Italia-EU, 155 min., 1976)
¿Elegante o grotesco? La interpretación del maestro Fellini sobre Giacomo Casanova —de quien viene la idea del hombre conquistador y seductor— juega con una estética donde las imágenes devoran al espectador.
Sábado 18 de mayo
ZELIG (Woody Allen, EU, 79 min.,1983)
Leonard Zelig tiene la capacidad sobrenatural de cambiar su apariencia adaptándose al medio en el que se desenvuelve, por lo que es conocido como el hombre camaleón. Comedia en la que se entremezcla el humor de su director, su pasión por el jazz y sus obsesiones por el sexo, la psicología, la identidad y la sociedad.
A través de seis películas se invita al público a pensar en la moda como una forma de “identidad”, no solo en la esfera particular asociada al vestir, sino como un elemento de un contexto más general.
Auditorio. 12:00 hrs. Entrada libre
Comentan: Mtra. Leslie Borsani y Dr. Pablo Hoyos
Sábado 13 de abril
BRUNO (Larry Charles, EU, 81min., 2009)
Película cómica en formato de falso documental en donde Sacha Baron Cohen se transforma en Bruno, un reportero con cierta obsesión por la moda y el culto al cuerpo. Bruno no solo sembrará el caos en el mundo de la moda, también dirige su humor negro hacia otros aspectos como las estrellas que adoptan niños de otros continentes, los militares o las prácticas sadomasoquistas.
Sábado 27 de abril
BLOW-UP (Michelangelo Antonioni, EU, 111 min., 1966)
Basada en el cuento Las babas del diablo de Julio Cortázar, la cinta es un reflejo de la vida de las modelos y fotógrafos de moda estadounidenses. La película ganó la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes en 1966.
Sábado 11 de mayo
FELLINI´S CASANOVA (Federico Fellini, Italia-EU, 155 min., 1976)
¿Elegante o grotesco? La interpretación del maestro Fellini sobre Giacomo Casanova —de quien viene la idea del hombre conquistador y seductor— juega con una estética donde las imágenes devoran al espectador.
Sábado 18 de mayo
ZELIG (Woody Allen, EU, 79 min.,1983)
Leonard Zelig tiene la capacidad sobrenatural de cambiar su apariencia adaptándose al medio en el que se desenvuelve, por lo que es conocido como el hombre camaleón. Comedia en la que se entremezcla el humor de su director, su pasión por el jazz y sus obsesiones por el sexo, la psicología, la identidad y la sociedad.
A través de seis películas se invita al público a pensar en la moda como una forma de “identidad”, no solo en la esfera particular asociada al vestir, sino como un elemento de un contexto más general.
Auditorio. 12:00 hrs. Entrada libre
Comentan: Mtra. Leslie Borsani y Dr. Pablo Hoyos
Sábado 13 de abril
BRUNO (Larry Charles, EU, 81min., 2009)
Película cómica en formato de falso documental en donde Sacha Baron Cohen se transforma en Bruno, un reportero con cierta obsesión por la moda y el culto al cuerpo. Bruno no solo sembrará el caos en el mundo de la moda, también dirige su humor negro hacia otros aspectos como las estrellas que adoptan niños de otros continentes, los militares o las prácticas sadomasoquistas.
Sábado 27 de abril
BLOW-UP (Michelangelo Antonioni, EU, 111 min., 1966)
Basada en el cuento Las babas del diablo de Julio Cortázar, la cinta es un reflejo de la vida de las modelos y fotógrafos de moda estadounidenses. La película ganó la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes en 1966.
Sábado 11 de mayo
FELLINI´S CASANOVA (Federico Fellini, Italia-EU, 155 min., 1976)
¿Elegante o grotesco? La interpretación del maestro Fellini sobre Giacomo Casanova —de quien viene la idea del hombre conquistador y seductor— juega con una estética donde las imágenes devoran al espectador.
Sábado 18 de mayo
ZELIG (Woody Allen, EU, 79 min.,1983)
Leonard Zelig tiene la capacidad sobrenatural de cambiar su apariencia adaptándose al medio en el que se desenvuelve, por lo que es conocido como el hombre camaleón. Comedia en la que se entremezcla el humor de su director, su pasión por el jazz y sus obsesiones por el sexo, la psicología, la identidad y la sociedad.
A través de seis películas se invita al público a pensar en la moda como una forma de “identidad”, no solo en la esfera particular asociada al vestir, sino como un elemento de un contexto más general.
Auditorio. 12:00 hrs. Entrada libre
Comentan: Mtra. Leslie Borsani y Dr. Pablo Hoyos
Sábado 13 de abril
BRUNO (Larry Charles, EU, 81min., 2009)
Película cómica en formato de falso documental en donde Sacha Baron Cohen se transforma en Bruno, un reportero con cierta obsesión por la moda y el culto al cuerpo. Bruno no solo sembrará el caos en el mundo de la moda, también dirige su humor negro hacia otros aspectos como las estrellas que adoptan niños de otros continentes, los militares o las prácticas sadomasoquistas.
Sábado 27 de abril
BLOW-UP (Michelangelo Antonioni, EU, 111 min., 1966)
Basada en el cuento Las babas del diablo de Julio Cortázar, la cinta es un reflejo de la vida de las modelos y fotógrafos de moda estadounidenses. La película ganó la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes en 1966.
Sábado 11 de mayo
FELLINI´S CASANOVA (Federico Fellini, Italia-EU, 155 min., 1976)
¿Elegante o grotesco? La interpretación del maestro Fellini sobre Giacomo Casanova —de quien viene la idea del hombre conquistador y seductor— juega con una estética donde las imágenes devoran al espectador.
Sábado 18 de mayo
ZELIG (Woody Allen, EU, 79 min.,1983)
Leonard Zelig tiene la capacidad sobrenatural de cambiar su apariencia adaptándose al medio en el que se desenvuelve, por lo que es conocido como el hombre camaleón. Comedia en la que se entremezcla el humor de su director, su pasión por el jazz y sus obsesiones por el sexo, la psicología, la identidad y la sociedad.
El jardín de la elección. Cómo es que al vestirnos participamos de la vida social
Sábado 6 de abril
Auditorio. 13:00 hrs. Entrada libre.
Ponentes: Javier Raya (escritor), Daniel Godínez (artista visual).
Modera: Dr. Pablo Hoyos.
El tema de la moda lejos de ser un asunto meramente banal constituye un documento estético sociológico que da cuenta de la sensibilidad de una época, en particular de la voluntad de ruptura e innovación o, de conservadurismo, quedando definido el asunto del vestir como un asunto sustancialmente político. Esta mesa busca ampliar la reflexión del fenómeno fashion.
Diferencia de género y cuerpo en la moda
Sábado 20 de abril
Auditorio. 13:00 hrs. Entrada libre.
Ponentes: Miriam González (bailarina profesional), Lorena Méndez (artista visual).
Modera: Dr. Ana Cristina Aguirre.
Mesa en la que se abordará cómo se ha construido la diferencia de género históricamente y se analizarán los roles que la moda y las artes han ido desempeñando en este tema.
Emergencia y alternativas en la confección de moda
Sábado 4 de mayo
Auditorio. 13:00 hrs. Entrada libre.
La mesa estará compuesta por un/a diseñador/a, un/a modelo y un/a fotógrafo/a de moda, quienes compartirán su visión sobre el mundo de la moda, así como las motivaciones e intereses que los llevaron a esta actividad.
Participan: Daniela Ferrari (diseñadora), Ricardo Encinas (fotógrafo), Columbia Díaz (modelo) y Ana Uribe (maquillista).
Modera: Mtro. Pablo King.
El jardín de la elección. Cómo es que al vestirnos participamos de la vida social
Sábado 6 de abril
Auditorio. 13:00 hrs. Entrada libre.
Ponentes: Javier Raya (escritor), Daniel Godínez (artista visual).
Modera: Dr. Pablo Hoyos.
El tema de la moda lejos de ser un asunto meramente banal constituye un documento estético sociológico que da cuenta de la sensibilidad de una época, en particular de la voluntad de ruptura e innovación o, de conservadurismo, quedando definido el asunto del vestir como un asunto sustancialmente político. Esta mesa busca ampliar la reflexión del fenómeno fashion.
Diferencia de género y cuerpo en la moda
Sábado 20 de abril
Auditorio. 13:00 hrs. Entrada libre.
Ponentes: Miriam González (bailarina profesional), Lorena Méndez (artista visual).
Modera: Dr. Ana Cristina Aguirre.
Mesa en la que se abordará cómo se ha construido la diferencia de género históricamente y se analizarán los roles que la moda y las artes han ido desempeñando en este tema.
Emergencia y alternativas en la confección de moda
Sábado 4 de mayo
Auditorio. 13:00 hrs. Entrada libre.
La mesa estará compuesta por un/a diseñador/a, un/a modelo y un/a fotógrafo/a de moda, quienes compartirán su visión sobre el mundo de la moda, así como las motivaciones e intereses que los llevaron a esta actividad.
Participan: Daniela Ferrari (diseñadora), Ricardo Encinas (fotógrafo), Columbia Díaz (modelo) y Ana Uribe (maquillista).
Modera: Mtro. Pablo King.
El jardín de la elección. Cómo es que al vestirnos participamos de la vida social
Sábado 6 de abril
Auditorio. 13:00 hrs. Entrada libre.
Ponentes: Javier Raya (escritor), Daniel Godínez (artista visual).
Modera: Dr. Pablo Hoyos.
El tema de la moda lejos de ser un asunto meramente banal constituye un documento estético sociológico que da cuenta de la sensibilidad de una época, en particular de la voluntad de ruptura e innovación o, de conservadurismo, quedando definido el asunto del vestir como un asunto sustancialmente político. Esta mesa busca ampliar la reflexión del fenómeno fashion.
Diferencia de género y cuerpo en la moda
Sábado 20 de abril
Auditorio. 13:00 hrs. Entrada libre.
Ponentes: Miriam González (bailarina profesional), Lorena Méndez (artista visual).
Modera: Dr. Ana Cristina Aguirre.
Mesa en la que se abordará cómo se ha construido la diferencia de género históricamente y se analizarán los roles que la moda y las artes han ido desempeñando en este tema.
Emergencia y alternativas en la confección de moda
Sábado 4 de mayo
Auditorio. 13:00 hrs. Entrada libre.
La mesa estará compuesta por un/a diseñador/a, un/a modelo y un/a fotógrafo/a de moda, quienes compartirán su visión sobre el mundo de la moda, así como las motivaciones e intereses que los llevaron a esta actividad.
Participan: Daniela Ferrari (diseñadora), Ricardo Encinas (fotógrafo), Columbia Díaz (modelo) y Ana Uribe (maquillista).
Modera: Mtro. Pablo King.
Imparte: Biol. Innan Godínez
Auditorio. 14:00 hrs.
Imparte: Consuelo Martínez
Auditorio. 12:00 hrs.
Imparte: Dra. Mariana Hernández Apolinar
Auditorio. 14:00 hrs.
Sala de usos múltiples. Duración: 73 min.
Proyección continua.
Sala de usos múltiples. Duración: 73 min.
Proyección continua.
Sala de usos múltiples. Duración: 73 min.
Proyección continua.
Sala de usos múltiples. Duración: 73 min.
Proyección continua.
Sala de usos múltiples. Duración: 73 min.
Proyección continua.
Imparte: Sandro Cusi
Auditorio. 12:00 hrs.
Imparte: Innan Godínez
Auditorio. 14:00 hrs.
Imparte: Biol. Elizabeth Santiago
Auditorio. 16:00 hrs.
Imparte: Arq. Óscar Hagerman
Auditorio. 13:00 hrs.
Entrada libre. Cupo limitado
Imparte: Dr. Gerardo Salazar
Auditorio. 16:00 hrs.
Presenta: Dr. Carlos Rommel Beutelspacher
Auditorio. 17:00 hrs.
Taller familiar donde se enseña cómo realizar la separación y plantación de las orquídeas para cuidarlas.
Claustro alto del museo. 12:00 hrs.
Costo: $35 (incluye visita guiada y material)